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BIOS INVITADOS MASTERCLASS

Jossie Malis

Jossie Malis realizador independiente fundador del Estudio de animación Zumbakamera, con base en Barcelona, España.

Zumbakamera es un estudio de animación, ilustración y diseño que desarrolla con especial pasión un imaginario que incorpora las máquinas y el cosmos. El Estudio se dedica a la creación de cortometrajes, videoclips o series, como la multipremiada “Bendito Machine”, además de todo tipo de  colaboraciones.

Siete años han transcurrido desde que creó “Bendito Machine”, serie de cortos en animación 2D, en que la utilización de un solo color de fondo potencia las siluetas de sus protagonistas, con claro acento al imaginario prehispánico en algunas de sus obras.

Utilizando la técnica de sombras chinas, cita a los maestros del teatro de sombras, el Wayang kulit, haciendo referencia además al trabajo de Michel Ocelot.

“Bendito Machine es un proyecto de animación que reflexiona sobre la ingenuidad de una torpe especie que cree saberlo todo pero que en realidad no comprende mucho. Pequeños seres obsesionados con las máquinas, con las que intentan simplificar y mejorar sus existencias, pero que no son capaces de cuestionarse nada más allá de sus narices, gracias al bendito amparo de algunos codiciosos bastardos”, argumenta Malis en www.benditomachine.com

A través de su laboratorio independiente Zumbakamera, ha logrado realizar cuatro de esta serie de cortos y, en la búsqueda de una solución financiera respecto a sus siguientes producciones relacionadas con “Bendito Machine”, Jossie pensó en el crouwdfounding, es decir, en un sistema de financiamiento masivo que depende de la cooperación colectiva de terceras personas, de forma de colaborar con una iniciativa concreta.

En ocasión del lanzamiento de “Fuel the Machine”, la cuarta entrega de estos cortos, puso en marcha una campaña de financiamiento a través de la plataforma Kickstarter.

Esto se relaciona con la visión transmedia que posee Jossie en sus producciones, puesto que potencia el producto a través de distintas plataformas de creación. Objetos como chapas, camisetas, ediciones especiales en Blu-Ray y la aparición de los seguidores como personajes animados en el próximo episodio son parte de los incentivos de la forma de captar nuevos recursos entre los fans.

En un primer intento de lograr fondos a través de esta plataforma, Malis no consiguió llegar a la meta de US$30.000, pero en una segunda oportunidad, denominada “Bendito Machine Roun 2”, logró reunir US$16,378 de los US$13,000 que necesitaba, lo que ha consolidado y reafirmado la estructura flexible de la productora independiente.

Anteriormente, Jossie Malis se dedicó a trabajar en publicidad como director de arte entre Chile y Estados Unidos, lo que aún no lo acercaba a la animación. En 1998 hizo un curso de realización cinematográfica en New York y en 2003 completó un master de un año en stop-motion en Barcelona, donde vive actualmente. A partir de ese instante, Malis comienza a explorar su faceta como dibujante, y retoma la imagen que vio a los cuatro años de edad, cuando vio por televisión la imagen de una canica recorriendo las calles de un pueblo antiguo, la cual fue destruida por una aplanadora pero que luego sus pedacitos de vidrio volvían a ensamblarse.

En los últimos años ha producido cortos premiados y difundidos en festivales internacionales como Annecy, BAF, Animamundi, FlashForward, Mecal, LUFF, Nontzeflash, MTV, portales online de animación como Channel Frederator o Atomfilms y revistas audiovisuales como Stash Magazine.

  

Douglas Wood

Douglas Wood posee una vasta experiencia en el mundo de la entretención y la animación. Esto, porque ha desempeñado diversos roles en la industria como guionista, ejecutivo, productor, director, actor, autor, instructor y consultor creativo.

Ha sido Vice Presidente de Producción en Animación y Asuntos Creativos en Universal Pictures, Turner Pictures and Warner Bros.

Profundizando en su historial laboral, es posible señalar que el renacimiento y la revolución de la animación lo vivió de cerca Douglas Wood, en los años ’90 en Estados Unidos.

Como Creador Ejecutivo y guionista editor participó de las series de TV “Tiny Toons Adventures” y “Animaniacs”, producidas por Amblin Enterntaiment perteneciente a Steven Spielberg, y distribuidas por Warner Bros. Con temáticas más adultas, personajes irreverentes, y con situaciones violentas y chistosas, ambas producciones se instalaron en la memoria colectiva a través de todo el mundo, lo que contribuyó a que luego fueran ganadoras de un premio Emmy.

En la misma productora fue Director de Animación, desarrollando las películas “We’re Back!” y “Balto”.

Desde sus inicios, Wood fue actor y estuvo montando obras teatrales, en las cuales él participaba y escribía. Esta faceta potenció sus habilidades para estructurar historias a través del guion, otorgándole la importancia necesaria a las historias y personajes coherentes, que generan finalmente una buena producción.

De esta forma, Wood retomó uno de estos aspectos, la escritura, para ser guionista de las series de TV “Little Einsteins” de Disney, la cual se caracterizó por marcar un precedente en la industria infantil de los Estados Unidos, al potenciar con ello la programación para edad preescolar, a través de Playhouse Disney.

Asimismo, escribió episodios para “Jojo’s Circus”, convirtiéndose luego en el guionista editor de la tercera temporada.

Estuvo cerca de ganar otro Emmy con “Mama Mirabelle’s Home Movies” de National Geographic.

La curiosidad de Wood tiene límites infinitos, puesto que dentro de la industria de la animación infantil logró seguir explorando a través de distintos roles. En su recorrido como ejecutivo, Wood ha sido vicepresidente de Universal y Turner Pictures, como también de Warner Bros.

En esta última casa productora, Warner Bros, fue parte de “Iron Giants”, la cual fue aplaudida por la crítica y que se ha convertido en una película de culto para los fanáticos de la animación, en vista a la alusión a las dimensiones del gigante de acero, su estructura y las sombras que demuestran la inmensidad de este personaje. También llama la atención por su alusión a la guerra fría, pero que dentro de un contexto de desconfianza este gigante caído del espacio logra hacerse amigo de un pequeño de 10 años.

Además de “Iron Giants”, Wood supervisó a “Cats Don’t Dance” ganadora de un Annie Award.

En Animation Lab, Douglas Wood era la cabeza de asuntos creativos. Desarrolló y fue Productor Ejecutivo de su primer largometraje animado “The Wild Bunch”, en el cual se convirtió luego su director.

Otra de las áreas que ha explorado Wood ha sido la de enseñar. Él creó un curso especializado de improvisación para animadores y artistas en el California Institute of the Arts y en el Bezalal Academy of Arts and Design at the Hebrew University en Jerusalem, para guionistas en la Escuela de Prescott en Arizona y para escritores profesionales en el programa de guionistas Diversity en la CBS.

En 2012, Wood co-desarrolló y fue guionista de la exitosa serie de la BBC y FremantleMedia, “Tree Fu Tom”.

A través de su sitio web www.writewoodscreenplayconsulting.com/bio/ es posible revisar su extensa biografía.

Nelson Luty

Nelson Luty mantiene un impresiónate portafolio en lo que respecta al diseño de fondos y a la animación en general. Colaborador para historietas en Europa y Estados Unidos, su último gran logro fue su participación en la película animada 3D “Metegol”, como director de Arte, y que este año obtuvo un premio Goya como “Mejor Película Animada”.

Fue un estudiante rebelde en la Escuela Manuel Belgrano, Argentina, y discutió con un profesor porque consideraba que las historietas no eran dibujos comerciales, sino que arte. Fue expulsado de esa casa de estudios, pero obtuvo inmediatamente la oportunidad de explorar en el comic. Trabajó haciendo fondos para historietas las cuales eran enviadas a Francia, Italia e Inglaterra. Sus primeros pasos por las revistas fueron gracias a la mano de Guillermo Saccomano para Euro Editoriale, donde Luty firmaba con el seudónimo Neil Mc Luty.

Neal Adams le dio la oportunidad en el año 1994 para hacer tintas para Continuity Comic, en varios capítulos de “Earth 4”. Además, en ese mismo periodo llegó Marvel Comic a Argentina, por lo que Luty pudo diseñar naves espaciales para X – Men.

Su acercamiento con Estados Unidos provino con una llamada que hizo Fox para que realizara diseños, lo que ayudó a Luty a vivir con lo que él más amaba: el dibujo.

Ya comenzaba a ser reconocido en el círculo del dibujo y la construcción de fondos y continúo exportando trabajos para Norteamérica para Warner Bros con “Looney Toon”, para DC Comic con “La Tortuga Franklin”, “Hércules”, “La Bella y la Bestia”, “Toy Story”, entre otros.

Sin embargo, un golpe duro recibió Nelson Luty en el año 2006 cuando una ceguera en crecimiento le imposibilitaba la visión para dibujar. Dos años estuvo con este problema, sin la posibilidad de poder ejercer en lo que él amaba. Sin embargo, con una recuperación casi milagrosa, Luty vuelve a las labores como dibujante, cuando Sergio Fernández le propone trabajar para “Teo el Cazador Intergaláctico”, que se transformaría en la primera película animada en la cual él participaría. Este nuevo punto de partida marca un renacer de Nelson Luty pese a que en aquel tiempo ya poseía un portafolio impresionante “y si bien yo conocía a mucha gente de la animación, en ese momento, sentí que me la estaba jugando. Así que puse toda la carne al asador y me fue muy bien”, recalcó Luty en su blog.

Luego vino Patagonik Animation. En aquella oportunidad Luty trabajó diseñando fondos para el largometraje “Patoruzito”, “El Ratón Perez” 1 y 2 y “El Arca”. Nelson recuperaba paulatinamente su visión y una forma de trabajar de forma más efectiva era acercando sus dibujos lo más cerca de sus ojos. Sin embargo, la productora cierra sus puertas en momentos en que la Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina le entrega un Cóndor de Plata Trayectoria 2012, que se convierte en el primer reconocimiento concreto que recibe Luty de la industria.

Nelson Luty siguió acumulando más trabajos en su portafolio con la película “Gaturro”, dirigida por Gustavo Cova, y también “Ánima Buenos Aires”, producidas por Ilusion Estudios. Durante ese tiempo, llega a sus manos la oportunidad de trabajar en una película en 3D y que sería dirigida por el ganador del Oscar el año 2010 Juan José Campanella, que se llamaría “Metegol”, la primera película en 3D realizada en Argentina. Luty acepta el desafío y se convierte en el director de arte de este largometraje y se enfrasca en una de las inversiones cinematográficas más caras de ese país, en coproducción con España, sumando US$20 millones. “Metegol” logra generar el aire nostálgico de los barrios argentinos debido a la creación de escenarios recurrentes. Por ello, gracias al trabajo de Luty, estuvo nominada a un premio Sur como “mejor dirección artística”.

Es posible seguir su trayectoria puesto que él maneja un blog en donde cuenta todas las novedades y premios que él ha sido participante. Puedes revisarlo en www.nelsonnoelluty.blogspot.com/



David Bisbano

Desde pequeño le gustaba dibujar y leer historietas, lo que luego se transformó en el arte de modelar esculturas para tener una perspectiva en 3D. Luego, David Bisbano realizó variados trabajos para ficción y comerciales en su país, Argentina, y logró dirigir su propio largometraje. Sin embargo, vuelve a la animación trabajando en Perú y su última producción, “Rodencia y el diente de la princesa” se transformó en un hito que, al contar con materiales propios, logró generar un estándar de animación nunca antes visto en ese país.

Bisbano tenía nueves años cuando comenzó a relacionarse con las historietas, las cuales leía primero para luego esbozar a los personajes. Después diseñaba a sus propios protagonistas en tiempos que era un fanático del dibujo. Para ese entonces, su imaginación era estimulada también por las películas de George Lucas con “La Guerra de las Galaxias”, y Katsushiro Otomo con “Akira”.

Con el tiempo, esa afición fue quedando de lado y comenzó a trabajar esculturas, las cuales le permitían tener una perspectiva en tres dimensiones y con ellos lograba que se movieran y generaran historias. Esto dio paso a que David Bisbano comenzara a entusiasmarse con el cine y fuera escribiendo sus propios relatos.

Queriendo potenciar su lado artístico, decidió estudiar Dirección de Fotografía en la Escuela Superior de Cinematografía, en Argentina. Esto lo llevó a la publicidad gráfica y luego a Pol-Ka producciones, participando de largometrajes y programas de televisión. Tras cinco años de pertenecer a esta productora, Bisbano logra realizar su primer largometraje llamado “B (corta)”, producción que recibió buena crítica tanto en su país como en el mundo, pasando por muchos festivales, tales como la Competencia Nacional del 6° Festival Independiente de Buenos Aires, BAFICI, Oslo International Filmfestival, V’04 Vienna International Film Festival, 17 Recontres de Cinema de Amerique Latine de Toulouse, 1er Fesatival Competitivo de Cine Nacional de Tandil, La Sudestada VI Quinzaine du Cinéma Agentin A´l Instituto Cervantes e Paris.

“B (corta)” fue la opera prima de este artista y que, según comenta, homenajea a Francis Ford Coopola. “Coppola fue, en mis comienzos, el director una de las más grandes influencias: B (Corta), mi primera película, es un homenaje a Coppola”, sostiene Bisbano en una entrevista para Aldatina.com.

Este largo fue financiado de forma independiente, fórmula que volvió a repetir con otra gran realización: “María y Juan (no se conocen y simpatizan), la cual también circuló por variados festivales, exhibiéndose en el BAFICI, y participando en el Cineuropa Compostela 2006 en España, Piriápolis de Película de Uurguay, Festival con vecinos de Sladillo de y 6° Festival de Cine Nacional de Tandil, ambos de Argentina.

Paralelamente, David Bisbano realizaba trabajos para publicidad, para Storm Films en Perú, y Cinetauro de Argentina, en los que fue especializándose en la post-producción digital.

De esta forma, fue llamado por JC Entertainment SAC de Perú en el año 2008 para dirigir su primer largometraje animado en 3D, llamado “Valentino y el clan del can”, sucesora de otras películas que se habían estrenado en Perú, como “Piratas en el Callao” y “Dragones: Destino de fuego”. El jurado de la Sección Infantil "Espectadores del futuro" concede su premio a "Valentino y el clan del can", dentro del Festival Internacional de Cine de Guadalajara 2009.

Una segunda oportunidad se presentaría ante Bisbano, puesto que a través de una coproducción entre Argentina (Vista Sur Films) y Peruana (Red Post Studios), escribe y dirige “Rodencia y el diente de la Princesa”, que se caracteriza por ser una animación en 3D estereoscópica. Una vez que se estrenó en Perú el año 2012, recibió buenas críticas por su calidad visual y por generar altos parámetros en Perú al tender estándares de calidad internacional para sistemas digitales de proyección 3D. Fue exhibida en diversos lugares como el Festival The Golden Elephant 2013 en Hyderabad en India, y resultó ganadora del premio a la Mejor Película infantil en el BAFICI 2013 y estrenada comercialmente en países como Rusia, España, Perú, Bolivia, Corea del Sur, y en febrero de 2014 está en todos los cines de Brasil.

David Bisbano se encuentra trabajando en su tercer proyecto de animación en 3D “El Libro Rojo” y en su largometraje “El Cruce de la Pampa” de Rafael Bruza.

Gustavo Cova

Gustavo Cova es director de cine, de video clips y comerciales de TV. Sus trabajos destacables también provienen de la animación, con películas, como "Boogie, el Aceitoso", adaptación de la tira cómica de Roberto Fontanarrosa y que circuló por variados festivales. Su incursión en el cine de animación 3D llegó con “Gaturro” que fue una coproducción con México e India y que se convirtió en la tercera película argentina más taquillera de 2010.

Confiesa que desde pequeño leía las historietas creadas en Argentina. Seguía desde pequeño al dibujante hispano-argentino García Ferré, quien mantenía una revista y que creó diversas películas y series animadas. “Hijitus” fue una de las obras favoritas de Cova.

Sin embargo, revisaba frecuentemente la revista Humor puesto que aparecían historietas de Roberto Fontanarrosa, quien fue otro de los dibujantes de culto para Cova. Uno de los personajes que llamaría su atención fue “Boogie”.

Desde muy joven comenzó a incursionar en la dirección de cortometrajes, como también en la labor de asistente de dirección. Estudió en el Instituto de Arte Cinematográfico en Argentina y tuvo la oportunidad de participar en el largometraje de Emilio Vieyra “Correccional de Mujeres”. Cuando egresó y con 21 años Cova ya tenía su primer largometraje armado: "Alguien te está Mirando”, un producto experimental que fue presentado como tesis, pero que se transformó en una cinta que logró llegar a los cines argentinos.

A partir de entonces, Gustavo Cova no volvería a retomar el cine hasta algunos años después.

En el año 1993 se dedicó a la publicidad a través de Metrovisión y tuvo sus primeros acercamientos a la animación 3D, puesto que participaba en la postproducción de los comerciales y en las presentaciones de Videomach. Esto generó que se especializara en estas técnicas y fuera llamado por una empresa en México para supervisar una serie de animación, y luego que fuera reclutado por Fox para dirigir casi el total de una serie, llamada “City Hunters”.

Ya con más experiencia en animación, es llamado desde su propio país el año 2008 para dirigir “Boogie”, a través de la productora Illusion Studios. “Cuando me llamaron para dirigir la película no lo podía creer porque era un personaje que yo amaba desde chico. Todo coincidió maravillosamente bien”, dice Cova entrevistado por el sitio de A Sala Llena. “Boogie” se pensó como una animación tradicional cercana al animé con fondos fotorrealistas.

Un segundo proyecto cayó en las manos de Cova y que sería una película animada en 3D llamada “Gaturro”. Con ello, y una vez que se encontraban en la preproducción de esta cinta, surge la idea de presentar a “Boogie” en cines estereoscópicos. Para Cova sería una oportunidad de mejorar la experiencia del espectador en las salas y homenajear a Fontanarrosa.

“Boogie” se estrenó el año 2009 en Argentina y circuló por variados festivales, tales como Annecy, Animafest, Animundi, Biarrits, y ganó el premio del público del Festival de San Sebastian.  

En 2010 lanzaría su siguiente largometraje, “Gaturro”, luego que se confirmara tras cuatro años de negociaciones un trato de coproducción entre India, México y Argentina. “Gaturro” subió los estándares de animación en el país argentino.

Alberto Rodríguez

Director de series y películas en una de las productoras más importantes de Latinoamérica, Anima Estudios de México. Llevó a cabo “El Chavo Animado”, logrando adaptar la serie original en formato de animación, utilizando técnicas con fondos 3D y animación 2D. También fue director de dos exitosas películas animadas: “AAA, sin límite en el tiempo” y “La Leyenda de la Llorona”, que presentaron avances tecnológicos en la animación y fueron taquilla en ese país.

Alberto Rodríguez trabajó primero como asistente de producción. En el año 1994, comienza a trabajar como asistente de dirección para comerciales de televisión. Durante el año 2002 es reclutado para coordinar la producción del Canal Once, de México.

En el año 2004 llegó una gran oportunidad a su vida profesional, puesto que es llamado por Anima Estudios, productora que tenía como misión incentivar la animación en México. Fue convocado para ser editor de la película “Imaginum”, y en 2006 dirigir junto a otros directores la serie de animación El Chavo del Ocho Animado, el cual sería un desafío, puesto que significaba adaptar una serie de ficción importante para México de los años ‘80, al formato de dibujo animado.

El proyecto demoró en salir a la luz ocho años y es transmitido por el canal 5 de Televisa. En él se utilizaron para los 26 capítulos, tanto de la primera como el resto de las temporadas que vinieron, los guiones originales de Roberto Gómez Bolaños, junto a otros escritos nuevos creados por la productora. La respuesta del público infantil fue positiva, no tan solo en México, sino que también en América Latina. Al ser la audiencia cada vez mayor, ya se han realizado seis temporadas de la serie.

Aprovechando el recurso de la animación, el equipo de “El Chavo Animado”, logra mostrar los pensamientos de sus personajes a través de una nube, en vez de comunicar a través de los diálogos lo que quieren hacer cada uno de ellos. Además, las estaturas se condicen mejor con la que corresponde a un niño de su edad, en vista de que la serie original trabajaba con actores adultos, generando un imaginario en que ellos representaban a personas más pequeñas.

Ánima Estudio continúo realizando importantes producciones. El año 2010 lanzaron la película animada de lucha libre “AAA, sin límite en el tiempo”, estrenándose con 250 copias en las salas de cine en México. Como director, Rodríguez utilizó a luchadores reales y los convirtió a la animación, pidiéndole a cada uno de ellos que pusieran las voces del personaje respectivo. Algunos de ellos estuvieron disponibles para realizar esta tarea, como Konnan o Cibernético, mientras que otros, como Parka, no pudieron estar presentes.

Dos años más tarde Rodríguez estrena la película “La Leyenda de la Llorona”, que trajo a las pantallas de cine esta historia perteneciente al imaginario colectivo mexicano. “Se trata de una versión un poco más amable, más digerible que la verdadera leyenda, ésta es con humor, y aunque es de espantos, como va dirigida a los niños tampoco quisimos que fuera muy fuerte”, sostuvo el director para el medio La Prensa de México. “Creo que el reto más importante es recrear una Llorona impresionante, que al mismo tiempo no se aleje de la idea inconsciente que tenemos de ella. Además, va a ser una película para niños y hemos sido muy cuidadosos en como presentarla, tanto en la historia como en el desarrollo visual”, agregó Rodríguez en pegsmagazine.com.

El primer fin de semana de estreno, la película fue vista por 272 mil personas. Estas cifras ubicaron a “La Leyenda de la Llorona” en el tercer lugar de taquilla en los cines mexicanos, ese año.

Respecto al largometraje anterior, Rodríguez enfatiza que siempre se están realizando innovaciones tecnológicas en este ámbito por parte de Ánima Estudios, sobre todo porque los animadores continúan actualizando sus conocimientos. “El nivel de compuesto digital es muy complejo y la calidad de animación a la que aspiramos es de primer nivel”, sostiene el director. Por ello, se preocuparon de hacer planos exactos de los barridos del pueblo Xochimilco, México, y las iglesias que allí aparecen.

Ese mismo año 2012, Alberto “Chino” Rodríguez fue reconocido por la Sociedad Mexicana de Directores-Realizadores de Obras Audiovisuales por su labor en el cine de animación luego de la realización de esta película, que puso a esta historia del imaginario mexicano en los cines.

Alberto Rodríguez continúa trabajando para Ánima Estudios y se encuentra realizando una tercera película. Él junto a la productora continúan siendo promotores de la animación en México y esperan ayudar a los nuevos talentos en la consolidación de una industria. “En la página de la productora, tenemos un área destinada a seguir proyectos para ver qué tan factible es que puedan llevarse a una producción más grande”, puntualizó Rodríguez en alcalorpolitico.com.



René Castillo

René Castillo es un referente del stop-motion en su país, México. Utilizando la técnica del clay animation, realizó su primer cortometraje “Sin Sostén”, la cual ganó variados premios internacionales, incluyendo uno de su país natal: Ariel a Mejor Corto de Animación en 1998. Asimismo, esta misma producción fue exhibida en la Selección Oficial de Cannes.

Cuando estaba estudiando Comunicaciones en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores (ITESO), René Castillo no sabía del stop-motion. En México esa técnica estaba poco explorada, pero de alguna forma recibió la inspiración de Vivienne Barry, realizadora chilena que a través de los años se especializó en stop-motion. Desde entonces, Castillo descubre esta nueva faceta y comienza su especialización en el área.

Su primer cortometraje utilizando esta técnica fue en 1998 en “Sin Sostén” que, durante los cinco minutos que dura esta producción, es posible ver su trabajo en la dirección, en la dirección de animación, diseño y modelación de personajes, trasladándonos a una situación melancólica de un hombre que se quiere suicidar, pero que es embaucado por el mundo publicitario.

Este cortometraje atrajo varias miradas y ese mismo año fue parte de la Selección Oficial en el Festival Internacional de Cine de Cannes y, un año más tarde, en el Festival de Cine de Sundance. Asimismo, ganó un sin número de premios en su país e internacionalmente, como el Premio “Pitirre” al Mejor Cortometraje de Animación San Juan Cinemafest de Puerto Rico; Premio a la Mejor Fotografía Festival Internacional de Cortometraje “Expresión en Corto”, San Miguel de Allende, Guanajuato, México; Premio del Público al Mejor Cortometraje Festival Internacional de Cortometraje de Sao Paulo, Brasil; Premio “Colón de Oro” al Mejor Cortometraje por el Jurado Oficial y Premio “Colón de Oro” al Mejor Cortometraje por el Público XXIV Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, España; Premio “The Golden Space Needle Award” del Festival Internacional de Cine de Seattle, Washington, Estados Unidos; Premio de la Jurado Nacional al Mejor Cortometraje y Premio de la Jurado Internacional al Mejor Cortometraje en la XIII Muestra de Cine Mexicano de Guadalajara, México; y un gran reconocimiento de su país con un “Ariel” al Mejor Cortometraje de Animación de la Academia Mexicana de Ciencias y Artes Cinematográficas.

Con estos antecedentes, René Castillo comienza a realizar clases en destacadas escuelas de animación en México y ha sido artista invitado a impartir conferencias en el California Institute of the Arts, CalArts, Universidad de Florida y en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba, Argentina.

Castillo pensó en su segundo cortometraje, “Hasta los Huesos”, para continuar con la técnica de stop-motion. Dentro de su equipo permanente de trabajo reclutó a otro animador que también venía especializándose en esa técnica: Luis Téllez. Con él se encargaron de la modelación de personajes los cuales fueron creados directamente de la plastilina, sin un bosquejo en dibujo.

El trabajo demoró dos años y medio, contabilizando seis meses de preproducción, un año y medio de filmación y cuatro meses de postproducción. Con cinco personas en su equipo, algunos alumnos de animación y algunos problemas de recursos, logró finalmente lanzar “Hasta los Huesos”.

Inmediatamente el cortometraje fue bien recibido por la audiencia, y estuvo rondando en festivales hasta el año 2003, acumulando más de 50 premios internacionales. Nuevamente estuvo dentro de la Selección Oficial del festival de Sundance, y ganó el Premio a la Mejor Opera Prima “Jean-Luc Xiberras”; Premio del Jurado Infantil “Channel J - Junior Jury” y Mención Especial FIPRESCI del Festival Internacional de Animación, Annecy, Francia 2001; Primer Lugar en la Categoría de Animación del Palm Springs International Short Film Fest, Estados.Unidos, 2001; Mejor Cortometraje de Animación del 17 Festival Internacional de Cortometraje de Berlín, Alemania 2001; y un “Ariel” al Mejor Cortometraje de Animación de la Academia Mexicana de Ciencias y Artes Cinematográficas, México 2002; entre otros sin número de premios.

Para Castillo, la animación stop-motion tiene un significado especial para su proceso artístico, “Me gusta mucho el material, es muy noble, el contacto directo con las manos; me fascina tener un actor a disposición de mis dedos, la idea de darle vida a un personaje de una manera absolutamente artesanal. Me gusta actuar a través del personaje. Un animador es un actor y me tardé muchos años en entender esta concepción de la animación. Uno debe actuar a través de los personajes. Tomar la misma disciplina que toma un actor cuando dice ‘voy a interpretar a un personaje de esta manera’”, señala en el sitio culturacolectiva.com/.

Actualmente, Castillo es director de su propia productora, Mandaraka Animation Studios, y se encuentra dirigiendo su primer largometraje animado: Poncho Balón en coprodución con Kaxan Media Group de Guadalajara.

Karla Castañeda

Especializada en stop-motion, esta animadora hizo su primer cortometraje en 2008 llamado “Jacinta”, con el cual ganó variados premios en festivales en México y en otros países. Esto permitió que siguiera produciendo por esa línea, puesto que cuatro años después realizó su segunda realización llamada “La Noria”, la cual alcanzó mucho reconocimiento, y lo que provocó que ganara por segunda vez el premio a Mejor Cortometraje de Animación Ariel 2009 y 2012.

Desde que era niña, a Karla Castañeda le gustó dibujar el cuerpo humano y lograr que sus personajes fueran desproporcionados y chuecos. Siempre pensó que sus personajes podrían cobrar vida y moverse, en vez de quedarse estáticos en un papel. Asimismo, es seguidora de la literatura relacionada con el realismo mágico, manteniendo influencias de Gabriel García Márquez, Juan Rulfo y José Arreola, entre otros.

Estudió Ciencias de la Educación en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente (ITESO), y fue ahí donde descubrió el stop-motion. Se contactó con personas de la industria de la animación en su país, México, y fue la fuente inspiradora para llegar a esta técnica de realización.

Luego de graduarse, trabajó en producciones de animación tanto para comerciales como para productoras independientes. Con el tiempo, Castañeda lograría concretar uno de los proyectos que hace un tiempo tenía en su cabeza: “Jacinta”. “Íbamos rumbo a Zacatecas (México), y en la carretera me imaginé unas manos que sacaban de su pecho un corazón, y del corazón salían gusanos, de ahí me pregunté ¿si eran manos viejas o jóvenes?”, dice en el sitio de Puppets + Clay.

“Jacinta” (2007) es la historia de su abuela, a quien siempre vio tejer y de quien se preguntaba cuántos kilómetros había tejido a lo largo de su vida. Entonces, comenzó a trabajar en ese cortometraje de nueve minutos, en las que se requirieron más de nueve mil fotos de muñecos de latex, y donde aparece representada una anciana que en medio de su soledad teje y prepara su muerte. Para generar y lograr este producto, contó con el apoyo de su pareja, el también animador en stop-motion Luis Tellez, quien ayudó en la animación de personajes y en la producción. Además, Polar Studios de México también colaboró con esta producción.

El cortometraje obtuvo un inmediato reconocimiento, logrando ganar variados premios, entre los que destaca como el Mejor cortometraje de animación del XXIII Festival Internacional de Cine en Guadalajara, 2008; Mención especial del Jurado de la sección México Cine del Short Shorts Film Festival México 2008; Mejor cortometraje de animación del VI Festival Internacional de Cine de Morelia, 2008; Mención especial del Jurado del Festival Internacional de Cine Expresión en Corto, México 2008; Mejor cortometraje de animación Arieles, 2009; todos ellos en México. Además, recibió premio por la Mejor animación del Middle East International Film Festival, Abu Dhabi 2008.

Aun estando en México, Karla Castañeda comienza a pre producir su siguiente corto animado, “La Noria”. Al igual que en su opera prima, el proceso de guión se condice con situaciones y personas cercanas, a las cuales les da forma en cada una de sus realizaciones. Apoyada por el Instituto Mexicano de Cinematografía, logró formar esta historia que trata sobre un padre que pierde a un hijo, y que queda paralizado tras su muerte.

Esta producción pasó a una segunda etapa, luego que Karla Castañeda junto a su pareja Luis Téllez fueran contratados por el estudio de animación español OQO Filmes. Por ello, en España se realizó la animación, y luego volvió a México para terminas con la edición, efectos especiales, música, entre otros.

Con esta producción, ganó nuevamente el Premio Ariel por Mejor Cortometraje de Animación y fue parte de la Selección Oficial del Festival de Sitges y del Cortometraje Mexicano FICM 2012.



Luis Téllez

Destacado animador mexicano, ha trabajado para diversos cortos con René Castillo y Karla Castañeda, con los cuales ha ganado variados premios. Actualmente se encuentra realizando su primer largo, “Inzomnia”, empleando técnicas de stop-motion.

Su gran influencia fue Jan Svankmajer. Este escultor, poeta y animador sueco trabajaba con la técnica de stop-motion, creando historias conocidas como el “surrealismo animado”. Luis Téllez fue motivado por este realizador para tomar la decisión de continuar con esta técnica. Aunque en México aún no estaba muy desarrollado el tema, Téllez comenzó a ser más autodidacta, aprendiendo formas a través de internet o inventando otras tantas.

Estudió Ciencias de la Comunicación en la UNAM buscando su camino vocacional, que no fue fácil encontrar. En la carrera se interesó en el cine y en los comics, pensando que algún día sería guionista de historietas. Cuando vio a Svankmajer entendió que todo calzaba, y que podrían converger sus aficiones en un solo lugar.

Ya en su vida profesional, en el estudio Visiographics, Luis Téllez se encuentra con René Castillo, animador quien es un referente en el mundo del stop-motion en México. Con el contacto establecido, Téllez trabaja para el segundo corto de Castillo llamado “Hasta los Huesos”, en el cual su labor fue de producción y modelación de personajes durante dos años y medio.

Luego se convirtió en colaborador de los trabajos de Karla Castañeda, su pareja. Entre ambos realizaron los cortometrajes “Jacinta” y “La Noria”, de los cuales ambos ganaron como Mejor cortometraje de Animación Ariel, 2009 y 2012. En estas realizaciones Luis Téllez trabajó como modelado de personajes y en producción.

Es llamado luego por OQO films, de España, para que realizara un corto de un cuento infantil, llamado “La princesa de Trujillo”. Luego de esa experiencia, Luis realizaría seis cortometrajes más, con la misión de adaptar historias al área audiovisual, tales como “La bruja rechinadientes” de Tina Meroto, “El gran viaje” y “La increíble historia del niño terrible y la niña pájaro” de Anna Castagnoli, y La cosa que más duele en el mundo, de Paco Liván.

Para la edición número 28 del Festival Internacional de Cine en Guadalajara, Luis Téllez fue el encargado de realizar el cineminuto del certamen, en el cual emplea las técnicas de stop-motion basadas en las ilustraciones de la diseñadora mexicana Mariana Ramos Romo.

Actualmente se encuentra realizando su primer largometraje “Inzomnia” que lleva más de dos años de realización, y el cual consta de una combinación entre elementos del futuro y personajes clásicos.

Jean-François Laguionie

Reconocido animador europeo, que ocupa parte del sitial de uno de los más importantes de los últimos tiempos. Director y productor de largometrajes y cortometrajes fue reconocido por su realización “La traversée de l'Atlantique à la rame”, que ganó un Palma de Oro al Mejor Corto en el Festival de Cannes y el Cesar de la Academia de Cine Francesa; y el Gran Premio de Annecy con “La Demoiselle et le Violoncelliste”; además de varios premios en otros festivales, por otras creaciones.

Nación en 1939 in Besançon, Francia. Su vida estaba encaminada hacia el teatro y las tablas, hasta que conoció a Paul Grimault, quien es uno de los más importantes animadores francés, y quien es reconocido por apostar por películas delicadas, con mucho tiempo de dedicación, y en donde abunda lo satírico.

Jean Laguionie comienza así a escribir historias en una forma literaria. Luego, prepara bocetos preliminares para que se conviertan después en el storyboard. De la mano con su experiencia en teatro, finaliza con la puesta en escena y la iluminación, puesto que se fija en el juego luces sobre las imágenes que fueron preparadas hace tiempo atrás.

Además, en un festival de Annecy, Jean Laguionie vio a realizadores checos ocupar la técnica de la animación cortando papel. “Con el corte de papel (al igual que otras formas de animación directa) puedes sentir inmediatamente el movimiento”, dice el francés en una entrevista a Gilles Ciment (http://gciment.free.fr/)

Entonces, Paul Grimault comenzó a producir la ópera pirma de Laguionie, “La Demoiselle et le Violoncelliste” en 1964. Esta obra obtuvo un premio en el Festival Annecy en 1965. Luego, continuaron trabajando en el siguiente cortometraje, “L'Arche de Noé” de 1966, la cual obtuvo un Dragón de Plata en el Festival de Cracovia. En 1969 Laguionie realizaría “Une Bombe par hasard” en 1969, la cual gana el Premio Especial del Jurado en el Cracow Film Festival de 1969.

“El corto es para mí la mejor manera de hacer animación” sostiene Jean Laguionie en la entrevista en Gilles Ciment, refiriéndose a la facilidad que entrega realizar un cortometraje para emplear el lado artístico propio, que va directamente en la animación. Por ello, siguió trabajando en este tipo de realizaciones, y en 1978 produce “La Traversée de l'Atlantique à la rame” ("Travesía por el Atlántico a remo") que ganó el Premio César por el Mejor Corto Animado, en 1979 y un Palma de Oro al mejor corto en el Festival de Cannes. Esto permitió que la carrera de este francés se lanzara con mayor potencia en el ámbito de la animación.

Así, Laguionie comenzó a formar parte de la destacada generación de animadores franceses, en el que estaba incluido su amigo Michel Ocelot, quien grabó su cortometraje “Les Trois inventeurs” en la casa de Laguionie.

Laguionie comienza a producir su primera película, “Gwen, or the Book of Sand” a través de su reciente estudio de animación “La Fabrique”. Durante cuatro años grabó La primera experiencia en largometraje no trajo buena recepción de audiencia. Sin embargo, eso no impidió que ganara un Annecy en el año 1985.

En el año 1999 lanzó su segunda película animada “Le Château des singes” que obtuvo un Premio de la Mejor Película de Animación en el 5th Kecskemét Animation Film Festival.

Uno de los grandes reconocimientos en su historia fílmica llegó gracias a su largometraje “La Tableau” (La Pintura) en 2011. Con un presupuesto de € 4 millones, Laguionie diseñó a todos los personajes de la película y realizó homenaje a los artistas Pablo Piccaso, Henri Matisse, Marc Chagall, entre otros. Fue animada en 3D digital y ganó el Premio de Mejor Película en el 8vo Festival of European Animated Feature Films and TV Specials.

Actualmente se encuentra trabajando en otra película animada en 2D.



Grzegorz Kukuś

Perteneciente al grupo de talentos del estudio polaco Platige Image, este animador se ha destacado por modelar personajes para las cinemáticas de videojuegos en “The Witcher”. Además, ha explorado como Supervisor CG de la animación infantil “Hero and the message”.

Kukuś ha trabajado en Platige perfeccionando la cinemática que entrega este estudio a todos sus productos, y modelando a los personajes que aparecen en los videojuegos. El talento y creatividad de este animador lo ha convertido dentro de esta misma organización en la cabeza del equipo de animación y, ahora último como Supervisor de CG, en proyectos como el video del National Forum of Music de Polonia, o la Historia de Polonia realizada en ocho minutos, abarcando 1000 años de historia, eligiendo a 140 eventos para ser animados en este cortometraje para ser presentado luego en la Expo Shangai 2010.

Asimismo, otro de los clips que supervisó fue el video promoción de Polonia para la EURO 1012 UEFA, en donde es posible ver en detalle la calidad de los estadios en ese país, a través de la animación realizada en Platige Image.

Respecto a los videojuegos, Grzegorz Kukuś ha estado a cargo de “The Witcher 3” en donde destaca la calidad y detalle de los personajes, dentro de la cinemática presente.

“Durante esta producción, la cual fue un reto en sí mismo, la primera toma resultó ser la más complicada. Volamos desde las nubes a través de la ciudad, pasando por las personas y entrando en la casa en una toma. Llegamos al detalle sin ningún corte. Hay un montón de casas las cuales todas fueron diseñadas desde cero. Todo debe verse bien desde cerca y lejos.” dice Grzegorz Kukuś para Playpoland.org.uk.

Un proceso complejo fue la animación de los personajes. Kukuś explica que se comenzó realizando una extensiva sesión de fotos, puesto que están basados en personas reales, por lo cual se tomaron cientos de imágenes en alta resolución. Lo mismo sucede con el cabello, puesto que es difícil introducir cambios en ellos y cualquier modificación requiere comenzar de nuevo. A través del software empleado ha podido perfeccionar aún más en las texturas, trabajando en múltiples capas.

Otro de los retos para este animador polaco fue “Hero and the Message”, producción hecha para Al Rayyan Productions. En ella se potenció los valores de la identidad nacional de Qatari, a través de un cortometraje animado que protagonizaban dos pequeños llamados Mohammad y Lulua.



La producción de este cortometraje requirió desafíos logísticos y técnicos, traducidos en la reorganización del equipo de trabajo, donde Kukuś también fue Supervisor CG, para generar 558 tomas, y coordinar a más de 100 personas que trabajaron en este proyecto alrededor del mundo.

“Si consideramos las dimensiones de la empresa, el número de las tomas, como también el tamaño del equipo de producción, es entonces ‘Hero and the Message’ el más grande proyecto animado que Platige Image se ha visto involucrado” señala Grzegorz Kukuś en el comunicado de prensa del proyecto.


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