1. Indagaciones sobre el melodrama



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21 de mayo de 2004

Para difusión inmediata



Malba.cine JUNIO 2004


1. Indagaciones sobre el melodrama


Durante todo el mes de junio

2. Film del mes IX

Rebelión de Federico Urioste (documental, Argentina, 2003)

Viernes y sábados a las 22:00



3. Recuperación de un film histórico

Argentina, mayo 1969: El camino de la liberación (100’)

Grupo Realizadores de Mayo


Sábado 12 a las 20:00. Entrada libre y gratuita


4. Ciclo Trasnoches

Oriente violento


Todos los viernes a las 24:00

5. Ciclo ADF: Premio a la Mejor Dirección de Fotografía 2003


Primera semana de junio

100 años, luz (un recorrido por la historia de la dirección de fotografía en el cine)


Noveno encuentro


Sin aliento de Jean-Luc Godard (À bout de souffle, Francia-1959)

Sábado 26 a las 18:00



6. Rescate del mes: Don Quijote de Georg Wilhelm Pabst (Don Quichotte, Francia/Inglaterra, 1933)

Jueves 17 a las 22:00



7. Programación día a día


Malba.cine cuenta con el apoyo de I-Sat, Bang & Olufsen y Carrefour.

La programación completa puede consultarse en www.malba.org.ar y en las carteleras del museo. Entrada general: $5.- Estudiantes y jubilados: $2,50.-
 
Las entradas se pueden retirar con anticipación en Malba – Colección Costantini | Avda. Figueroa Alcorta 3415 | C1425CLA | Buenos Aires, Argentina | T +54 (11) 4808 6500 | F +54 (11) 4808 6598/99 | info@malba.org.ar | www.malba.org.ar

 

Gracias por su difusión. Contacto de prensa: Elizabeth Imas. T +54 (11) 4808 6520/6500 | F +54 (11) 4808 6599 | eimas@malba.org.ar | info@malba.org.ar | *Contamos con imágenes en alta definición.

Malba.cine JUNIO 2004




1. Indagaciones sobre el melodrama


Durante todo el mes de junio

En sus orígenes el término melodrama designaba una forma específica de espectáculo florentino del siglo XVI, que eventualmente originó la ópera, y que el tiempo fue transformando con la incorporación de influencias tan eclécticas como la comedia lacrimosa francesa, la novela negra inglesa y la pantomima italiana. Como explica el historiador y teórico Román Gubern, lo que en el cine se acostumbra definir como melodrama contiene algo de todo eso, atravesado por el melodrama teatral victoriano y el folletín popular. Por lo general se lo define como un género, pero las características específicas del melodrama son mucho más difíciles de precisar que, por ejemplo, las del western, el policial o la comedia. Para complicar más las cosas, un policial o un western pueden ser al mismo tiempo perfectos melodramas, como pasa con Laura de Otto Preminger o Duelo al sol, de King Vidor. Ello no impide afirmar que en el melodrama esencial hay algunos elementos recurrentes, como la tendencia al arquetipo de sus protagonistas principales, el deliberado desborde sentimental, la apelación prioritaria al público femenino. Sobre todo ello, el melodrama tiende a dotar de carácter trágico –y a veces épico- toda posible situación dramática de la vida cotidiana, lo que en parte explica su inmensa popularidad. En ese proceso, como señala Gubern, el melodrama suele presentar un orden social que, aunque se padece, se acepta como inmutable, y a exaltar el sacrificio y la redención hasta el extremo de transformar las evidentes derrotas de sus protagonistas en triunfos morales que seguramente se cobrarán en el Más Allá. Esta tendencia del género, frecuente en el cine mexicano, español, argentino e italiano (aunque no en el francés, pese a la raíz igualmente católica de su cultura) le ha dado un carácter reaccionario predominante. Eso no quiere decir que todo melodrama sea por definición ideológicamente retrógado, pero es cierto que prosperó de manera particular bajo regímenes totalitarios.”

Fernando Martín Peña
En junio, malba.cine propone un recorrido por el melodrama y algunas de sus muchas variantes, desde las propuestas más sofisticadas del Hollywood clásico hasta obras contemporáneas que hacen estallar las convenciones del género. En el ciclo se destaca una serie de films, en copias nuevas, protagonizados por Bette Davis, y una sección dedicada a la evolución del melodrama en el cine argentino, con títulos muy importantes y poco vistos hasta el día de hoy.


- Melodrama + música en vivo


La palabra “melodrama” significa, etimológicamente, “drama musical”. Por lo tanto, el cine mudo, que se veía siempre con música de acompañamiento, contiene los ejemplos más rigurosamente puros del género.
Las funciones de esta sección serán acompañadas por música en vivo, compuesta e interpretada por la National Film Chamber Orchestra que coordina Fernando Kabusacki.
Pimpollos rotos (Broken Blossoms, EUA, 1919) de David Wark Griffith, c/Lillian Gish, Richard Barthelmess, Donald Crisp, Arthur Howard. 90’.

Además de haber quedado en la historia del cine como el gran organizador de su lenguaje, Griffith dio nueva vigencia al melodrama teatral victoriano gracias a su imaginación poética y a la convicción con que puso en escena sus conflictos y arquetipos. El amor imposible de Pimpollos rotos conmovió a toda una generación y sus extremos de violencia lograron inquietar nada menos que a Horacio Quiroga. En una crítica del film, el autor de “La gallina degollada” se quejó de que “el señor Griffith cultiva con amor un resorte de tanto éxito como de dudosa buena ley: el efecto por el efecto, la crueldad por la crueldad. El eje de toda esta obra descansa en dos escenas capitales e idénticas: el martirio de una pobre criatura”.


Una mujer de París (A Woman of Paris, EUA, 1923) de Charles Chaplin, c/Edna Purviance, Clarence Geldart, Carl Miller, Lidia Knot, Charles K. French. 93’.

Fue el primer film que Chaplin logró terminar para su propia empresa United Artists y fue también su primer traspié comercial. Ansioso de probarse como director dramático y de brindar un mejor papel a Edna Purviance, su primera dama desde 1915, Chaplin elaboró un melodrama cargado de denuncias a la hipocresía social y a los prejuicios morales. El resultado fue un film adelantado a su tiempo, realizado con un despliegue formal que rara vez se permitió al dirigirse a sí mismo.


El fantasma de la Ópera (Phantom of the Opera, EUA, 1925) de Rupert Julian, c/Lon Chaney, Mary Philbin, Norman Kerry. 80’.

Esta superproducción de la empresa Universal ha sido promocionada como un film de terror, cuando en realidad se trata de un riguroso melodrama a la vieja usanza, con espacios tenebrosos, imprevistas vueltas de tuerca, villano temible pero a la vez humano y, desde luego, pasión imposible. Se verá en copia nueva, adquirida recientemente por Filmoteca Buenos Aires.



Doble programa expresionista



La crónica Grieshuus (Zur Chronik von Grieshuus, Alemania, 1925), de Arthur von Gerlach, c/ Gertrud Arnold, Lil Dagover, Rudolf Forster, Paul Hartmann. 30’

El romance entre un joven noble y una plebeya lleva al padre del muchacho a desheredarlo. Su hermano busca afanosamente quedarse con la herencia y termina provocando una crisis a la joven, que espera un hijo. El drama palaciego continúa de maneras imprevisibles y culmina con una intervención sobrenatural. El film fue escrito por Thea von Harbou, mujer de Fritz Lang y autora de clásicos como Metrópolis, Los Nibelungos y M, el vampiro negro.


Varieté (Alemania, 1925) de E. A. Dupont, c/Emil Jannings, Maly Delschaft, Lya De Putti, Warwick Ward, Alice Hechy, Georg John. 65’.

Clásico melodrama de infidelidad, venganza y expiación, que se caracteriza por transcurrir en el extraño mundo de los trapecistas. El virtuoso fotógrafo Karl Freund inventó toda clase de dispositivos especiales para que la cámara pudiera seguir las piruetas aéreas de sus protagonistas, que van en paralelo con sus respectivas conductas emotivas.



- Bette Davis y el melodrama


En el Hollywood clásico, el melodrama evolucionó hasta extremos inéditos de prestigio y solvencia técnica gracias a varios films que la empresa Warner Brothers concibió para Bette Davis (1908-1989). A diferencia de muchas de sus precedentes y sucesoras, Bette Davis fue simultáneamente una estrella carismática y una actriz versátil, capaz de asumir roles muy distintos entre sí y enriquecer con sutilezas de caracterización los arquetipos del melodrama. En los films de esta sección la actriz interpreta tanto a la mujer abnegada como a la pecadora sufriente; a la ingenua capaz de cualquier sacrificio como a la vampiresa sin escrúpulos.

Los films se verán en copias nuevas, en fílmico, rescatadas por Filmoteca Buenos Aires.


Jezabel, la tempestuosa (Jezebel, EUA, 1938) de William Wyler, c/Bette Davis, Henry Fonda, George Brent, Margaret Lindsay, Donald Crisp. 103’.

El título no se refiere al nombre del personaje protagónico (que se llama Julie) sino al personaje bíblico. Orgullosa y desafiante, Julie empuja a su prometido más allá de lo que debe y se queda sola. La oportunidad de redimirse llegará en medio de una epidemia de fiebre amarilla y rodeada de circunstancias impredecibles. La precisión caligráfica de la puesta en escena de Wyler ha mantenido sorprendentemente vigente este film ejemplar en su género, uno de cuyos guionistas fue John Huston.


Las hermanas (The Sisters, EUA, 1938) de Anatole Litvak, c/Bette Davis, Errol Flynn, Anita Louise, Ian Hunter, Donald Crisp, Beulah Bondi. 99’.

Aunque el título es en plural, hay una sola hermana importante en esta historia. Los usos y costumbres de la clase media norteamericana de fin de siglo se alternan con la descripción de la abnegada lucha que sostiene Bette Davis para salvar su matrimonio con Errol Flynn. Lejos del cine de aventuras que lo transformó en estrella, Flynn compone aquí, con toda convicción, a un hombre cuya superficie brillante esconde un carácter torturado por la inseguridad y el miedo.


La solterona (The Old Maid, EUA 1939) de Edmund Goulding, c/Bette Davis, Miriam Hopkins, George Brent, Donald Crisp, Jane Bryan, Louise Fazenda. 95’

La Davis logró una de sus composiciones más notables en este film, otro melodrama emblemático, cuyo argumento le exigió pasar de una bella mujer a la solterona malhumorada del título. La actriz logró transformarse con absoluta convicción, a medida que se suceden las razones que justifican su progresivo resentimiento. El film permite, además, apreciar una de las pocas actuaciones dramáticas de la actriz Louise Fazenda, una de las pocas grandes intérpretes que tuvo el cine cómico mudo.


La gran mentira (The Great Lie, EUA, 1941) de Edmund Goulding, c/Bette Davis, George Brent, Mary Astor, Lucile Watson, Hattie McDaniel, Grant Mitchell. 108’.

La desaparición de un hombre une de manera circunstancial a las dos mujeres de su vida. Un par de convenientes arbitrariedades argumentales, tradicionales en el género, invierten caprichosamente las relaciones entre los protagonistas dos veces a lo largo del film, lo que lo vuelve un muy buen ejemplo de cómo se evitaban las limitaciones de la censura cuando se deseaba tocar temas delicados. Bette Davis encontró una dignísima rival en la actriz Mary Astor, posterior femme fatale de El halcón maltés (Huston, 1941).


Engaño (Deception, EUA, 1946) de Irving Rapper, c/Bette Davis, Paul Henreid, Claude Rains, John Abbott, Benson Fong. 110’.

El reencuentro entre Davis y Henreid, amantes forzosamente separados por la guerra, queda ensombrecido por Rains, especie de Svangali que se ha obsesionado con ella. Además de la música original de Erich Korngold, el film se destaca por ofrecer un final que escapa a todas las ataduras morales que solía padecer el cine del período.


Perfidia de mujer (Beyond the Forest, EUA, 1949) de King Vidor, c/Bette Davis, Joseph Cotten, David Brian, Ruth Roman, Minor Watson, Dona Drake. 97’.

Por una vez, el título de estreno en nuestro país resulta mucho más pertinente que el original. Harta de la vida pueblerina, Davis comete toda clase de actos siniestros para escapar de su cotidianeidad y de su marido, un muy sufrido Joseph Cotten. Como en buena parte de su obra, el director Vidor se vale de un rodaje en impresionantes locaciones para subrayar los extremos dramáticos del film.




- Mar de lágrimas. El melodrama recorre el mundo

1ª estación: Hollywood


Más allá del paradigma que suponen los melodramas con Bette Davis, los siguientes films representan el melodrama norteamericano en sus distintos momentos:
El séptimo cielo (Seventh Heaven, EUA, 1927) de Frank Borzage, c/Janet Gaynor, Charles Farrell, Gladys Brockwell, Ben Bard. 110’. Con acompañamiento musical original.

Una pareja, separada por la guerra mundial, encuentra mutuo consuelo en una especie de unión romántico-telepática que se establece todos los días a una hora determinada. Discípulo de Griffith, Frank Borzage logró una culminación del melodrama clásico en este film, cuyo éxito justificó varias reposiciones y remakes posteriores.


El beso (The Kiss, EUA, 1929) de Jacques Feyder, c/Greta Garbo, Conrad Nagel, Holmes Herbert, Anders Randolf, Lew Ayres. 80’. Proyección en video, con acompañamiento musical original.

Desde el principio de su carrera en Hollywood, Greta Garbo se especializó en encarnar objetos de deseo cuya obtención suele acarrear la desgracia. En este caso interpretó a una mujer –casada con un hombre mayor– que atrae, a su pesar, a un adolescente, con resultados fatales. Con un tono que anticipa ciertos motivos del posterior film noir, El beso es un modelo de narración visual, gracias a la puesta en escena de Feyder (luego, director de clásicos como La kermesse heroica).


Argelia (Algiers, EUA, 1938) de John Cromwell, c/Charles Boyer, Sigrid Gurie, Hedy Lamarr, Joseph Calleia, Alan Hale, Gene Lockhart. 95’.

Un ladrón internacional se refugia exitosamente en el laberinto de la Casbah argelina, hasta que una mujer irresistible lo obliga a salir. Se trata de una remake extremadamente fiel del clásico francés Pepe le Moko, de Julien Duvivier, con Charles Boyer ocupando muy dignamente el lugar de Jean Gabin. La película introdujo al público norteamericano a la actriz austríaca Hedy Lamarr, que cinco años antes había escandalizado a Europa con su desnudo para el film Éxtasis.


Carta de una enamorada (Letter from an Unknown Woman, EUA, 1948) de Max Ophüls, c/Joan Fontaine, Louis Jourdan, Mady Christians, Marcel Journet, Art Smith. 85’.

Un melodrama de melodramas. Un pianista en decadencia recibe una carta de una mujer cuya vida ha estado en función de la suya, aunque sólo se han visto tres veces. Hacía falta un genio como Ophüls para poner en escena de manera convincente todo el romanticismo latente en esta historia de Stefan Zweig. El film fue uno de los referentes principales de Martín Scorsese a la hora de planificar el rodaje de La edad de la inocencia.


La campana de Adano (A Bell for Adano, EUA, 1945) de Henry King, c/Gene Tierney, John Hodiak, William Bendix, Glenn Langan, Richard Conte. 103’

Al igual que Frank Borzage, el director Henry King dio lo mejor de sí cuando tuvo la oportunidad de realizar melodramas. Éste fue uno de los pocos films norteamericanos que dejaron de lado el triunfalismo de la inmediata posguerra para indagar en los problemas humanos consecuentes.


Tres secretos (Three Secrets, EUA, 1950) de Robert Wise, c/Eleanor Parker, Patricia Neal, Ruth Roman, Frank Lovejoy, Leif Erickson, Ted de Corsia, Edmond Ryan. 98’.

Melodrama en episodios con premisa inusual: mientras se desarrolla un operativo de rescate para salvar a un niño, víctima de un accidente de aviación, en lo alto de una montaña, tres mujeres suponen simultáneamente que ese niño podría ser el que dieron en adopción años atrás. Tres elaborados raccontos explican por qué.


El hombre del traje gris (The Man in the Grey Flannel Suit, EUA, 1956) de Nunnally Jonson, c/Gregory Peck, Jennifer Jones, Fredric March, Marisa Pavan, Lee J. Cobb. 153’.

A través del protagonista Gregory Peck, el realizador y guionista Nunnally Johnson logró describir a toda una generación de norteamericanos que vieron sus vidas afectadas de diverso modo por la guerra mundial. Al tratar la esencia más auténtica de las convenciones del melodrama, el film fue uno de los mejores intentos del cine de los 50 por abordar un tema adulto y cotidiano.



2ª estación: Europa

Aunque sea de manera fugaz, todo recorrido por la producción melodramática exige detenerse especialmente en la atención que el género mereció por parte de los regímenes totalitarios de Italia y Alemania. En las películas producidas durante estos períodos, como observa Gubern, “el melodrama no es un grito de venganza sino un lamento de sumisión, lo que constituye la razón de su reaccionarismo político y social, y legitima su naturaleza de “arte de tendencia” (netamente conservadora)”.


Lágrimas de sangre (Lacrime di sangue, Italia, 1944) de Guido Brignone, c/ Neda Naldi, Carlo Ninchi, Andrea Checchi, Wanda Capodaglio, Maria Donati, 80’.

Los múltiples padecimientos de una muchacha huérfana, desde una granja en el campo hasta el fango de la gran ciudad, son narrados por Brignone con un evidente conocimiento de todos los resortes del género y sin el alivio de un providencial final feliz. Algunas escenas poseen, incluso, un logrado aliento épico, digno de la tendencia al exceso que impregna todo el film.


El ángel blanco (Angelo bianco, Italia, 1955) de Raffaello Matarazzo, c/Amedeo Nazzari, Ivonne Sanson, Enrica Direll, Alberto Farnese. 100’.

En el film Cinema paradiso, las películas de Raffaello Matarazzo aparecen como paradigmas del melodrama en su versión más doliente. Como en tiempos del cine mudo, cuando Italia produjo clásicos del género como Assunta Spina, el realizador aplica las convenciones de la tragedia a historias de raigambre popular, con personajes que siempre padecen junto a la clase obrera.


Era una noche embriagadora (Es war eine rauschende Ballnacht, Alemania, 1939) de Carl Froelich, c/Zarah Leander, Marika Rökk, Fritz Rasp. 89’.

Versión libérrima de la biografía de Tchaikovsky, hecha para lucimiento de Zarah Leander, quizá la máxima diva del cine nazi, y de la bailarina Marika Rökk. Pese a las licencias fácticas, la puesta en escena posee una exuberancia romántica que destaca al film entre los muchos similares realizados durante este período. La abundante música es utilizada siempre de manera pertinente al relato y representa a la perfección las turbulencias pasionales que experimentan sus protagonistas.


La habanera (Alemania, 1937) de Douglas Sirk, c/ Zarah Leander, Ferdinand Marian, Karl Matell, Julia Serda, Boris Alekin, Paul Bildt. 100’.

Antes de trasladarse a Estados Unidos y ser conocido como Douglas Sirk, el ¿alemán? Detlef Sierck ya se caracterizaba por su afición al melodrama más excesivo. Aquí, Leander, cuya imagen cinematográfica estaba siendo modelada sobre la de Greta Garbo, es cautiva de un marido diabólico, en un Puerto Rico lleno de estereotipos raciales y sociales. La salvación llegará de la mano de un apuesto amigo de la infancia.


Rosas para Bettina (Rosen für Bettina, Alemania, 1956) de Georg W. Pabst, c/Willy Birgel, Elisabeth Müller, Ivan Desny, Eva Kerbler, Leonard Steckel, Carl Wery. 95’.

Considerado el más realista de los directores surgidos con el expresionismo, Pabst mostró desde el comienzo una predisposición al melodrama, que supo enriquecer con su agudo interés en la psicología y su fascinación por los extremos más sórdidos de la conducta humana. En este film, uno de los menos revisados de su carrera, la historia de una bailarina que padece parálisis le permitió una última incursión en el género.



Víspera de combate (Veille d’ armes, Francia, 1935) de Marcel L’Herbier, c/Annabella, Victor Francen, Robert Vidalin, Roland Toutain, Rosine Deréan, Pierre Renoir. 80’.

La estructura es similar a la de El motín del Caine: la primera mitad es una historia bélica, y la segunda, un juicio sumario a un oficial. Pero aquí no está en juego su cordura sino su honor de marido: su bella esposa puede testimoniar a su favor pero no se atreve, pues al hacerlo revelaría su relación con un oficial más joven.


Los amantes del río Tajo (Les amants du Tage, Francia, 1955) de Henri Verneuil, c/Françoise Arnoul, Daniel Gélin, Trevor Howard, Amália Rodrigues, Marcel Dalio, Albert Préjean. 123’.

Arnoul y Gélin interpretan a dos exiliados en Lisboa, cada uno con un pasado que los agobia. Se enamoran apasionadamente (con ayuda de bellos fados interpretados por Amalia Rodrígues), pero pronto descubren que deberán saldar sus respectivas deudas. El film fue un éxito notable en su momento, pero no volvió a ser visto. La copia que se exhibe fue rescatada por Filmoteca Buenos Aires.



3ª estación: Argentina

La siguiente selección ha procurado –aunque no siempre ha conseguido– evitar los lugares comunes del género en nuestro cine, sin dejar por ello de ser representativa de su evolución y de las/los intérpretes que con más frecuencia lo abordaron.



El día que me quieras (EUA, 1935) de John Reinhardt, c/Carlos Gardel, Rosita Moreno, Tito Lusiardo, Manuel Peluffo, José Luis Tortosa. 82’.

En sus películas, que fueron en su mayor parte melodramas en el sentido más riguroso del término, Gardel logró dar forma cinematográfica a las convenciones tradicionales del tango. Inventó así una suerte de opereta tanguera donde las canciones guardan siempre estrecha relación con el argumento. Estrenada inmediatamente después de su muerte, El día que me quieras se convirtió en un clásico instantáneo, y fue, junto con Cuesta abajo, su mejor film. Entre sus muchos momentos notables destaca una escena en que, con ayuda de Tito Lusiardo y Miguel Peluffo, el ídolo se ríe de sí mismo y canta mal.


Ayúdame a vivir (Argentina, 1936) de José Ferreira, c/Libertad Lamarque, Floren Delbene, Perla Mary, Delia Durruty, Lalo Harbín, Santiago Gómez Cou, Atilio Supparo. 72’.

El “Negro” Ferreyra ya había intentado en el cine mudo realizar films inspirados directamente en la mitología tanguera, como El tango de la muerte, Muchacha del arrabal, Mi último tango, La costurerita que dio aquel mal paso o Perdón, viejita. En el sonoro, siguiendo el modelo de las películas de Gardel, encontró el éxito con ayuda de Libertad Lamarque a partir de este film, que fue el primero en abrir los mercados latinoamericanos para nuestro cine.


Concierto de almas (Argentina, 1942) de Alberto de Zavalía, c/Delia Garcés, Pedro López Lagar, Rafael Frontaura, Antonio Gandía. 73’.

El tema es de Alejandro Casona: una muchacha se enamora de un hombre que es incapaz de recordar su pasado. Poco a poco éste irá manifestándose hasta revelarse por completo, con el riesgo que esto implica para la relación.


Los estudios Baires, financiados por Natalio Botana e ideados por su mano derecha, Eduardo Bedoya, estaban recién inaugurados cuando se realizó este film y contaban con todas las posibilidades técnicas del período. El realizador las evidenció en una impactante escena de naufragio que era central en la trama. Como otros films producidos por la empresa, Concierto de almas se consideraba perdido, pero el coleccionista Juan Carlos Fisner logró rescatar una copia, adquirida recientemente por Filmoteca Buenos Aires.
La cumparsita (Argentina, 1947) de Antonio Momplet, c/Aída Alberti, Carlos Castro, Max Citelli, Chela Cordero, Nelly Darén, Hugo del Carril. 77’.

Las convenciones del melodrama se trasladan a un protagonista masculino: un hombre encuentra la felicidad con una mujer, parte a Europa como corresponsal de guerra, sufre una conmoción que le produce amnesia e inicia otra vida hasta que otro impacto le hace recordar a la que ha abandonado. Por encima de los caprichos argumentales, resueltos expeditivamente por el director Momplet, se imponen la voz y la personalidad de Hugo del Carril.


El deseo (Argentina, 1944) de Carlos Schlieper, c/Roberto Airaldi, Homero Cárpena, Dario Dossier, Delfy de Ortega, César Fiaschi, Santiago Gómez Cou. 88’

Con un argumento elemental, que incluye el desliz sentimental y un chantaje cruel, Schlieper logró uno de los pocos melodramas de auténtica inspiración romántica que dio el cine argentino. El personaje de una ama de llaves provocó comparaciones con Hitchcock, pero la sensibilidad del realizador estaba mucho más cerca de un Max Ophüls. Como en todo su cine, el film evidenció también su profunda empatía con los personajes femeninos.


Una mujer sin importancia (Argentina, 1945) de Luis Bayón Herrera, c/Mecha Ortiz, Santiago Gómez Cou, Golde Flami, Hugo Pimentel, Lidia Denis, Blanca Vidal, Lucía Barause. 85’.

Seducida y abandonada, Mecha Ortiz tiene un hijo ilegítimo y se hace cargo de él. Años más tarde reaparece el padre y lo reclama. Bayón Herrera y el crítico / realizador Arturo S. Mom escribieron el libreto a partir de la obra de Oscar Wilde.


Como tú lo soñaste (Argentina, 1947) de Lucas Demare, c/ Guillermo Battaglia, Enrique Chaico, Sebastián Chiola, José María Gutiérrez, Mirtha Legrand, Adolfo Linvel. 97’.

Un hombre recibe la noticia de que es padre de un niño, sin haber conocido a la madre. Un punto de partida intrigante deriva en un melodrama completamente inusual y por momentos casi expresionista, realizado con virtuosismo por Demare. Fue una de las últimas películas que hizo el núcleo fundador de Artistas Argentinos Asociados antes de dividirse a causa del peronismo.


La muerte está mintiendo (Argentina, 1950) de Carlos Borcosque, c/Narciso Ibáñez Menta, María Rosa Gallo, Alita Román, Perla Mux, Juan Serrador. 100’.

Ibáñez Menta interpreta al antihéroe argentino típico: un hombre débil al que las circunstancias llevan a tomar todas las decisiones equivocadas. El planteo básico y la forma del film es básicamente policial, pero el melodrama se impone a cada minuto. La crítica elogió con razón la actuación de Ibáñez Menta y la excelente realización de Borcosque, que logra mantener la tensión del relato aun cuando el libreto no siempre lo justifica.


Marianela (Argentina, 1955) de Julio Porter, c/Olga Zubarry, Pedro Laxalt, José María Gutiérrez, Domingo Sapelli, Juan Sarcione, Perla Alvarado. 94’

La historia de Benito Pérez Galdós sobre el amor imposible entre una niña humilde y un joven ciego de noble familia fue trasladada al Oeste argentino y adaptada a la pareja Zubarry-Gutiérrez, que poco antes había logrado un éxito considerable con otro melodrama, titulado Concierto para una lágrima. Fue el último film argentino estrenado antes del golpe militar que derrocó a Juan Domingo Perón.


Amorina (Argentina, 1961) de Hugo del carril, c/Tita Merello, Hugo del Carril, María Aurelia Bisutti, Alberto Bello, Golde Flami, Alicia Paz. 90’

Acosada por la edad, los hijos que se van y un marido hipócrita, Amorina sufre una crisis nerviosa y enfrenta la posibilidad de perder la razón. El material básico era convencional pero ganó en fuerza y convicción gracias al temperamento de sus intérpretes y a una realización que se vuelca de manera progresiva hacia el expresionismo, acompañando el deterioro psíquico de la protagonista. Se exhibe en copia nueva de 35 mm, tirada a partir de los negativos originales rescatados por APROCINAIN, con apoyo de Kodak y Cinecolor.



- Actualizaciones

Aunque la reiteración de convenciones y arquetipos fue agotando al género, su extinción nunca se produjo. En cambio, hubo realizadores que apostaron a su renovación ya sea mediante el ejercicio de la autoconciencia o la trasposición de sus recursos típicos a contextos insólitos.
Alma negra (Anima nera, Italia, 1962) de Roberto Rossellini, c/Vittorio Gassman, Nadja Tiller, Annette Vadim, Yvonne Sanson, Tony Brown, Rina Braido. 97’.

Toda la obra de Rossellini gira sobre recursos del melodrama pero ninguna de sus películas se ciñe estrictamente al género. Esto sucede, por ejemplo, con este estudio de un personaje turbio hasta la sordidez, que interpretó a la perfección Vittorio Gassman.


De repente en el verano (Suddenly, Last Summer, EUA, 1959) de Joseph L. Mankiewicz, c/Elizabeth Taylor, Katharine Hepburn, Montgomery Clift, Albert Dekker, Mercedes McCambridge, Gary Raymond. 114’.

Comienza como una intriga policíaco-psicológica, al estilo Cuéntame tu vida, pero poco a poco se revela que la verdad es tan melodramática como se la mire. Para el público y el médico que interpreta Montgomery Clift, los hechos son bastante evidentes y llanos; para el personaje de Katherine Hepburn, en cambio, se trata de una tragedia que habrá de negar hasta llegar a la insanía criminal. Se lo considera el primer film hollywoodense en tratar más o menos abiertamente la homosexualidad. Se basa en una pieza de Tennessee Williams.


El gran amor del Conde Drácula (España, 1972) de Javier Aguirre, c/Jacinto Molina, Haydée Politoff, Rosanna Yanni, Mirta Miller, Víctor Alcázar. 85’.

Ya se sabe que el vampiro es en esencia un mito romántico y este film español lo demuestra, supeditando los efectismos del cine de terror al desarrollo de un amor que es, naturalmente, imposible. Se trata de uno de los films menos vistos y más logrados que interpretó Jacinto Molina, alias Paul Naschy, nombre esencial del terror hispano.


Tess (Francia/Inglaterra, 1979) de Roman Polanski, c/Nastassja Kinski, Peter Firth, Leigh Lawson. 170’.

La novela Tess d’Ubervilles, de Thomas Hardy, fue adaptada otras veces al cine, pero nunca con la convicción que logró imprimirle Polanski en esta versión, que es un modelo de melodrama clásico hecho en una época que ya no los hacía. Aunque no fue la primera película de Nastassja Kinski, fue la responsable de su inmediato estrellato.


Lili Marleen (Alemania, 1981) de Rainer W. Fassbinder, c/Hanna Schygulla, Giancarlo Giannini, Mel Ferrer, Karl-Heinz von Hassel, Erik Schumann, Hark Bohm, Gottfried John. 120’.

Admirador del melodrama en general y de las películas de Douglas Sirk en particular, Fassbinder narró en este film la historia de un amor imposible entre un judío y una cantante que se hace famosa interpretando el tema del título en plena Alemania nazi.


El diablo en el cuerpo (Diavolo in corpo, Francia/Italia, 1986) de Marco Bellocchio, c/Maruschka Detmers, Federico Pitzalis, Anita Laurenzi, Alberto Di Stasio, Riccardo De Torrebruna. 114’.

El viejo tema de Radiguet fue actualizado por Bellocchio mediante un contexto político concreto y escenas de sexo explícito que en su momento causaron algún escándalo. Sin embargo, el argumento básico, la pasión de un muchacho por una mujer mayor que tiene sus compromisos, se mantuvo próximo al original.


Cinema Paradiso (Nuovo Cinema Paradiso, Italia/Francia, 1988) de Giuseppe Tornatore, c/Philippe Noiret, Salvatore Cascio, Jacques Perrin. 123’.

El pequeño Salvatore se hace amigo del operador del cine de su pueblo y aprende que la vida es mejor entre las sombras de la gran pantalla. La muerte del cine como espectáculo eminentemente popular es el tema de este film, que ya se ha vuelto un clásico. Entre otros premios internacionales, recibió un Oscar de la Academia de Hollywood al mejor film en idioma extranjero.


Átame (España, 1990) de Pedro Almodóvar, c/Victoria Abril, Antonio Banderas, Loles León, Julieta Serrano, María Barranco, Rossy de Palma, Francisco Rabal. 111’.

Un hombre secuestra a una estrella porno con la intención de casarse con ella y tener hijos. Como en toda su obra, Almodóvar se ríe de las convenciones del melodrama, la moral burguesa y los arquetipos sexuales, para crear una película inusual que funciona como una comedia, aunque nunca se sabe.


El amante (L’amant, Francia/Inglaterra/Vietnam, 1992) de Jean-Jacques Annaud, c/Jane March, Tony Leung Ka Fai, Frédérique Meininger, Arnaud Giovaninetti, Melvil Poupaud, Lisa Faulkner. 115’.

Aunque probablemente no fue intencional, el relato autobiográfico de Marguerite Duras sobre su iniciación sexual en Indochina derivó en un notable melodrama. Annaud, cuyo sentido visual se impone siempre sobre sus temas, logró una sensualidad que no se limita sólo a las comentadas escenas entre la protagonista y su amante, sino que se prolonga en la detallada descripción del período y hasta en el relato en off de la legendaria Jeanne Moreau.


Malba.cine JUNIO 2004


2. Film del mes IX

Rebelión de Federico Urioste (documental, Argentina, 2003)

Viernes y sábados a las 22:00

(...) ¿Por qué hice Rebelión? La historia del Cordobazo es la historia de un alzamiento popular en una ciudad, en 1969, en medio de la dictadura del General Onganía. Ahí, la clase trabajadora, los estudiantes y las clases medias confluyeron en una enorme movilización. El Cordobazo fue la máxima expresión del desarrollo de las conciencias de las masas y repercutió en el resto del país, produciendo hechos similares en Rosario y Tucumán. Este acontecimiento marcó a toda una generación. Y en la Argentina, donde la memoria es muy flaca, es importante rescatar la memoria, porque sin ella no hay identidad, y es entonces cuando otros escriben la historia por uno.” Federico Urioste

Ficha técnica
Rebelión (Argentina, 2003) Dirección: Federico Urioste / Guión y Textos: Norberto Vieyra y Federico Urioste / Investigación Histórica: Alicia Lamas y Federico Urioste / Producción ejecutiva: Marcelo Altmark y Federico Urioste / Fotografía y cámara: Pablo Salomón, Rodolfo Solari y Alejandro Areal Vélez / Narración: Vando Villamil / Diseño de sonido: Carlos Cortés / Edición: Norberto Vieyra / Música: Martín Pavlosvky

Federico Urioste (Buenos Aires, 1940) estudió Sociología, Dirección Teatral, Estructura Dramática y Fotografía. Residió en España desde 1977, donde trabajó como asistente de dirección en teatro y en medios audiovisuales. Luego se trasladó a Inglaterra para estudiar cine en el London International Film School. Desde su regreso a la Argentina, en 1982, trabaja en la producción de documentales. Recibió el Premio a la Mejor Investigación en el IX Festival de Cinema Latinoamericano de Trieste de 1994 por el film Hundan al Belgrano (1996), documental dirigido en co-producción con Channel Four Televisión (UK). Filmografía completa: El hijo (cortometraje basado en un cuento de Horacio Quiroga; Buenos Aires, 1979); Last Soft Area (cortometraje documental que narra la lucha de Covent Garden en la década del 70; Londres, 1982. Finalista en el concurso de Escuelas de Cine de Londres); Ecos de los Andes (documental; co-dirección con Miguel Pereira; Argentina, 1983); Platería del período del Virreinato (documentales realizados para el Museo Isaac Fernández Blanco; Buenos Aires, 1984); Carlos Gardel (documental para la Red Hispano Parlante de USA; Argentina, 1985); La República Perdida II (largometraje documental; director asistente; Buenos Aires, 1986)



 

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3. Recuperación de un film histórico

Argentina, mayo 1969: El camino de la liberación (100’)

Grupo Realizadores de Mayo


Sábado 12 a las 20:00. Entrada libre y gratuita

Luego de treinta y cinco años, se exhibe por primera vez el largometraje colectivo Argentina, mayo 1969: El camino de la liberación, realizado en la clandestinidad por un grupo de directores y técnicos de diversa extracción política nucleados bajo la denominación “Realizadores de Mayo”.


El film aborda el Cordobazo y las rebeliones adyacentes desde varios puntos de vista, utilizando un material de archivo que se consideraba perdido luego de la última dictadura, como otros tantos films de la misma época. Fue uno de los largometrajes del cine político militante, realizados y exhibidos de manera clandestina, según el modelo de La hora de los hornos, de Solanas y Getino.
Entre los realizadores que participaron de esta experiencia figuran Octavio Getino, Nemesio Juárez, Rodolfo Kuhn, Jorge Martín “Catú”, Humberto Ríos, Eliseo Subiela y Pablo Szir.
El camino de la liberación se consideró perdido después de la última dictadura. En el año 2002, Carla Stella encontró material del período y lo depositó para su reparación e identificación en la Filmoteca Buenos Aires. Allí apareció la segunda mitad del film, en 16mm. En 2004, gracias a una gestión de los realizadores sobrevivientes del grupo, se obtuvo la primera mitad, en video, a partir de una copia depositada en el Forum de Berlín en 1970.

La exhibición de este film está organizada en conjunto por DAC (Directores Argentinos Cinematográficos), el Museo Municipal del Cine “Pablo Ducrós Hicken” y Malba- Colección Costantini.

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4. Ciclo Trasnoches

Oriente violento


Todos los viernes a las 24:00

Conscientes de que el cine es siempre ficción, los realizadores de Hong Kong y Japón carecen de los límites que encuentran sus colegas occidentales a la hora de representar la violencia. Durante el mes de junio se proyectarán en Malba cuatro ejemplos que demuestran que la violencia extrema es ya una tradición en el cine oriental y no sólo patrimonio de realizadores como Takeshi Kitano, Takashi Miike o Johnny To.


Viernes 4

Yojimbo (Japón, 1961) de Akira Kurosawa, c/Toshiro Mifune, Tatsuya Nakadai, Eijiro Tono, Isuzu Yamada. 110'.

Es igual que Cosecha roja de Hammett pero con samurais. Toshiro Mifune enfrenta a las dos bandas rivales de un pueblo hasta que ambas se exterminan mutuamente en un baño de sangre.


Viernes 11

Proyecto A (Project A, Hong Kong, 1983) de Jackie Chan, c/Jackie Chan, Yuen Biao, Sam Hung, Dick Wei. 106'.

Un buen ejemplo del cine de Jackie Chan antes de ser pasteurizado por las productoras norteamericanas. La copia ha conocido épocas mejores, pero es prácticamente imposible ver estos films en fílmico y en su formato original.


Viernes 18

La ira del espadachín manco (San duk bei do, Hong Kong, 1971) de Chang Cheh, c/David Chiang, Lung Ti, Chung Wang. 90'.

Un joven artista marcial es acusado de un crimen que no cometió y, derrotado en duelo por un maestro corrupto, es obligado a cortarse un brazo. Ese detalle no le impedirá ejecutar luego una vistosa masacre.


Viernes 25

El día del Apocalipsis (Sengoku jieitai, Japón, 1979) de Mitsumasa Saito, c/Sonny Chiba, Jun Eto, Tashitaka Ito. 139'.

Un pelotón de soldados armados hasta los dientes va a parar al Japón medieval a causa de una brecha temporal y se involucra en medio de una espantosa batalla entre señores feudales. Esta insólita mezcla de ciencia ficción y cine de samurais es considerada una película de culto, aunque en casi todas partes del mundo sólo se la conoce en versiones mutiladas. En esta ocasión proyectaremos una copia integral, rescatada en Rosario por el cineclubista Jorge De Biase. El protagonista Sonny Chiba fue rescatado por Tarantino para interpretar a Hanzo, el fabricante de espadas en Kill Bill.

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5. Ciclo ADF: Premio a la Mejor Dirección de Fotografía 2003


Primera semana de junio

La Asociación Argentina de Autores de Fotografía Cinematográfica (ADF), en colaboración con malba.cine, ha organizado para la primera semana de junio una serie de proyecciones y seminarios cuyo eje principal será la fotografía cinematográfica.


El sábado 26, a las 18:00, se realizará la entrega del Premio ADF a la Mejor Dirección de Fotografía 2003 y luego la proyección de Sin aliento, de Jean-Luc Godard.
Se exhibirán ocho títulos argentinos estrenados durante 2003 que han sido los más interesantes del año en cuanto a su propuesta fotográfica, según los criterios de la asociación: El fondo del mar, de Damián Szifrón; El polaquito, de Juan Carlos Desanzo; El juego de Arcibel, de Alberto Lecchi; Todo juntos, de Federico León; Tico tico de Marcelo Domizi; El séptimo arcángel, de Juan Bautista Stagnaro; Potestad, de Luis César D’Angiolillo, y Vivir intentando, de Tomás Yankelevich. Además, se desarrollarán encuentros vinculados con la fotografía en el cine, con entrada libre y gratuita:
- Jueves 3 a las 18:00: Nuevas tecnologías de Kodak. Presentación de la nueva película Vision2 y otros, por Nicolas Casolino y Nadina Goldwaser.

- Viernes 4 a las 18:00: Aplicaciones del sistema zonal de color, por Salvador Melita.

- Sábado 5 a las 18:00: El formato no es la cámara, por Martin Siccardi.

100 años, luz (un recorrido por la historia de la dirección de fotografía en el cine)

Sábado 26 a las 18:00

Noveno encuentro: Sin aliento de Jean-Luc Godard (À bout de souffle, Francia-1959). Argumento: François Truffaut. Guión: Jean-Luc Godard. Con Jean-Paul Belmondo, Jean Seberg, Jean-Pierre Melville y elenco. 87’.




Se verá una copia nueva en 35 mm rescatada por APROCINAIN, con apoyo de Kodak y Cinecolor.

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6. Rescate del mes: Don Quijote de Georg Wilhelm Pabst (Don Quichotte, Francia/Inglaterra, 1933)

Jueves 17 a las 22:00

La idea de esta versión musical de la obra de Cervantes fue del cantante Feodor Chaliapin, quien deseaba encarnar al Quijote en el cine. El realizador alemán Georg W. Pabst, célebre por haber provocado a la censura con films como La caja de Pandora (1928) y Diario de una perdida (1929), debió parecer una elección apropiada para dirigir el proyecto, ya que poco antes había filmado con éxito La ópera de dos centavos sobre Brecht.
El director aceptó con la condición de poder supervisar la adaptación y escribir el guión, tarea que realizó con audacia e ingenio. En su versión, Don Quijote es ordenado caballero por el actor que hace del rey Arturo en una compañía teatral ambulante, y es la temible Inquisición española la que se ocupa de quemar la biblioteca del Hidalgo, en lugar de sus amigos y parientes. Don Quijote es considerada una de las últimas grandes películas de Pabst, que durante el nazismo prefirió realizar obras menores, pocas veces comparables con sus logros previos.
Como era habitual en el primer cine sonoro, hubo al menos dos versiones del film, una en inglés y otra en francés, ambas con Chaliapin pero con distintos intérpretes secundarios. En esta ocasión se exhibe la versión francesa, cuyos negativos estaban a punto de descomponerse y fueron encontrados a tiempo por la Asociación de Apoyo al Patrimonio Audiovisual en los depósitos del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales.
Ficha técnica
Don Quijote de Georg Wilhelm Pabst (Don Quichotte, Francia/Inglaterra, 1933) Dirección: Georg W. Pabst / Argumento: novela de Miguel de Cervantes / Adaptación: Paul Morand. Diálogos: Alexandre Arnoux / Guión: Georg W. Pabst / Fotografía: Nicolas Farkas, Paul Portier / Música: Jacques Ibert. Con Feodor Chaliapin (Don Quijote), Dorville (Sancho Panza), René Donnio (Sansón Carrasco), Renée Valliers (Dulcinea), Jean de Limur (el duque), Arlette Marchal (la duquesa), Charles Martinelli, Arlette Marchal, Mady Berry, Mireille Balin, Vladimir Sokoloff. Duración: 74'.
Copias nuevas en 35 mm gestionadas por Malba, con el aporte de KODAK y del laboratorio CINECOLOR.

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7. Programación día a día

Jueves 3

14:00 ADF: Vivir intentando de de Tomás Yankelevich

16:00 ADF: Tico tico de Marcelo Domizi

18:00 ADF: Nuevas tecnologías de Kodak

20:00 Ayúdame a vivir de José Ferreira

22:00 Rosas para Betina de Georg W. Pabst
Viernes 4

14:00 ADF: El séptimo arcángel de Juan Bautista Stagnaro

16:00 ADF: El fondo del mar de Damián Szifrón

18:00 ADF: Aplicaciones del sistema zonal de color

20:00 Una mujer sin importancia de Luis Bayón Herrera

22:00 Rebelión de Federico Urioste

24:00 Yojimbo de Akira Kurosawa
Sábado 5

14:00 ADF: El polaquito, de Juan Carlos Desanzo

16:00 ADF: Potestad, de Luis César D’Angiolillo

18:00 ADF: El formato no es la cámara

20:00 Tres secretos de Robert Wise

22:00 Rebelión de Federico Urioste

24:00 Átame de Pedro Almodóvar
Domingo 6

14:00 ADF: El juego de Arcibel de Alberto Lecchi

16:00 ADF: Todo juntos de Federico León

18:00 Jezabel de William Wyler

20:00 Las hermanas de Anatole Litvak

22:00 Engaño de Irving Rapper


Jueves 10

14:00 Argelia de John Cromwell


16:00 La muerte está mintiendo de Carlos Borcosque
18:00 El beso de Jacques Feyder
20:00 Alma negra de Roberto Rossellini
22:00 Átame de Pedro Almodóvar
Viernes 11

14:00 Lágrimas de sangre de Guido Brignone

16:00 Amorina de Hugo del carril

18:00 El diablo en el cuerpo de Marco Bellocchio

20:00 La campana de Adano de Henry King
22:00 Rebelión de Federico Urioste

24:00 Proyecto A de Jackie Chan


Sábado 12

14:00 Víspera de combate de Marcel L’Herbier


16:00 Como tú lo soñaste de Lucas Demare

18:00 La gran mentira de Edmund Goulding

20:00 Argentina, mayo 1969 - El camino de la liberación de Grupo realizadores de Mayo

22:00 Rebelión de Federico Urioste

24:00 El gran amor del Conde Drácula de Javier Aguirre
Domingo 13

14:00 Era una noche embriagadora de Carl Froelich,

16:00 El amante de Jean-Jacques Annaud

18:15 Carta de una enamorada de Max Ophüls

20:00 El hombre del traje gris de Nunnally Jonson

Jueves 17

14:00 El ángel blanco de Raffaello Matarazzo

16:00 La solterona de Edmund Goulding

22:00 Rescate del mes Don Quijote de Georg W. Pabst
Viernes18

14:00 Tres secretos de Robert Wise

16:00 La habanera de Douglas Sirk

18:00 De repente en el verano de Joseph L. Mankiewicz

20:00 Concierto de almas de Alberto de Zavalía

22:00 Rebelión de Federico Urioste

24:00 La ira del espadachín manco de Chang Cheh
Sábado 19

14:00 Lili Marleen Rainer W. Fassbinder

16:15 Marianela de Julio Porter

18:00 Tess de Roman Polanski

22:00 Rebelión de Federico Urioste
Domingo 20

14:00 El deseo de Carlos Schlieper

16:00 Perfidia de mujer de King Vidor

18:00 La solterona de Edmund Goulding

20:00 Cinema Paradiso de Giuseppe Tornatore

22:30 Lili Marleen Rainer W. Fassbinder


Jueves 24

14:00 De repente en el verano de Joseph L. Mankiewicz

16:15 La cumparsita de Antonio Momplet
22:00 Tess de Roman Polanski
Viernes 25

16:00 El día que me quieras John Reinhardt

18:00 Jezabel de William Wyler

20:00 Cinema Paradiso de Giuseppe Tornatore

22:15 Rebelión de Federico Urioste

24:00 El día del Apocalipsis de Mitsumasa Saito


Sábado 26

14:00 Alma negra de Roberto Rossellini

16:00 Una mujer de París Charles Chaplin + música en vivo

18:00 ADF: Sin aliento de Jean-Luc Godard

22:00 Rebelión de Federico Urioste

24:00 El fantasma de la Ópera Rupert Julian + música en vivo


Domingo 27

14:00 Los amantes del río Tajo de Henri Verneuil

16:15 Concierto de almas de Alberto de Zavalía

18:00 Varieté de E. A. Dupont + Crónica Grieshuus de Arthur von Gerlach + música en vivo



20:00 El séptimo cielo de Frank Borzage

22:00 Pimpollos rotos de David Wark Griffith + música en vivo


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