Bramante- miguel angel buonarotti- andrea palladio leonardo da vinci- rafael de sancio carcteristicas generales



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I.E.S. Lluis Simarro/Curso 2010-11/ Historia del Arte 2º Bah./ Inma Navarro

EL ARTE DEL CINQUECENTO Y EL MANIERISMO

BRAMANTE– MIGUEL ANGEL BUONAROTTI- ANDREA PALLADIO LEONARDO DA VINCI- RAFAEL DE SANCIO

CARCTERISTICAS GENERALES:

En el Cinquecento se mantienen las características del primer renacimiento pero con ciertas variaciones:

*Los artistas que en el Quatrocento estaban al servicio de las grandes familias italianas, ahora lo harán al servicio de Roma con un lenguaje mas universal.
*El artista del Cinquecento es menos académico que el del Quatrocento, es más libre, especialmente Miguel Ángel.



  • En el sig. XVI el centro artístico y cultural se desplaza de Florencia a Roma donde la floreciente corte papal de Julio II y Leon X se convierte en mecenas de artistas que trabajaran para el papado en un ambicioso plan de restauración de la ciudad de Roma. Florencia todavía conserva su importancia con grandes artistas como Leonardo y Miguel Angel.

  • El nuevo lenguaje renacentista se convierte en el mejor sistema para generar una imagen de la Iglesia basada en su grandeza espiritual y su poder temporal.

  • El sentimiento religioso se convierte en algo mas intimo que gracias al neoplatonismo concilia la tradición clásica con la Cristiana.

  • La arquitectura del cinquecento busca el equilibrio y la armonía de las proporciones para conseguir un espacio absoluto y racional , la decoración pasa a un segundo plano.

  • En la escultura el tema principal será el hombre fundamentalmente el desnudo y el retrato con grandes dosis de realismo sobre todo el retrato equestre y el funerario.El objetivo es conseguir obras perfectas desde el punto de vista formal.

  • La pintura se convierte en una actividad intelectual que parte del análisis de la realidad , el artista quiere representar no solo al hombre sino todos los aspectos de la naturaleza figuras y paisaje, quiere captar el espacio , la luz y la atmósfera.

El arte del Cinquecento se caracteriza por la sobriedad y elegancia tanto en arquitectura como en la escultura y la pintura.

DONATO BRAMANTE: (Arterama 172)


La obra de Bramante es tan significativa en el sig. XVI como la de Brunelleschi en el XV.

Amigo de Leonardo da Vinci vivio en Milan donde impulsó la renovación cultural y artistica

Fascinado por las ruinas de Roma decidió que la estructura arquitectónica fuera lo único dominante , influenciado por las teorías de Leonardo concibió el edificio como un cuerpo tridimensional en que cada parte forman un todo unitario conseguido a través de la armonía y las proporciones.

Los Reyes Católicos le encargaron la Iglesia de San Pietro in Montorio en lo que seria la Academia Española para conmemorar el martirio de San Pedro en el lugar donde según la tradición estaba la roca donde fue crucificado.


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San Pietro in Montorio / Bramante/ Roma 1502 piedra, mármol y granito


ANÁLISIS


El pequeño templo (4.5 m de diámetro) tiene planta circular.

Sobre un pódium con tres escalones al estilo de los templos clásicos se alza un peristilo con 16 columnas de orden toscano que soporta un entablamento clásico que consta de arquitrabe, friso y cornisa.

El friso está dividido en metopas y triglifos. En las metopas hay bajorrelieves que representan los instrumentos del martirio de San Pedro y los objetos de la liturgia cristiana.

El piso superior esta rodeado por una balaustrada que aporta ligereza y transparencia.

La Cella interior circular tiene una puerta y ventanas adinteladas separadas por pilastras adosadas.

El piso superior esta formado por un tambor en el que se alternan ventanas adinteladas con alfeices en perspectiva , ventanas ciegas y nichos con conchas.

Sobre el tambor una cúpula semiesférica nervada con una linterna rematada por una

cruz.


SIMBOLISMO


El templo de San Pietro in Montorio con su perfecta simetría , proporción y armonía , obedece a la concepción Neoplatónica inspirada en el teólogo Marsilio Ficino que afirma que la forma esférica es la mas perfecta y responde al orden cósmico de Dios.
Las proporciones són rigurosamente clásicas y se juega con la proporción y los efectos de luz sobre los elementos.

La Iglesia se convierte en el modelo platónico ideal y servirá de modelo a Rafael de Sancio en su obra “ Los desposorios de la Virgen”


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Los desposorios de la Virgen Rafael. 1504




ANDREA PALLADIO (Arterama 176 Villa Capra)

Es uno de los arquitectos mas importantes del sig XVI , fue un teórico .

Sus Villas són el mejor ejemplo de la arquitectura civil del sig. XVI , tendrá una gran influencia en la arquitectura inglesa del XVII yen la arquitectura tradicional de EEUU del XIX .

VTLLA CAPRA conocida popularmente como LA VILLA ROTONDA


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Villa Rotonda. Palladio. Vicenza. 1567-1569


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Palladio construyo varias villas campestres en las inmediaciones de Vicenza.

La mas conocida es la villa Rotonda.

Tiene planta cuadrada, en el centro hay una sala circular (la rotonda) cubierta con una cúpula en cada extremo hay cuatro amplios pórticos a modo de templo romano.

Cada pórtico tiene una estructura próstila, exástila de orden jónico con remate en frontón y una amplia escalinata de acceso.

Esta estructura tan manierista tiene una gran elegancia formal, sencilla y monumental, lo que explica su éxito y su difusión posterior en el Neoclasicismo.

SAN PEDRO DEL VATICANO (Arterama 174)


El Papa Julio II decidió sustituir la basilica Paleocristiana de San Pedro por una Iglesia nueva acorde con la importancia y poder de la Iglesia que fuera sede del Pontificado y Centro de la Cristiandad.

En 1506 se le encarga el proyecto a Bramante

Bramante diseñó un templo de planta centralizada de cruz griega inscrita en un cuadrado. En el centro iba una gran cúpula de 40 metros y cuatro cupulas mas pequeñas sobre los lados de la cruz, y cuatro torres en los extremos , la muerte del Papa y la de Bramante un año después impidió que se realizase.
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Bramante

EL PROYECTO DE RAFAEL

Rafael de Urbino era pintor y arquitecto y el Papa León X le encargo la continuación del proyecto.

Rafael opto por la planta de Cruz latina con tres naves y un amplio crucero.

El proyecto tampoco se construyo por la muerte de Rafael. El nuevo proyecto se le encargó a San Gallo el joven que vuelve al proyecto de Bramante

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Rafael


PROYECTO DE MIGUEL ANGEL BUONAROTTI

Tras iniciarse las obras la muerte de San Gallo en 1546 hizo que el Papa Pablo III le encomendara la obra a Miguel Angel.


http://www.kalipedia.com/kalipediamedia/artes/media/200707/18/hisarte/20070718klparthis_311.ies.sco.jpgMiguel Angel recuperó la pureza del proyecto de Bramante y respetó la planta centralizada, mantiene la planta de cruz griega pero con una sola entrada y diseña una cúpula mayor que la de Bramante 42 m de diámetro con cuatro cupulas menores como contrarresto.

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La cúpula de San Pedro
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En el exterior la cúpula (de 131 metros de altura) se eleva sobre un enorme tambor circular que presenta columnas pareadas de orden corintio que sobresalen del muro, confiriéndole de este modo un gran volumen. Entre ellas sitúa grandes ventanales rectangulares adornados con frontones alternativamente triangulares y curvos. Sobre el tambor coloca un sobrecuerpo o segundo tambor con una decoración de guirnaldas, elemento decorativo que gusta mucho al genial artista, cada una correspondiendo a un vano. A partir de este segundo cuerpo se levanta la cúpula que tiene los nervios destacados, generando un gran juego de luz y sombra. Sobre la cúpula, como remate coloca una linterna abierta a la luz levantada también sobre pares de columnas. En el exterior la cúpula está dotada de una gran fuerza expresiva, gracias al juego de masas, de tensiones y de rupturas de corte netamente manierista (dinamización del entablamento, alternancia de frontones, juegos lumínicos, etc.). En el interior, sirve para llenar de luz el espacio del crucero, creando con ello una sensación espacial diáfana e ingrávida, además de dotar al edificio de un gran sentido monumental. Es la cúpula que sirvió de modelo a las grandes construcciones posteriores, no solo del manierismo sino del barroco. La cúpula de San Pedro va a ser concluida por su discípulo Giácomo della Porta quien realizó un perfil un tanto más afilado del que parece haber proyectado Miguel Ángel.


La escalera Laurenciana
Aparentemente un encargo menor: diseñar la escalera de acceso a la biblioteca de Lorenzo de Medici. El espectador ante la obra experimenta una gran confusión porque el espacio es pequeño, y la mezcla de elementos arquitectónicos empleados con fines decorativos produce un gran impacto visual. La propia escalera es excesivamente voluminosa para el espacio que ocupa.
La escalera tiene dos niveles. El inferior con tres tramos, uno central y dos laterales. El tramo central consta de 10 escalones rematados en curva, destacando los tres primeros, en los que el tercero es una circunferencia.
Los laterales, en cambio, se rematan en recta. Los tres tramos coinciden a la entrada, donde el segundo nivel consta de 5 escalones.

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Rectas y curvas marcan un ritmo, incluso las barandillas están moldeadas y rematadas con dos pilares truncados. La escasa altura de los escalones produce una sensación de confusión en el visitante. Miguel Ángel consigue hacer de un elemento técnico y utilitario en una obra de arte cargada de plasticidad.
En cuanto a la decoración que envuelve el espacio destacan las ménsulas en espiral, y las paredes se cubren con elementos arquitectónicos sin función.

Las columnas no soportan peso alguno y las ventanas son ciegas. De nuevo se marca un ritmo: dos columnas, dos ménsulas, frontones curvos y triangulares. El conjunta se remata con unos nichos perfilados encima de las ventanas en forma de guirnaldas.


MIGUEL ANGEL BUONAROTTI ESCULTOR
CARACTERÍSTICAS:

  • Libertad : a la Maniera

  • Volúmenes escultóricos

  • Fuerza y expresividad

  • Frente al equilibrio caos

- Practicó todas las artes aunque él se consideró, por encima de todo, escultor. En Miguel Ángel se realiza la idea universalista del Renacimiento italiano. En su obra se reflejan las tensiones y el dramatismo de su vida.


- Supera el realismo de Donatello para intentar alcanzar la expresión estética suprema: la IDEA de belleza.
- Influido especialmente por dos obras de la antigüedad clásica: Torso Belvedere y Laoconte y sus hijos.

http://2.bp.blogspot.com/_ueba8yhd73i/sugqnt-syai/aaaaaaaaeke/3bgxk5gqhki/s400/torso+belvedere.jpg torso Belvedere es un fragmento de la estatua de un desnudo masculino firmado por el escultor ateniense Apolonio. La estua fue descubierta en el Campo de' Fiori (campo de las flores) durante el papado de Julio II (1503-1513). Se creía que se trataba de un original del siglo I A.C. pero en la actualidad se estima que se trata de una copia de una estatua más antigua, probablemente datada en el siglo II A.C.

- Reacciona contra el detallismo y las figuras suaves y amables de los artistas de fines del Quattrocento.


- Realiza formas monumentales, duras, llenas de tensión.
- Al final de su vida busca la manifestación de una profunda espiritualidad mediante formas desgarradas; a veces incluso deja las figuras sin terminar para que la expresividad sea mayor.
- Pone las bases del Manierismo y del Barroco.
- Crea arquetipos humanos gigantescos: grandiosidad, fuerza y vitalidad.
- Presta especial atención al desnudo resaltando una musculatura poderosa y exuberante (estudio anatómico).
- Posturas variadas, a veces de movimiento muy complicado.
- Parte de esquemas piramidales, cerrados, para alcanzar formas alargadas, fusiformes, abiertas (como en la pintura de Leonardo).
- Los rastros expresan una gran variedad de sentimientos, especialmente los gestos dramáticos, patéticos; esto se conoce con el nombre de terribilitá.
- Su material más preferido es el mármol blanco de las canteras de Carrara.

- Es un ejemplo del “hombre total” renacentista. Un genio capaz de enfrentarse a cualquier reto, pero por encima de todo él siempre se consideró escultor.


- La genialidad de Miguel Ángel se manifiesta en su libertad. Todo lo hace a su maniera.
- Dentro de la obra escultórica de Miguel Ángel podemos distinguir dos etapas:

1- La clasicista, donde destacan El David y La Piedad.


2- La Manierista, Miguel Ángel cambia su lenguaje a raíz del descubrimiento de una copia del Laoconte. Es la etapa del Moisés, del exceso, la fuerza, el sentimiento y la terribilitá.
-También reseñar un conjunto de obras inacabadas como la Piedad Rondanini o los esclavos.

ETAPA CLASICISTA : La Piedad y el David


ESCULTURA: LA PIEDAD / Vaticano Roma/ Marmol blanco de Carrara


(Arterama 186)

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Miguel Ángel trabajó el tema de la Piedad en varias ocasiones.


-La composición es triangular, muy renacentista, símbolo de la perfección (Pitágoras).
-El tema: Tras la muerte del Hijo la Madre recoge su cuerpo muerto.
-En el cuerpo de Cristo se observan las huellas de su martirio. Un cuerpo que cae pesadamente a punto de deslizarse de las manos de su madre.

-El trabajo anatómico es fino. Impresiona el rostro de Cristo muerto, con su rictus mortis. La luz refleja su cuerpo y oculta su rostro.



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-La Madre: llama la atención su juventud. En la iconografía cristiana es bastante habitual conservar la imagen de una virgen joven, dulce, propia de la virgen con el niño (madona) pero que causa asombro cuando se representa a la Virgen Dolorosa.


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-El rostro de la Virgen expresa un dolor contenido. Ella era conocedora del destino de su hijo.



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-La túnica de la Virgen está trabajada con pliegues que marcan la anatomía de su pecho y que en la falda describen profundas oquedades. Pliegues que nos remiten al trabajo clásico de Fidias.

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-En resumen: Movimiento, luces y sombras, y expresión de llanto y dolor forman una composición perfecta y armónica .

Piedad de Florencia
El escultor ya ha evolucionado cuando acomete el trabajo de bloque de mármol.

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Pensaba colocar esta obra en su propio sepulcro.


La composición se ha hecho mucho más compleja, aunque se mantiene la disposición triangular. La Virgen pasa a un segundo plano y el cuerpo de Cristo se contrae con violencia para impactar a la hora de su contemplación por los fieles tiene una composición mucho mas manierista.
La figura superior que representaría a Nicodemo, es un retrato del propio Miguel Ángel, que de este modo se aparecía como el donante.

Esta Piedad estaba destinada a su monumento funerario pero la destruyó en un ataque de cólera , posteriormente fue reconstruida con bastante poca fortuna por el escultor Calgani.

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La piedad de Rondanini Es la ultima obra de Miguel Angel (estuvo trabajando en ella hasta 3 dias antes de morir)
Aunque se trata de una obra inconclusa, el concepto ha evolucionado sustancialmente desde el modelo inicial. La Virgen sostiene de pie a Cristo muerto en una postura de total inestabilidad.
Las dos figuras transmiten la unión de madre e hijo
Hay que destacar que el trabajo inacabado del mármol, sin pulir, da al conjunto un rasgo de gran modernidad.


EL DAVID /Miguel Angel / Florencia / Marmol de carrara

La cumbre del clasicismohttp://www.fotos.org/galeria/data/524/3miguel-angel-david.jpg



El tema del David es muy utilizado en el renacimiento por su valor simbólico.
En este caso David se convierte en el símbolo de Florencia para ser colocado en la plaza de la Señoría. Es el triunfo de la civitas , el triunfo de la inteligencia y la astucia sobre la fuerza. En la actualidad se encuentra en la galería de la academia de bellas artes, y en la plaza hay una réplica

.
Material: El tamaño es de 4,10m. El mármol es de Carrara, blanco, inmaculado, cuyo bloque seleccionó Miguel Ángel de las minas.


Lenguaje:
-La influencia del lenguaje clásico es patente. Si en el David de Donatello la referencia era el canon posclásico, en el David de Miguel Ángel la referencia es el Doríforo. Es la búsqueda del canon, la medida, la perfección como ideal supremo de Belleza.
-Profundo estudio anatómico con un gran detallismo. (Asombran sus manos, donde el mármol se hace transparente y nos enseña las venas).

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DESCRIPCIÓN GENERAL: El David de Miguel Ángel representa a gran tamaño a este rey bíblico, al estilo clásico: completamente desnudo y como atleta, que porta en su mano izquierda una honda (apoyada sobre su hombro) y, en la derecha, una piedra. Son claramente apreciables los rasgos del rostro, el cabello rizado, la musculatura y el contrapposto de la figura.

B) Análisis simbólico:
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Miguel Ángel representa al rey David como atleta, pero no como joven atleta, sino como un hombre en la plenitud de su vida. El artista eligió, como motivo para la obra, el momento previo al enfrentamiento de David con el gigante Goliat (cuya cabeza no aparece derrotada a sus pies, como era usual en otras representaciones). Por ello, el aspecto contenido y expectante que nos muestra la figura, con los rasgos típicos de un luchador que se apresta al combate.

Esa expectación se traduce en la mirada, enormemente penetrante, y se expresa también mediante la tensión corporal: la musculatura (e incluso los tendones y las venas) son claramente perceptibles. En definitiva, podemos hablar de un movimiento claramente contenido, que se convierte en pura tensión corporal.

Además, para que la tensión no pueda confundirse con un absoluto equilibrio, Miguel Ángel emplea el contrapposto y aumenta los volúmenes de ciertas partes del cuerpo, que vienen a simbolizar la fortaleza (no sólo ni mayormente física) del rey David. Tales rasgos son claramente perceptibles en el tamaño de la cabeza (cuyo canon corresponde a 1/8 del total del cuerpo) y en la potencia y tamaño de la mano derecha, que sujeta la piedra, arma que el rey empleará para derrotar a Goliat. Todo ello conduce al concepto de terribilitá que caracteriza otras obras del autor.

Todos estos rasgos convierten a la figura escultórica del rey David en un símbolo de la libertad, y representan a la perfección los ideales renacentistas de belleza masculina.


Análisis sociológico:
El David fue encargado a Miguel Ángel, originariamente, por los canónigos de la catedral de Florencia (lugar donde se encontraba el bloque de mármol en el que se talló la obra). pero, una vez concluida ésta, y a la vista del resultado, el gremio de mercaderes de lana de la ciudad decidió adquirirla para situarla frente al Palacio de la Señoría, sede del gobierno de la ciudad, en la plaza del mismo nombre, de manera que sirviese como una clara representación de la libertad de la república florentina. En este sentido, la escultura es fiel reflejo de la mentalidad existente en Florencia, ciudad en la que los planteamientos de la burguesía dedicada al comercio y la banca se encontraban ampliamente extendidos.

Miguel Ángel concluye la elaboración de esta escultura en 1504, cuando contaba 29 años de edad. Unos años antes había ya realizado la Piedad del Vaticano, en la que los rasgos de la terribilitá no son aún perceptibles. En este sentido, el David precede a la realización de las obras de la tumba del Papa Julio II y, de manera especial, a la escultura de Moisés, en la que tales rasgos son aún más destacados.


-Novedad: el juego de luces y sombras consecuencia de los contrapostos (la cabeza girada inversamente al sentido de la pierna)


-El rostro: una belleza idealizada, rasgos finos, perfectos, pero a la vez fríos y distantes.
-Como en el Doríforo, el brazo izquierdo se dobla en este caso apoyando la honda sobre el hombro.
-Frontalmente el David impresiona, en cambio lateralmente queda un poco plano. Según los expertos es consecuencia de utilizar un solo bloque. Igualmente la escala de la mano derecha de la impresión de estar trabajada con proporciones diferentes al resto del cuerpo.

Dista mucho del adolescente David de Donatello, el David de Miguel Angel es un joven cargado de fuerza y determinación.


-Sus medidas son colosales. Cuando se trasladó desde el taller de Miguel Ángel a la plaza de la Señoría se tuvo que desmontar uno de los arcos de entrada a la ciudad.
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EL MOISES DE MIGUEL ANGEL


ETAPA MANIERISTA
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"El Moisés" de Miguel Angel


Es una escultura renacentista del siglo XVI, Cinquecento en Italia. Es la figura central de la tumba del Papa Julio II, en la iglesia de San Pedro in Víncoli, en Roma. Realizada en 1515.

Es de mármol de Carrara realizada en bulto redondo, de cuerpo entero y sedente.


Análisis formal:


El tema es bíblico: el profeta Moisés, al regresar de su estancia de cuarenta días en el

monte Sinaí, portando bajo el brazo las Tablas de la Ley para enseñárselas a los israelitas,contempla horrorizado cómo éstos han abandonado el culto de Jehová y están adorando al Becerro de Oro.

El modelado es perfecto. El estudio anatómico es de un naturalismo asombroso.

El mármol blanco pulido deja resbalar la luz. Las ropas caen en pliegues donde juegan luces y sombras dando a la figura volumen.


La composición, muy estudiada, es cerrada, clásica; se estructura en un eje vertical

desde la cabeza hasta el pliegue formado entre las piernas del profeta, cuya figura queda

enmarcada por dos líneas rectas verticales en los extremos.

Existe un ligero contrapposto marcado por el giro de la cabeza y la simétrica composición entre brazo izquierdo hacia arriba y derecho hacia abajo, así como pierna izquierda hacia fuera y derecha hacia dentro. Las líneas rectas quedan dulcificadas y compensadas por dos líneas curvas paralelas: la que forma la larga y ensortijada barba hasta el brazo izquierdo,y la iniciada en el brazo derecho estirado hasta la pierna izquierda.

Con esta compleja composición, el artista sugiere el movimiento en potencia; los

músculos están en tensión, pero no hay movimiento en acto. Consigue que este coloso no resulte pesado.

Capta el instante en que Moisés vuelve la cabeza y va a levantarse, lleno de furia ante la infidelidad de su pueblo.

Esta ira, la "terribilitá", que le embarga se expresa en su rostro, que se contrae en un gesto ceñudo.

Miguel Angel abandona los rostros serenos de su primera época y opta por una expresividad acentuada, anuncio del Barroco.

Moisés está lleno de vida interior. Posiblemente sea producto no sólo de su propia

evolución personal, sino también de la influencia que sobre él ejerció el descubrimiento

del grupo helenístico del Laocoonte.


Podemos ver en esta escultura las características del estilo renacentista: búsqueda de la

belleza, acentuado naturalismo, interés por la figura humana y su anatomía,tal como

corresponde a la cultura antropocéntrica del periodo humanista, al igual que en la

Antigüedad clásica: composiciones equilibradas, armoniosas, movimiento en potencia,

perfección técnica.

El escultor es Miguel Angel Buonarotti (1475-1564), el más importante del Cinquecento italiano. Imagen del genio renacentista, ejerce con maestría en todos los campos (arquitecto, pintor, poeta),aunque se siente escultor. Busca expresar en sus obras una Idea, en el sentido neoplatónico: una belleza que sea expresión de un orden intelectual.

Toda su vida será un titánico esfuerzo por liberar la forma de la materia que la aprisiona.

Pasa por distintas etapas artísticas: a) Juvenil (1491-1505), en Florencia, muy clasicista,

en la que busca la Belleza ideal, como en la Piedad del Vaticano. b) Madurez

(1505-1534),en Roma, aparecen tendencias manieristas y empieza a disolverse el ideal

estético clasicista, como en el Moisés y los Esclavos. c) Vejez (1548-1564), en que

consuma la ruptura y busca la expresión de la Idea, como en su Piedad Rondanini.
La obra, el Moisés, es de su segunda etapa. Pertenece al sepulcro del Papa Julio II, su

mecenas, que se lo encarga en 1505, aunque el artista no lo termina hasta 1545 , de un

modo muy diferente a como lo había proyectado. El proyecto original consistía en una

tumba exenta, a cuatro fachadas, con más de cuarenta grandiosas estatuas, que se

colocaría bajo la cúpula de San Pedro del Vaticano. Este delirante proyecto irá

reduciéndose por motivos económicos y familiares (ya muerto el pontífice) hasta que

Miguel Angel lo diseña como un sepulcro adosado. Esculpe los Esclavos, alusivos a las

ataduras de la vida humana, y la Victoria, pero no se encuentran en el sepulcro definitivo, emplazado en San Pedro in Víncoli, dónde sólo figuran siete estatuas: Raquel y Lía, que representan la vida contemplativa y la vida activa, el grandioso Moisés y algunas otras apenas desbastadas.

El esclavo rebelde , el Esclavo agonizante y el Moisés eran los principales cuerpos escultóricos para la tumba del Papa Julio II.

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Los dos esclavos nacieron en 1513. Representan dos muchachos jóvenes de tamaño superior al natural (miden unos 2,20 m.) y fueron ideados para ser colocados, cada uno, frente a una pilastra-hermes, donde el espectador tendría que imaginar que se ataban las ligaduras que sujetan sus torsos.



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Simbolismo: algunos han querido ver en el Moisés un retrato idealizado del propio

escultor o del Papa Julio II, temible guerrero y líder espiritual, al igual que el profeta bíblico.


Ç


Miguel Angel. Mausoleo de los Medici


Mausoleo de los Medici

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Mausoleo doble para los hermanos Lorenzo y Julio.
1- De nuevo Miguel Ángel nos sorprende mezclando escultura y arquitectura. Los elementos arquitectónicos se utilizan como elementos decorativos.
2- El muro es trabajado con entrantes y salientes, marcando un ritmo y el cuerpo superior se decora con guirnaldas pompeyanas.
3- Julio gira la cabeza mientras que su hermano, pensativo, apoya la barbilla en su mano. Son el hombre de acción y el hombre de reflexión.
4- Las tres figuras de cada tumba forman un triángulo. Las figuras son alegóricas: el sol y la luna; la aurora y el crepúsculo; el comienzo y el fin.
5- Estudio anatómico tanto en Lorenzo y Julio como en los personajes alegóricos. La anatomía femenina está masculinizada, especialmente destaca la poca naturalidad de los pechos.
6- En los rostros de cada uno de los seis personajes se puede rastrear una expresión, un sentimiento, lo que nos acerca más al lenguaje helenístico.
7- Destacan por otro lado el deslizamiento, característico de muchas obras de Miguel Ángel.
8- Los sarcófagos aparentemente sencillos están cargados de ritmo.


LA PINTURA DEL CINQUECENTO

LEONARDO DA VINCI (1452-1519)



RAFAEL DE SANCIO (1483-1520)
Esquema de comentario de una obra de arte

MARCO HISTÓRICO-ARTÍSTICO

ÉPOCA




ESTILO




ARTISTA




MATERIAL Y TÉCNICA




ANÁLISIS ICONOGRÁFICO

TÍTULO




TEMA




ANÁLISIS FORMAL

ESPACIO, COMPOSICIÓN, LÍNEA, COLOR, LUZ




CONTENIDO O SIGNIFICADO









LEONARDO DA VINCI

CARACTERISTICAS:

  • Pintura experimental

  • Tecnica: Sfumato y Perspectiva aérea

  • No imita la naturaleza la imagina

La personalidad realmente excepcional de Leonardo obliga a considerar en su biografía aspectos múltiples de su talento. Es el hombre total del Renacimiento. Leonardo, como otros artistas del Renacimiento, tiene una lucha: dignificar el trabajo del artista como intelectual, trabajo en el que la obra final es el resultado de un trabajo de investigación, estudio y reflexión. El diseño es más importante que la obra, por esto Leonardo lo escribía todo. Sus códices son joyas bibliográficas. (Codix Madritensis)
Leonardo fue un hombre de una inquietud y curiosidad inagotables, el artista debía lograr la experiencia más vasta y profunda posible de la realidad. Fue un ejemplo universal de síntesis entre la personalidad del artista yd el científico.
Gran parte de su actividad científica se desarrolló en Milán, donde trabajó para Ludovico el Moro, llevando a cabo trabajos de hidráulica y de saneamiento de desagües, urbanísticos y de creación de aparatos. Es un hombre capaz de combinar esta actividad con la realización de obras como la Dama con armiño, Santa Ana con la Virgen o La Última Cena. Al servicio de César Borgia hizo La Gioconda y La Virgen de las Rocas.
La última década de su vida estuvo absorbido por sus estudios de geofísica, anatomía, botánica y matemáticas, lo que no le impidió desplazarse hasta Roma en 1513 atraído por el mecenazgo del papa León X.
Finalmente se trasladó a Francia donde el rey Francisco I le nombró primer arquitecto, pintor y médico del rey.
Su obras pictóricas se caracterizan por:
1- Afán experimental.
2- Gran estudio de la naturaleza.
3- Nuevo sistema de perspectiva: desde el trecento se busca representar las tres dimensiones en dos mediante una serie de recursos técnicos recogidos en los manuales de pintura como el de Piero della Francesca. Leonardo da un paso más, creando un nuevo sistema de representación espacial, es la llamada perspectiva aérea, es decir, pintar el vacío.
4- Composiciones triangulares.
5- Esfumato, una revolución en el dibujo. La línea marcada que destaca los volúmenes se difumina.

La Gioconda



CARACTERÍSTICAS

1- El retrato encargado por un cliente, un retrato civil y burgués. Ya no es el retrato de un oferente en un contexto religioso ni un retrato cortesano de un rey sino un retrato dohttp://robinsonesurbanos.org/files/u15/gioconda1.jpgméstico.

2- La figura sentada en contraposto en tres cuartos con las manos cruzadas delante de una ventana desde la que se divisa un paisaje.

3- El paisaje es soñado, irreal, imaginado, propio de Leonardo. Rocas escarpadas, aguas que desprenden vapor, caminos curvos con escasas figuras que parecen detenidas en el tiempo.

4- Destacamos su rostro de facciones finas, con una mirada triste y melancólica, que establece una relación directa e individual con cada uno de los espectadores. La falta de cejas y de pestañas le dan un aire inquietante.

5- La boca de labios finos esbozando la famosa sonrisa de la Gioconda. Tez pálida.

6- En el vestuario la técnica del Esfumato da la posibilidad de hacer transparencias y dar vaporosidad.

7- Manejo de la luz que ilumina unas zonas (manos, pecho, rostro) y oculta otras.

8- La luz, los colores, la composición, consigues la sensación de profundidad. Es la perspectiva aérea de Leonardo, capaz de reflejar el espacio que queda por detrás de la dama hasta el dintel de la ventana.

La Santa Cena



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La Santa Cena

Pintura al fresco.


Leonardo en esta obra trabaja con gran maestría el espacio, combinando dos figuras geométricas: las líneas para el continente y el triángulo para el contenido.
-Cristo en el centro de la mesa forma un triángulo cuyo vértices son la cabeza y los dos brazos extendidos sobre la mesa con las palmas hacia arriba.
-Los apóstoles, de 3 en 3 con expresiones de asombro. El Maestro les ha dado la noticia de que uno de ellos lo traicionará. Leonardo recorrió los mercados para encontrar modelos (se anticipa al Barroco). De todos los apóstoles resultan curiosos los rasgos femeninos de la figura de san Juan.
-Los colores de las túnicas, ocres, grises, contrastan con la túnica bicolor de la figura de Cristo.
-La perspectiva se trabaja con dos recursos: las ventanas del fondo actúan como punto de fuga y tras ellas hay un paisaje. La luz deja en sombra pero reconocible el espacio vacío entre el primer plano y el fondo.
-El rectángulo se trabaja en las paredes, el techo (cuarterones) y la mesa. Las tres ventanas del fondo siguen una proporción matemática. Los alimentos, modestos, sobre la mesa, también se geometrizan (Leonardo se adelanta al Barroco: bodegones).
-Leonardo sorprende con detalles anecdóticos como el nudo del mantel.

RAFAEL DE SANCIO(1483-1520)
CARACTERISTICAS:

En la obra de Vasari Rafael se presenta como uno de los artistas más queridos de su época. Su personalidad amable, conciliadora, y su pintura de gran religiosidad y piedad (madonas) le convierten en un personaje popular de la Roma del cinquecento.


Formado en los talleres de Perugino una de sus primeras obras en homenaje a su maestro es Los desposorios de la Virgen. Estuvo influenciado por Piero della Francesca, Leonardo y Miguel Ángel, quien siempre lo acusó de no arriesgar.
En 1508 abandonó Florencia y se trasladó a Roma, llamado a participar en la decoración de algunas nuevas estancias de Julio II y en concreto . Allí realiza el famosísimo fresco de La Escuela de Atenas o El incendio del Borgo.
También adquiere prestigio como retratista, género que sin duda renueva por completo siendo personal e innovador y con unas obras de gran penetración psicológica.
Por último comienza una trepidante actividad como arquitecto que durará hasta su temprana muerte.
Estos años bastaron no obstante para adquirir fama universal y que llegara a ser llamada el divino. Rafael, expresión máxima del ideal humanista, se le ha considerado también el mejor ejemplo del equilibrio clásico del Cinquecento, de la medida, de la belleza ideal, de la simetría axial, de la claridad compositiva, el encanto colorista y la luminosidad diáfana. Se le ha considerado como un artista cuya mayor virtud consistió en asimilar a la perfección lo mejor de los grandes maestros.
En su obra podemos distinguir dos etapas:

1- Etapa más clásica, contenida, equilibrada (madonas, Virgen del Jilguero).


2- Etapa más libre, arriesgada (Escuela de Atenas, El incendio del Borgo).

Rafael. 1ª etapa



La Virgen del Jilguero
En la obra se combinan dos influencias, de un lado la leonardesca y de otro la miguelangelesca. http://4.bp.blogspot.com/_45wvsbbf1fe/sc-yseommki/aaaaaaaaaak/1cvxxnpeelq/s400/virgen_del_jilguero_rafael.jpg
-El esquema compositivo recuerda a las Vírgenes de Leonardo, con una disposición triangular y líneas verticales y horizontales marcadas por los arbolillos y la propia línea del terreno (perspectiva).
-La luz es difuminada y cenital.
-El modelado en las figuras deriva del estudio de la obra de Miguel Ángel, de lo que es buena prueba el trabajo sobre la rodilla de la Virgen, voluminosa hasta tal punto que rompe el plano (escorzo).
-La obra conserva en encanto poético del primer Rafael, con un tratamiento del color con alternancia de rojos y azules y una complicidad psicológica entre los personajes con el cruce de miradas.

2ª ETAPA
Si las madonas representan el equilibrio de la etapa clasicista, La Escuela de Atenas representa la fuerza de su etapa manierista.
La Escuela de Atenas
Pintura al fresco para una de las estancias del Vaticano, un lugar de trabajo de los funcionarios vaticanos, gente culta capaz de entender el contexto rafaelesco de conciliación entre la fe (La disputa del Sacramento) y la razón (La Escuela de Atenas).
La Escuela de Atenas está cargada de simbolismo:
1- Todas las escuelas filosóficas están representadas, desde Platón a los Pitagóricos; de Aristóteles a los cínicos.
2- Platón, el hombre de las Ideas, en el centro, señala con su dedo al cielo, reflejando la conciliación entre la Idea Suprema y Dios.
3- Varios filósofos adoptan rostros de pintores renacentistas.
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Técnicamente:


1- Múltiples personajes.
2- Escenario teatral.
3- Composición arriesgada donde se combinan la línea recta frontal con líneas oblicuas.
4- Composición en movimiento. El grupo abre paso a Platón y a Aristóteles. Uno de loes personajes está subiendo la escalera. El único que no presta atención a lo que sucede a su alrededor es Diógenes.
5- Estudio de los volúmenes prestando atención a la anatomía por ejemplo del cuerpo de Diógenes, o las piernas cruzadas del discípulo pitagórico.
6- Se ensayan escorzos como la pierna izquierda de Diógenes.
7- La escena se enmarca en un gran escenario arquitectónico donde se desarrolla un lenguaje manierista con arcos consecutivos, una gran cúpula central abierta al cielo, bóvedas decoradas con casetones, y, en los muros, hornacinas con personajes mitológicos, destacando a Atenea en su doble versión (guerrera y protectora de las artes y la filosofía).
Entre los personajes destacamos a Platón, con el rostro de Leonardo, señalando al cielo, al mundo de las Ideas; Aristóteles, que carga con su manual de ética señalando el mundo material; Diógenes, sentado en las escaleras del templo; Heráclito, con el rostro de Miguel Ángel, observando el paso del tiempo; Euclides, trazando una circunferencia, con el rostro de Bramante; Tolomeo con la esfera de la Tierra en su mano, y, finalmente, en el grupo de los geógrafos, el propio pintor se retrata.

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Línea y color. Predomina la primera. En general se puede hablar de detallismo, especialmente en los rostros y la descripción de la propia arquitectura.



En cuanto al color, como es típico de la época, se intenta compensar los fríos con los cálidos en un nuevo intento de crear armonía, como ya había hecho Masaccio en su Trinidad.

Luz natural con fines representativos (crear volumen por medio del claroscuro, luces y sombras). El foco es cenital (procede desde arriba) y procura distribuirla de forma homogénea, sin marcar excesivos contrastes ni intentar guiarnos por el cuadro

 

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Perspectiva lineal creada a través de la arquitectura que nos conduce al punto de fuga central (encima de las cabezas de los dos filósofos) que vuelve a insistir en la idea de simetría y armonía.



 

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Líneas y punto de fuga

 

Figuras. Individualizadas (sus gestos, posiciones y distintos retratos hacen desaparecer la posible isocefalia (cabezas iguales) que pudiera producir una composición tan equilibrada), realistas (parten de un retrato aunque posiblemente idealizado), de canon proporcionado.



 

Comentario.

Nos encontramos (tema clásico, intento de armonía en todos los componentes, arquitectura clasicista...) ante una de las realizaciones cumbres del Renacimiento del Cinquecento, final y resumen de todo un siglo de búsquedas (el Quattrocento) y a punto de ingresar en el Manierismo.

Rafael se encuentra en la cumbre de su carrera, tanto artística como cortesana, cuando el papado (gran mecenas de Cinquecento) le encarga la realización de un enorme ciclo en las Stance. En él, sobre el propio muro, va a representar todo el saber de su época, recurriendo (como es típico en le Renacimiento) al conciliato (unir lo cristiano con lo pagano, colocando esta escena frente a La disputa del Sacramento).

De esta manera, deberíamos entender la obra como una reflexión sobre la filosofía y la razón como fuente de sabiduría que unida a la religión daría el prototipo del hombre renacentista, un humanista cristiano que vive en un nuevo clasicismo

MIGUEL ANGEL BUONAROTTI (11475-1564)

Miguel Ángel Buonarrotti (Caprese, cerca de Sansepolcro, 1475 - Roma, 1564) es uno de los artistas más geniales de todos los tiempos.
Datos biográficos a tener en cuenta en relación con su obra pictórica.

El joven Miguel Ángel se formó  en la pintura en el taller de Doménico Ghirlandaio en la ciudad de Florencia entre 1488 y 1490. 

Con este pintor aprendió la técnica del fresco y demostró un don sobresaliente para el dibujo. En 1490 el propio maestro le recomendó  para que aprendiera el oficio de escultor con Bertoldo di Giovanni, que tenía taller  en el mismo Palacio Medici. Tal decisión reorientará su carrera hacia la escultura y le pondrá bajo el mecenazgo de la principal familia florentina hasta 1492.

Aunque desde entonces su actividad principal fue la escultura, están constatados algunos bocetos y obras inacabadas en los años siguientes.

La primera obra pictórica importante que puede atribuírsele con seguridad es La sagrada Familia o Tondo Doni, que se fecha entre 1503-06. En este extraño grupo Miguel Ángel abordó problemas que luego veremos desarrollados en los frescos de la Capilla Sixtina: la conciliación del mundo clásico y la religión cristiana; la plasticidad y el volumen corporal de sus figuras; el desnudo; el movimiento; el uso de colores brillantes; y la composición.

Miguel Ángel Buonarroti. La sagrada Familia o Tondo Doni, 1503-06.



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En 1508 inicia los trabajos de la bóveda de la Capilla Sixtina,  que finaliza en 1512. No insisto en este tema puesto que lo voy a desarrollar en el grueso de este artículo.

En 1534 regresó a este mismo lugar para pintar la pared del altar con el Juicio Final que le llevó hasta 1541.

La Capilla Sixtina

EL TECHO DE LA CAPILLA SIXINA. 1508-1512.En mayo de 1508 Michelangelo Buonarrotti aceptó de mala gana el encargo que le hizo el papa Julio II para que decorara la bóveda de la Capilla Sixtina. Se le acababa de hurtar por intrigas políticas el  proyecto escultórico del mausoleo del Papa, del que llevaba ya varias piezas trabajadas, y no tenía ninguna gana de cambiar de proyecto y menos por uno pictórico. Al artista tampoco le gustaba el tema que le propuso Julio II, representar a los doce apóstoles.

Tras un mal comienzo, decide licenciar a los ayudantes que le rodean, hace borrar lo que ya estaba pintado, y rebosante de inspiración se encierra a solas con su obra para realizar sin apenas descanso una obra que asombra por el ingenio que derrocha al representar cerca de 350 figuras sobre nada menos que 500 metros cuadrados de superficie (13,75 x 39 metros).


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En la bóveda se representan escenas del antiguo testamento, desde la crecion de Adan hasta el juicio final



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Miguel Angel. La Creación de Adán

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La imagen de la creación de Adán es una de las más simbólicas del arte occidental. Dios, con semblante severo y barba gris que reflejan su poder absoluto, y rodeado de ángeles, cruza los cielos. Adán, perfecto de rostro y miembros pero aún exánime, parece recibir de Dios una descarga que recorre su cuerpo y le insufla vida física y espiritual. Su mirada expresa diversas emociones, entre ellas asombro y obediencia.


Terminada la decoración de la bóveda Miguel Ángel completó su obra con el frontal del altar.


El Juicio Final

El juicio final muestra una explosión de carnalidad, provocación http://ezequielmeler.files.wordpress.com/2009/07/juicio-final-capilla-sixtina.jpg


Y ruptura, con una nueva imagen de Dios (poderosa anatomía, canon helenístico, rabia, furia, violencia, terribilitá. Un Dios justiciero).
Los numerosos personajes se agrupan a derecha e izquierda, los bienaventurados y los desaventurados. El espectador necesita un tiempo y se fija en la barca que hace referencia a la mitología, en el pellejo que cuelga de las manos de uno de los personajes, y así en innumerables detalles que avanzan el lenguaje barroco.

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Después de estos dos gigantescos  frescos, cualquier obra posterior queda empequeñecida y parece menor





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