Fist Ful Of Gumption



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MAYO 2017 / MAY 2017
Randy McAllister “Fist Ful Of Gumption”. Reaction / Frank Roszak 2016. El blues y la roots music se dan la mano en este último trabajo del cantante, armonicista y batería Randy McAllister. Nacido en Texas, Randy pertenece a la quinta generación de músicos de la zona que se han desvivido por el blues siguiendo la estela de sus predecesores, maestros y grandes pioneros del género. Su padre era batería del grupo The Flames y, desde bien pequeño, Randy siguió sus pasos aprendiendo a tocar el instrumento. A los veinte años descubrió los jugosos timbres y sonidos de la armónica durante un viaje por Massachusetts. De vuelta a Texas sorprendió a todos sus amigos, familiares y seguidores, mostrando que había adquirido una técnica depurada soplando la armónica y conseguido un timbre vocal expresivo, rico y maduro. En la actualidad con treinta años de experiencia y trece discos a sus espaldas, Randy McAllister es un sólido valor que sigue al alza en lo que a su música se refiere. En este disco combina con acierto y un gusto deliciosas melodías impregnadas de roots music, folk y blues, además de unas sugestivas letras que despertarán el interés del oyente, junto a una gran fuerza expresiva. Además de Randy a la voz, armónica, batería y washboard, también intervienen en el álbum Rob Dewan a la guitarra, Maya Van Nuys al violín, Matt Higgins al bajo, Carson Wagner a los teclados y las armonías vocales de Benita Arterberry-Burns y Andrea Wallace. MUY BUENO. Blues and roots music come hand in hand in the last work of singer, harmonica player and drummer Randy McAllister. Born in Texas, Randy belongs to the fifth generation of those area musicians who have spent all their energies in the blues, following the path of the ancestors, great masters and pioneers of this music style. His father was drummer in The Flames band and, since his childhood. Randy followed his father’s footsteps and learned to play the instrument. When he was 20 years old he discovered the harmonica juicy tones and sounds while he was travelling around Massachusetts. Back to Texas he surprised all his friends, family and followers, showing he had got a fine harmonica playing technique and an expressive, rich and mature vocal tone. Now with thirty years of experience and thirteen albums on his back, Randy McAllister is a solid rising value. The album cleverly combines with very good taste delicious melodies full of roots music, folk and blues, plus suggestive lyrics that will call the attention of most listeners, as well as a great expressive strength. Besides Randy on vocals, harmonica, drums and washboard, the rest of musicians involved in the album are Rob Dewan on guitar, Maya Van Nuys, on violin, Matt Higgins on bass, Carson Wagner on keyboards and the vocal harmonies of Benita Arterberry-Burns and Andrea Wallace. VERY GOOD.
Derrick Procell “Why I Choose To Sing The Blues”. Self Production / Frank Roszak 2016. Derrick Procell trabajaba componiendo canciones para otros artistas junto a Terry Abrahamson, formando un tándem de prestigio. Derrick nunca pensó en dedicarse a la música, sin embargo cuando muchos de los músicos para los que componía canciones se dieron cuenta de su potencial creativo, le animaron a dar un paso adelante pues sus canciones merecían ser interpretadas por él mismo en lugar de convertirse en éxitos de otros artistas. Lo cierto es que Derrick se ha volcado de lleno en esta tarea y lo ha hecho con toda su energía y dedicación. Es ahora cuando se nos muestra como un apasionado y entregado vocalista, además de un aguerrido pianista y armonicista. Este disco contiene doce impecables interpretaciones de sus propios temas arreglados especialmente para la ocasión junto a su gran amigo y colega Terry Abrahamson, en los que está acompañado por su banda, The Parchman Farm, además de contar con la inestimable colaboración de Billy Branch, Bob Margolin o Eddie Shaw como invitados de excepción. El álbum certifica la aparición en la escena de este nuevo artista que irrumpe con fuerza y reclama un lugar destacado en el panorama del blues actual. MUY BUENO. Derrick Procell worked as a composer for other artists together with Terry Abrahamson and both formed a good tandem. Derrick never had thought to devote himself to music but, when most of the musicians that performed the songs he wrote for them realized his creative skills, they encouraged him to take a step forward, as his songs deserved to be played by Derrick himself instead becoming hits performed by other musicians. The true thing is Derrick threw himself into this new facet with energy and commitment. So now he appears as a passionate and delivered singer, as well as a seasoned pianist and harmonica player. This album includes twelve faultless versions of his own songs especially arranged in collaboration with his great friend and colleague Terry Abrahamson. Procell is backed by his band, The Parchman Farm, plus the valuable collaboration of Billy Branch, Bob Margolin or Eddie Shaw as deluxe guests. This recording certifies the arrival of a new artist to the blues scene, who appears with force and claims for a prominent place in the blues world. GREAT.
London Spradlin “No More Blue Mondays”. Self Production / Frank Roszak 2016. London Spradlin es un versátil guitarrista que puede tocar todos los palos del blues con mucha naturalidad y buenas maneras. London se siente a gusto interpretando tanto los blues del Delta como los de la Louisiana, los de Memphis siguiendo la estela de BB King, los de Texas o incluso colaborando con músicos del denominado blues británico, como es el caso de este disco. El álbum es una reedición del aparecido en 1995 y que London Spradlin grabó con miembros de la banda de Eric Clapton como por entonces eran Norman Barratt, Henry Spinetti, Dave Markee, Dan Cutrona, James Gosney, Amoy Levy, Ciceal Levy y Owen Wells. Con semejante banda es fácil comprender que el disco es, no sólo suculento y atractivo sino realmente impresionante. En este trabajo Spradlin fusionó con excelente criterio y vehemencia el feeling del blues negro con la técnica y el desparpajo de los músicos blancos. “No More Blue Mondays” se convierte en una buena muestra para redescubrir a un artista completo y extremadamente sugestivo, donde Spradlin nos regala los oídos con unas variadas y coloristas pinceladas de esta música que tanto nos gusta y con la que London continua haciendo disfrutar y vibrar a las audiencias con renovado entusiasmo. MUY BUENO. London Spradlin is a versatile guitar player who can perform a wide range of blues styles, always with a natural disposition and good technique. London feels comfortable playing not only Delta blues but also Louisiana and Texas blues, but he can also follow the path of BB King’s music and Memphis blues or even collaborate with musicians belonging to those named British blues, as is the case of this recording. The album is a reissue of the one published in 1995 London Spradlin recorded with members of Eric Clapton’s band like were Norman Barratt, Henry Spinetti, Dave Markee, Dan Cutrona, James Gosney, Amoy Levy, Ciceal Levy and Owen Wells. With such a band it is easy to imagine the album is not only tasty and attractive but also really impressive. In this work, Spradlin cleverly combined the feeling of black bluesmen with the technique and self-confidence of white musicians. "No More Blue Mondays" becomes a good way to rediscover a complete and extremely suggestive artist, as Spradlin delights us with varied colourful touches of the music we deeply love, that he still contributes to give it to varied audiences with a joyful renewed enthusiasm. GREAT.
Jr. Johnny “My Radio”. Bohemian 2016. Jr. Johnny nació en Nueva York. De joven frecuentaba la zona más bohemia de la ciudad y tocaba en algunas bandas de garaje. Un día escuchó a Muddy Waters y desde aquel momento decidió que el blues sería la música que llenaría su vida. A la vuelta de la guerra del Vietnam se trasladó a San Francisco donde conoció a músicos como Mike Bloomfield, Jimmy Whiterspoon y tuvo el honor de tocar con John Lee Hooker que fue quien le puso el sobrenombre de Jr. Johnny. Para alimentar a su familia tuvo que dejar la música a un lado y dedicarse a los más variopintos trabajos. Ahora Jr. Johnny ha sentido la necesidad de volver a tocar y por ello ha grabado un disco relajado e intimista que incluye diez composiciones propias que reflejan una atmósfera sencilla e informal. Las canciones quizás pecan de ser algo similares en cuanto a los tempos y además Jr. Johnny tampoco es un vocalista con amplios registros sino mas bien un cantante en una línea melódica a lo Leonard Cohen o Lou Reed que, en lugar de cantar, lo que suelen hacer es recitar. Junto a Jr. Johnny a la voz y la armónica se encuentran también Peter Corrigan a la guitarra rítmica y slide, Denny Dwyer a la guitarra solista, Tony Perrino a los teclados, Stephen Minnich al bajo y Joe Rocco a la batería. BUENO / GOOD. Jr. Johnny was born in New York. In his youth days he usually was seen around the bohemian area of the city and he also played in some garage bands. One day he listened to Muddy Waters and since that particular moment, he decided blues would be the music that would fulfil his life. When he came back from Vietnam, he moved to San Francisco where he met musicians like Mike Bloomfield, Jimmy Whiterspoon and was honoured to play together with John Lee Hooker who was the one who gave him the nickname of Jr. Johnny. To take care of his family he had to leave the music aside and devote his time to the most varied jobs. Now Jr. Johnny has felt the necessity to come back to the music, so he has recorded a relaxed and intimate album that includes ten original compositions that give us a simple and informal atmosphere. The songs may seem quite similar in tempos and, besides, Jr. Johnny is not a singer with a wide vocal register, so he sings following a melodic line similar to Leonard Cohen and Lou Reed who, instead singing they usually recite. Together with Jr. Johnny on vocals and harmonica you will also find Peter Corrigan on rhythm guitar and slide, Denny Dwyer on lead guitar, Tony Perrino on keyboards, Stephen Minnich on bass and Joe Rocco on drums.
Awek “Long Distance” Self Production 2017. Awek son una de las bandas francesas con mayor proyección a nivel europeo e internacional gracias a su innegable calidad y por entender perfectamente el verdadero lenguaje del blues. Éste último trabajo se ha grabado a caballo entre Austin en Texas y Toulouse y Angers en Francia. En él los Awek nos presentan catorce temas donde alternan composiciones propias con versiones de algunos de los bluesmen históricos que mas han influido en su carrera como son Muddy Waters con una impresionante la versión de “Long Distance Call’” donde ponen toda la carne en el asador con un enorme feeling, o Jimmy McCracklin, de quien tocan el tema “Think” o T-Bone Walker del que interpretan “The Hustle Is On”, sin contar con la preciosa versión de la composición de Leiber y Stoller “Hound Dog”, donde el armonicista del grupo Stéphane Bertolino clava su solo en el más puro estilo de Kim Wilson. Los Awek tienen el auténtico sonido tanto del blues de Texas como del de Chicago, que interpretan con una enorme solvencia. Por si la calidad de la banda no fuera ya de por si suficiente, cuentan además con la colaboración de unos invitados excelentes como son Julien Brunetaud, Damien Daigneau y el recientemente fallecido Fred Kaplan al piano, Drew Davies y Jean Marc Labbe a los saxos y Dereck O’Brien a la guitarra. MUY BUENO. Awek is one of the most recognized French bands at European and international level, thanks to their undeniable quality and the way they perfectly understand the true language of blues. This last work has been recorded between Austin in Texas and Toulouse and Angers in France. The recording includes fourteen songs that combine own compositions with versions of some of the historical bluesmen who have most influenced them like Muddy Waters they play homage with an impressive version of "Long Distance Call” they play with a terrific feeling and giving the best of themselves, or Jimmy McCracklin with the song "Think", T-Bone Walker with the song "The Hustle Is On", not to mention the delightful version of Leiber and Stoller’s song "Hound Dog", where the band harmonica player Stéphane Bertolino gives us a superb playing in the path of Kim Wilson. Awek have gpt the real Texas and Chicago blues sound, they display with a complete reliability. And if the band quality was not enough, they have also included some excellent guest musicians like Julien Brunetaud, Damien Daigneau and recently disappeared Fred Kaplan on piano, Drew Davies and Jean Marc Labbé on sax and Dereck O'Brien on guitar. GREAT.
The Lucas Haneman Express “Tearing Up The Rails” Self Production / Sarah French 2016. Canadá posee una amplia cantera de músicos de blues que da vida a una floreciente escena y actividad musical. Una de estas nuevas y originales bandas de blues con una capacidad creativa de amplias miras y unos muy sólidos cimientos estructurales son The Lucas Haneman Express. Originarios de Ontario, la banda tiene la habilidad de saber rejuvenecer la tradición del blues con un material fresco y actual lleno de magia y energía y al que estos jóvenes músicos aportan un aire desenfadado y de muy grata escucha. El disco contiene catorce canciones de las que “Give Me Life”, “lind Man’s Blues”y “hat’s The Truth” se grabaron en los legendarios estudios Sun de Memphis en Tennessee con unos resultados mas que positivos, por lo que valió la pena gastarse unos buenos dólares para hacerlo y si no escucha atentamente estos tres temas y seguramente me darás la razón. Lucas Haneman como líder de la formación, cantante, guitarrista y compositor, Martin Newman al bajo y voces, Jeff Asselin a la betería y percusión y Megan Laurence a las voces y tambourine han contado en éste álbum con la colaboración de Steve Marriner a la armónica y Jesse Whiteley al órgano y teclados en algunos cortes. Buen disco realizado con gran amplitud de miras en cuanto a interpretar los blues se refiere. MUY BUENO. Canada has a large pool of blues musicians who bring life to a flourishing scene and musical acts. One of these new and original blues bands which gather a wide creativity and solid structural foundations is The Lucas Haneman Express. Coming from Ontario, the band has the ability to rejuvenate blues tradition with a refreshing very actual material full of magic and energy, these young musicians bring us with a casual air which makes as a result a really pleasant listening. The album includes fourteen songs and these three ones “Give Me Life", "Lind Man's Blues" and "hat's The Truth" were recorded at the legendary Sun Studios in Memphis, Tennessee with a very positive result, so it was worth to spend some dollars to do it, so you have only to listen carefully to them and you will surely realize I am right. Lucas Haneman as band leader, singer, guitar player and songwriter, Martin Newman on bass and vocals, Jeff Asselin on drums and percussion and Megan Laurence on vocals and tambourine have counted for the recording the album with the valuable collaboration in some tracks of Steve Marriner on harmonica and Jesse Whiteley on organ and keyboards. Good album conceived and recorded with a wide vision concerning to blues displaying and performing. VERY GOOD.
Leadbelly “Good Morning Blues”. Wolf Blues Classics 2016. Leadbelly fue un gran cantante, compositor y multi-instrumentista, aunque a lo que se dedicó principalmente fue a tocar la guitarra. Leadbelly tenia un amplísimo repertorio basado en la música popular tradicional influido por el rico folklore del pueblo afroamericano, aunque por supuesto cantó mucho blues y también fue un excelente y contumaz interprete de work songs y espirituales Huddie Leadbetter, más conocido como Leadbelly, llevó una vida muy azarosa pasando siete años en la cárcel por haber asesinado a un familiar, volviendo dos veces mas a la prisión por peleas con blancos. Afortunadamente John Lomax le contrató como su chófer y le dio la oportunidad de grabar una considerable cantidad de material. Gracias a Lomax fue reconocido por los estudiosos del folklore negro y por los aficionados al folk blancos, siendo uno de los primeros músicos en viajar a Europa. La influencia ejercida por este hombre es más que notable en músicos como Bob Dylan, Jack White, Tom Waits e incluso Kurt Covain. Este álbum recoge con fidelidad y un buen sonido remasterizado algunas de sus canciones mas populares y emblemáticas como pueden ser “Good Night Irene”, “Midnight Special”, “Where Did You Sleep Last Night”, “Good Morning Blues”, “Rock Island Land” o “Cotton Fields” entre un total de veinticuatro maravillosos cortes en un disco básico e imprescindible para todos los amantes del género. Felicitamos una vez más a Wolf Records que, como es habitual en ellos, siempre trabaja infatigablemente en la búsqueda de material histórico y que ahora nos regala otra de sus maravillosas entregas. BUENISIMO. Leadbelly was a great singer, composer and multi-instrumentalist, although he mainly devoted himself to play guitar. Leadbelly had a wide repertoire based on traditional popular music deeply influenced by rich Afroamerican music, although he also sang blues and also was an able and excellent work songs and spirituals performer. Huddie Leadbetter, better known as Leadbelly, had an hazardous life, he was inprisoned for seven years for murdering a relative and he went back to jail two more times accused of fighting and hit some white people. Fortunately John Lomax hired him as his driver and gave him the opportunity to record a considerable amount of his material. Thanks to Lomax he was recognized by black and folk music researchers and white fans and he was also one of the first musicians who travelled and played in Europe with great success. His influence can be found in such great musicians like Bob Dylan, Jack White, Tom Waits and even Kurt Covain. This album faithfully gathers with a good remastered sound of his most popular songs like "Good Night Irene", "Midnight Special", "Where Did You Sleep Last Night", "Good Morning Blues", "Rock Island Land" or "Cotton Fields" in a total of twenty four wonderful songs which have been selected in an album that becomes basic and essential for all lovers of these musical styles. Once again our congratulations to Wolf Records which, as usual, does a tireless work in the research of historical material which now gives us one more example of their excellent recordings. ESSENTIAL.
Del Rey “Solo”. Hobemian Records 2017. Del Rey es una verdadera y auténtica trovadora del folk blues cuya misión es llevar este viejo estilo musical a las jóvenes audiencias del nuevo siglo en el que nos encontramos. Ella es una extraordinaria intérprete que, con su voz, su ukelele y su guitarra nos retrotrae a los blues de aquellos pioneros como Bo Carter, Memphis Minnie o Sam Chatmon entre otros muchísimos músicos de blues de los años treinta. Del Rey tiene gusto y aplica su veneración por esta música con criterio, sensibilidad y mucho amor, Del Rey siempre está dispuesta a perpetuar con elegancia y pasión este tipo de música y así o hace en este disco en solitario donde interpreta un total de nueve canciones a cada cual mejor. Si quieres viajar en el tiempo y darte una vuelta por las juke joints que se encontraban a lo largo y ancho del estado del Mississippi hace ya mas de ochenta años, no tienes mas que escuchar a esta mujer que, aunque no es de piel negra, su corazón y su alma están impregnadas por la intensidad racial de esta música que nuestra heroína hace suya con honor y honestidad. MUY BUENO. Del Rey is a genuine real folk blues troubadour whose mission is to bring this old musical style to the young audiences of the new century. She is an amazing performer who, with her voice, her ukulele and her guitar takes us back to the blues that was played by those pioneers like Bo Carter, Memphis Minnie or Sam Chatmon among many other blues musicians of the 30’s. Del Rey has a tasteful playing and displays it with a clever sensitivity and much love, showing her veneration for the music she plays. Del Rey is always willing to passionately and cleverly perpetuate it and this album confirms it. This is a solo album where she plays nine excellent songs. If you want to travel back in time and do an imagination tour around the juke joints that could be found around Mississippi eighty years ago, you have only to listen to Del Rey’s music who, although she has not a black skin, her heart and soul are full of black people intensity our heroine feels with honesty and pride. GREAT.
Steve James “Live Vol.1”. Hobemian 2017. Dicen que para el cantante, guitarrista y mandolinista de blues Steve James no hay secreto que se le resista en todo lo que interpreta. James es un profundo estudioso y conocedor del country blues de preguerra capaz de cantar y tocar cualquier canción de aquellos años que se le solicite. James también ha escrito varios libros instructivos acerca de cómo tocar los blues de Texas, Mississippi y Piedmont y ha realizado algunos videos didácticos relacionados con el tema. En este nuevo disco grabado por Steve James en solitario nos encontramos con doce cortes maravillosos donde se explaya y expone con claridad y amplitud de miras su conocimiento del género, a través de doce canciones interpretadas con mucha seriedad y un estilo impoluto. James se mueve entre los blues de Sylvester Weaver, Big Joe Williams, Huddie Leadbetter o Sam McGee, entr algunos otros de su propia cosecha y lo hace con mucho amor, cariño y honestidad. Dotado de una técnica depurada y nítida, Steve James se va adentrando en el terreno del blues cada vez con más ímpetu y credibilidad, creciéndose con gran suficiencia a medida que van transcurriendo las canciones de este álbum grabado en riguroso directo. MUY BUENO. People say the music that blues singer, guitar and mandolin player Steve James plays has not secrets for him. James is a deep expert and connoisseur of country pre-war blues and he is able to sing and play any song of that particular time he is requested. James has also written several instructional books and videos teaching how to play Texas, Mississippi and Piedmont blues. In this new Steve James’ solo album he brings us twelve wonderful songs where he clearly and widely throws himself into display his knowledge along twelve songs performed in a faultless way and an extreme commitment. James easily moves between those blues coming from Sylvester Weaver, Big Joe Williams, Huddie Leadbetter or Sam McGee and his own compositions and he does it with an extreme respect and honesty. Gifted with a polished acute technique, Steve James gradually goes deep into blues field with an increasing force and credibility, which gives him a growing self-confidence and strength along every song she has selected, all them recorded live. GREAT.
Ron Beer “The Blues Don’t Say It All”. Self Production 2016. Qué magia, qué gusto, qué interesante es la música de Ron Bear, un cantante que tanto puede vocalizar un blues con gran vehemencia como componer temas de música disco o dance y todo ello con una calidad fuera de serie y una creatividad que nadie puede poner en duda. Ron Bear nació en Ontario, Canadá y es un hombre con una actividad frenética en el terreno musical. Ron ha sido siempre un espíritu inquieto y eso le ha llevado a investigar en numerosos campos y géneros musicales de toda índole. Después de varios viajes a Austin, Texas ahora nos presenta un buen puñado de canciones compuestas por él y de las que Lou Sabatini se ha hecho cargo de las letras. Ambos nos proponen un viaje sin par por el melódico mundo musical del Mississippi, un viaje en el que se convierten en auténticos guías, gurús y maestros. Beer también ha publicado una novela gráfica titulada “Boogie Boy And The Birth Of The Blues”. La historia cuenta de manera suficientemente biográfica un viaje a lo largo del cauce del Mississippi en una pequeña embarcación que le permite ir descubriendo y explicando los diferentes estilos y modos del blues. Ahora puedes apuntarte a este viaje sin salir de casa, gracias a este interesante álbum. Los músicos que intervienen en la grabación son Ron Beer a la voz y guitarra rítmica, Neil Chapman a la guitarra, Bill Evans a los teclados, piano y acordeón, Paul Schofield a los metales, Alex Paris al bajo, John Maydem a la batería y Donna Lajeunesse coros. MUY BUENO. What tasteful magic and how interesting is Ron Bear’s music! He is a singer able to sing blues with a terrific feeling or write disco music and dance songs with an outstanding quality and an incredible creativity. Ron Bear was born in Ontario, Canada. He is a man with a frantic activity in the musical field as he has always been a restless spirit that has led him to investigate in a variety of musical fields and genres. After several trips to Austin, Texas, now he comes back with a good handful of songs he has composed the music and his good friend Lou Sabatini has written all lyrics. Both friends suggest us a beautiful journey around the Mississippi melodic musical world, a journey where they become the best guides, gurus and teachers. Beer has also published a graphic novel entitled "Boogie Boy And The Birth Of The Blues". The story is a rather autobiographical trip along Mississippi river sailing on a small boat which allows him to discover and explain the different blues styles and ways to approach the music. Fortunately you can also go to this suggestive journey without leaving home thanks to this interesting album. The musicians involved in the recording are Ron Beer on vocals and rhythm guitar, Neil Chapman on guitar, Bill Evans on keyboards, piano and accordion, Paul Schofield on metals, Alex Paris on bass, John Maydem on drums and Donna Lajeunesse on backing vocals. VERY GOOD.
Andhrea & The Black Cats “New Roads”. Rock CD Records 2016. Cuarteto gallego proveniente de Santiago de Compostela compuesto por Benjamin Vázquez a la guitarra, Ramón Figueira a la armónica y Alvaro Trillo a la percusión, un trío acústico al servicio de la cantante Andhrea Verdú que se encarga de llevar y dirigir a los chicos por los vericuetos caminos del blues más tradicional y arcaico. En este su primer trabajo nos ofrecen un repertorio de diez temas de autores tan emblemáticos como son Leadbelly, Lil’ Green, Son House, Roosvelt Sykes, Memphis Minnie, Billy Boy Arnold o incluso una versión de Tom Waits. Con este tipo de repertorio que, básicamente, es el mismo que ofrecen en sus actuaciones en directo, Andhrea & The Black Cats se adentran por los caminos del blues de preguerra intentando con ello instruir y dar a conocer el evangelio del blues a las audiencias que acuden a sus conciertos. Este es un buen trabajo de recuperación y a la vez muy didáctico para las nuevas generaciones, un repertorio ideal para ese público nuevo que se acerca al género y que no está demasiado familiarizado con las raíces del blues. Es encomiable que un grupo de músicos tan jóvenes como son los componentes de esta banda se dediquen con a recuperar el espíritu de aquellos antiguos bluesmen y lo hagan con buen gusto, dignidad y convencimiento. MUY BUENO. From Santiago de Compostela in Galicia comes this four musicians band with Benjamin Vazquez on guitar, Ramon Figueira on harmonica and Alvaro Trillo on percussion, an acoustic trio who put all their skills to the service of singer Andhrea Verdú, who leads them through the winding roads of the most old traditional blues. In this debut album they present a selection of ten songs coming from such legendary musicians like Leadbelly, Lil' Green, Son House, Roosevelt Sykes, Memphis Minnie, Billy Boy Arnold or even they include a Tom Waits’ song version. With this repertoire that, basically, is the same they do in their live performances, Andhrea & The Black Cats go into pre-war blues ways, aiming to give knowledge and teach the ‘blues gospel’ to the audiences who follow them. This is a good revival work and, at the same time, a very educational one for the new generations, a perfect repertoire for new blues lovers who are not very familiar with blues roots. It is praiseworthy that a young group of musicians like Andhrea & The Black Cats devote themselves to restore the spirit of those old bluesmen, always with good taste, graceful dignity and great conviction. VERY GOOD.
Elliott And The Audio Kings “Elliott And The Audio Kings”. Busted Flat / Sarah French 2016. Elliott And The Audio Kings es una banda canadiense de la zona de Ontario que practica una música basada en los maestros del viejo post-war blues sobre el que edifican un nuevo concepto y sonido de los shuffles, los boogies y el swing. Acompañado por Scott Fitzpatrick al contrabajo y Jonny Sauder a la batería, el trío condensa y elaboran un blues que captura todo el espíritu de las bandas de carretera pero que, a la vez, también podrían encontrarse actuando en un elegante club privado, una escuela o un teatro de variedades y espectáculos, dirigiendo siempre todos sus esfuerzos a incluir en su música los elementos más esenciales del blues como son poderosas guitarras, ritmos machacones y contagiosos, letras convincentes y solos incisivos e hirientes. Todo ello se da cita a lo largo de un repertorio que contiene once canciones donde el jump blues, el houserockin de carretera y el rock and roll mas ácido y al mismo tiempo muy digestivo se dan la mano para que el oyente disfrute de unos buenos minutos de felicidad, diversión y alegría. Puedo asegurar sin temor a equivocarme que este disco hará vibrar y gozar a más de un entusiasta. MUY BUENO. Elliott And The Audio Kings is a Canadian band coming from Ontario which perform a music based on those old post-war blues masters but building up a new sound and concept to shuffles, boogies and swing music. Together with Scott Fitzpatrick on bass and Jonny Sauder on drums, the trio elaborate a kind of blues that captures the spirit of a roadhouse band but, at the same time, you could also found them playing in an elegant private club, a school or a vaudeville or music theatre, always giving the best of themselves to get in their music the most essential blues elements like powerful guitars, insistent infectious rhythms, convincing lyrics and hurtful heartbreaking solos. All these elements can be found along the eleven album songs where jump blues, houserockin’ roadhouse and acid but at same time digestive rock & roll come together to bring a good dose of fun, joy, and happiness to every listener. Let me say the album will surely please and satisfy most music lovers. VERY GOOD.
Jack Mack And The Heart Attack Horns “Back To The Shack”. SSR Freeroll / Frank Roszak 2017. El grupo Jack Mack And The Heart Attack Horns lleva ya más de treinta años de carrera, atesorando una gran experiencia, diez álbumes publicados, además de componer diversas bandas sonoras y cientos de actuaciones en televisión y en directo. Con este bagaje y, como no puede ser de otro modo, el resultado de este álbum es realmente increíble y formidable. Su estilo podría definirse como un grasiento pero a la vez pulcro y elegante soul salpicado de groove-poppin’, blues y rhythm & blues de altas miras y muchos kilates de pura y maravillosa energía. La banda se inspira en aquellos legendarios artistas que grabaron para Stax o Volt de quienes no tienen nada que envidiar. La calidad, el esmero y el poderío que desprende este ambicioso álbum integrado por diez excelentes canciones es de gran envergadura. Todos los temas tienen reminiscencias del soul que interpretaban artistas como Wilson Pickett, Booker T., The Blues Brothers, Eddie Floyd, James Brown o Sam & Dave. Jack Mack And The Heart Attack Horns es una banda impecable con una poderosísima sección de vientos que sabe empastar, arreglar y cuidar las canciones con brillantez y esmero. Once son los músicos que han intervenido en estas grabaciones bajo la batuta de su impresionante cantante Mark Campbell, un vocalista de mucha solera. MUY BUENO. Jack Mack And The Heart Attack Horns have more than thirty years of career, so they have gathered a huge experience and ten albums published, besides composing different film soundtracks and hundreds of performances on television and live shows. With this baggage and, as it could not be otherwise, this album becomes a fabulous and totally amazing recording. The band style could be defined as greasy but, at the same time, clear and elegant soul with drops of high-minded groove-poppin', blues and rhythm & blues, with tons of pure and wonderful energy. The band finds inspiration in those legendary artists who recorded for Stax or Volt they really have nothing to envy. The album quality, carefulness and strength along the ten excellent songs included is really amazing. All cuts remind that soul music performed by such great artists like Wilson Pickett, Booker T., The Blues Brothers, Eddie Floyd, James Brown or Sam & Dave. Jack Mack And The Heart Attack Horns is a faultless band with a really powerful horn section. They sound really teamed and really know how to arrange and display all songs on a brilliant careful way. Eleven musicians round up the whole recording, cleverly led by the impressive Mark Campbell’s voice, who appears as a first class amazing singer. GREAT.
John Latini “The Blues Just Makes Me Feel Good”. Smokin’ Sleddog / Frank Roszak 2016. John Latini ha cimentado su nombre como el de un excelente y voluntarioso compositor. Sus canciones han sido galardonadas en diversas ocasiones y ha recibido grandes alabanzas de la crítica así como diversos premios y reconocimientos. Ahora nos presenta su primer álbum de larga duración con el que ha tirado la casa por la ventana reuniendo a una creativa banda de mucha calidad, así como a un buen plantel de músicos invitados y una efectiva y variopinta sección de vientos, que dotan a la música aquí incluida de una impronta fuera de serie. A lo largo de trece composiciones propias John Latini se nos va descubriendo como un mas que interesante y reflexivo guitarrista, además de un convincente cantante pero, sobre todo, como un compositor con enormes y brillantes cualidades. Un trabajo encomiable en el que nuestro hombre da lo mejor de si mismo entregándose a la faena con excepcional habilidad y pasión para mostrar toda su buena disposición y sus enormes posibilidades en este competitivo mercado del blues. MUY BUENO. John Latini has consolidated his name in music as an excellent devoted composer. His songs have been often awarded and he has also received good words by specialized media as well as various awards and recognitions. Now he presents his first full-length album where he has rolled out the red carpet gathering a high quality creative band, as well as a good bunch of guest musicians together with an effective varied horn section, who give to the album an outstanding mark. Along the thirteen own compositions John Latini shows himself as a more than interesting and thoughtful guitar player, but also as a convincing singer and specially as a good composer gifted with huge brilliant qualities. This is a praiseworthy work where John gives the best of himself devoting to music with an exceptional skill and passion to present all his huge potential and good disposition in the actual competitive blues market. VERY GOOD.
Reverend Freakchild “Preachin’ Blues”. Treated And Released / Frank Roszak 2017. El Reverendo Freakchild es un músico totalmente diferente a lo que uno podría imaginar de un artista de estas características. Tal como dice de él la revista Living Blues, su actitud es irreverente pero su entusiasmo por el blues es indiscutible y no tiene parangón. Trabajador incansable, el Reverendo nunca se deja vencer por mucho que las circunstancias le sean adversas y por él nunca cunde el desánimo frente a los reveses impuestos por la vida, tal como le ocurrió en San Francisco cuando le robaron todas sus guitarras, su equipo y sus pertenencias. El Reverend Freakchild no paró hasta conseguir otra guitarra resonator para poder seguir tocando y predicando la palabra del blues. A partir de ese momento las cosas empezaron a enderezarse en su vida, consiguiendo ser contratado para tocar en diversos festivales, además de poder grabar este disco en los estudios KBOO de Portland, Oregón. El álbum es una buena prueba del talento musical de un artista que muchas veces fue un perdedor pero que, a partir de un determinado momento de su vida, con voluntad y determinación supo convertir la adversidad en nuevas oportunidades, que son las que actualmente le está deparando la vida. MUY BUENO. Reverend Freakchild is a totally different musician of what one could expect of an artist with these features. As was said in Living Blues Magazine, his attitude is irreverent but his enthusiasm for the blues is clear and undeniable. A tireless worker, the Reverend never gets defeated by adverse circumstances, so he never gets discouraged in front of life setbacks, as happened to him in San Francisco when all his guitars, his gear and belongings were stolen. The Reverend Freakchild managed to get another resonator guitar and he continued playing and preaching his blues message. Since that particular moment, things started to improve in his life, as he was booked to play at various festivals and he was able to record this album at KBOO studios in Portland, Oregon. This recording is a good test to see the musical talent of an artist who many times has been a loser but, since a singular moment in his life, with determination and good will he has been able to turn adversity into new opportunities, the ones life is now giving him. VERY GOOD.
Starlite Campbell Band “Blueberry Pie”. Supertone 2016. Después de tres álbumes en el mercado y cinco años transcurridos desde que decidieron unir sus fuerzas, el dúo y matrimonio formado por Simon Campbell y Suzy Starlite han publicado hace sólo unos meses éste su último trabajo hasta el momento. Además de Simon Campbell a la voz, guitarras y percusión y Suzy Starlite al bajo y voces, en este “Blueberry Pie” colaboran también Steve Gibson a la batería y percusión, Jonny Henderson al Hammond y piano eléctrico Wurlitzer y como invitado especial Danny Boy Sánchez a la armónica en algunos temas. Simon y Suzy han compuesto para la ocasión once canciones en las que se combinan con frescura y acierto los estilos y géneros que mas les gustan y que son una combinación de ‘British blues’ en el que se puede apreciar como planean los espíritus de Rory Gallagher, Peter Green, Robin Trower e incluso Gary Moore, junto a una buena dosis de country, algo de folk y blues contemporáneo y bastante Americana. Estamos ante un disco convincente, interpretado por unos veteranos que saben de donde vienen y hacia donde van, con una visión y una ejecución de las canciones que interpretan muy ajustadas a las normas que el público actual demanda hoy en día. MUY BUENO. After three albums in the market and five years since they decided to join forces, the duo and couple formed by Simon Campbell and Suzy Starlite published a few months ago their last work so far. Besides Simon Campbell on vocals, guitars and percussion and Suzy Starlite on bass and vocals, “Blueberry Pie" also features Steve Gibson on drums and percussion, Jonny Henderson on Hammond and Wurlitzer electric piano and Danny Boy Sánchez as a special guest on harmonica in some tracks. For this album Simon and Suzy have composed eleven songs where they cleverly combine with an extreme good taste the styles and genres they most love, which can be defined as a combination of 'British blues' where you can discover the spirit of Rory Gallagher, Peter Green, Robin Trower and even Gary Moore, with a good dose of country, contemporary folk and blues and a fair amount of Americana. This is a convincing recording, performed by veteran musicians who really know where they come from and where they want to go, who give to their songs a selected vision and a good performing, that perfectly suits with the standards actual audiences demand nowadays. VERY GOOD.
Tim Gartland “If You Want A Good Woman”. Taste Good Music / Vizzable 2017. Una de las principales características de Tim Gartland es su naturalidad, honestidad y frescura como vocalista, armonicista y compositor de canciones. Tim se curtió en los clubs de Chicago viajando posteriormente a Boston donde consolidó su carrera. Ahora desde Nashville y junto a algunos de los mejores músicos de la escena local, nos presenta su último trabajo que ha sido coproducido por Kevin McKendree uno de los referentes actuales entre los músicos de la zona. El álbum recoge doce composiciones del propio Tim Gartland escritas en colaboración con su teclista Tom West.. Todos estos temas destilan una melódica belleza con acentos de soul y blues además de una estudiada y fina ironía que cualquier aficionado avezado que las escuche sabrá apreciar e incluso le hará sonreir. Tim sabe medir y administrar con mesura los tempos y los recursos que posee para ofrecer al oyente un producto elegante y de fácil asimilación. Además de Tim Gartland a las armónicas y a la voz, también intervienen Tom West piano y órgano, Tom Britt guitarras, Steve Mackey bajo y contrabajo y Lynn Williams batería, más la colaboración de Kevin McKendree al órgano y piano en tres temas. MUY BUENO. One of Tim Gartland’s main qualities is his cool honest and natural way of singing, playing harmonica and song writing. Tim hardened himself as a musician in Chicago clubs, He later travelled to Boston, where he consolidated his career. Now from Nashville, and surrounded by some of the best musicians of the local scene, he brings us his latest work which has been co-produced by Kevin McKendree, one of the actual most respected guys and specially by other musicians in the area. The album includes twelve own Tim Gartland’s compositions he has written in collaboration with his keyboard player Tom West.. All songs are gifted with a melodic beauty and accents of soul and blues music plus a considerable fine irony any good fan will immediately appreciate and even will make him smile. Tim wisely knows how to measure and manage tempos and the various means to offer listeners an elegant easy to assimilate music. Besides Tim Gartland on harmonicas and vocals, the rest of involved musicians are Tom West on piano and organ, Tom Britt on guitars, Steve Mackey on bass and double bass and Lynn Williams on drums, plus the collaboration of Kevin McKendree on organ and piano in three songs. VERY GOOD.
Jon Gindick “When We Die, We All Come Back As Music”. Old Chimney / Blind Raccoon 2016. Armonicistas de todo el mundo acuden en peregrinación provistos de su pequeño instrumento en el bolsillo al John’s Blues Harmonica Jam Camp, un seminario instruido por Jon Gindick. Sus increíbles lecciones, sus participativas jams y su manera de enseñar hacen de este seminario un acontecimiento único donde todo el mundo puede aprender y expresar sus dotes creativas a través de este pequeño instrumento tan importante en el blues. Entre los armonicistas que intervienen pueden citarse a Cheryl Arena, R.J. Mischo, Hash Brown, T.J. Klay o Brian Purdy. Este seminario se celebra en The Shack Up Inn en las afueras de Clarksdale, Mississippi y también en Ventura, California. Ahora y con la inestimable ayuda del productor y multi-instrumentista Ralph Carter, Jon ha grabado un álbum fresco y lozano con un total de diez canciones en las que Gindick toca la guitarra, canta y sopla la armónica alternando la segunda y la tercera posición, en canciones que expresan sentimientos y verdades universales en una acertada mezcla de folk, blues, jazz y funk. En el disco han intervenido también Ralph Carter al bajo, teclado y batería y los invitados Chuck Kaavoris, Brad Rabuchin, Ken Stange, Bill Bixler, Bobby Loya y Al Walker. MUY BUENO. Harmonica players from around the world travel on pilgrimage with their small instrument in their pockets to John's Blues Harmonica Jam Camp, led and taught by Jon Gindick. His incredible lessons, his open jams and the way he teaches harp make this seminar a unique event where everyone can learn and express his creative gifts with this small instrument so important in blues. Among the involved harmonica players one can find Cheryl Arena, R.J. Mischo, Hash Brown, T.J. Klay or Brian Purdy. The seminar takes place at The Shack Up Inn near Clarksdale, Mississippi and in Ventura, California. Now and with the valuable collaboration of producer and multi-instrumentalist Ralph Carter, Jon has recorded a cool natural album with ten songs where Gindick plays guitar, sings and blows harp combining second and third position, in songs that express feelings and universal truths, with a successful mixture of folk, blues, jazz and funk. The musicians who have collaborated in the album are Ralph Carter on bass, keyboard and drums and the special guests Chick Kaavoris, Brad Rabuchin, Ken Stange, Bill Bixler, Bobby Loya and Al Walker. VERY GOOD.
Jim Koeppel “RSVP To Paradise”. Jongleur / Blind Raccoon 2016. Cinco canciones componen este E.P. a cargo del excelente cantante y guitarrista Jim Koeppel, un veterano músico de la escena del blues que ha compartido escenario y acompañado a muchos de los grandes del blues como Taj Mahal, Rip Lee Pryor, Cash McCall, Watermelon Slim, Billy Branch, Little Charlie o Lil’ Ed entre otros. Este soberbio músico también toca en solitario, o con su formación acústica, The Delta Coasters y en formato eléctrico lo hace con Dust My Blues. Ellos son precisamente los protagonistas de este disco que aquí comentamos. Son cinco blues originales de alto voltaje estupendamente interpretados, plasmados con gran feeling, buen gusto y mucho duende. Un disco que rezuma calidad en todas y cada una de las cinco piezas y que se convierte en una pequeña muestra de la calidad que Jim Koeppel atesora. Además del propio Jim también intervienen Tennyson Stephens piano, Welton Gite bajo, James Gadson batería, Norman Palm trombón, Rajiv Halim saxo tenor mas los invitados Billy Branch armónica, Gene ‘Daddy G’ Barge saxo tenor y John Christy Hammond B-3. MUY BUENO. Five good songs round up this E.P. by excellent singer and guitar player Jim Koeppel, a veteran blues musician who has shared stage and played with many great blues names like Taj Mahal, Rip Lee Pryor, Cash McCall, Watermelon Slim, Billy Branch, Little Charlie or Lil' Ed among others. This superb musician also plays in a solo format but you can also see him with his acoustic band The Delta Coasters and in electric format with Dust My Blues. They precisely are the ones who perform in the album. Five high-voltage original beautiful blues, displayed with great feeling, good taste and magic. An album that oozes quality in each and every one of the five tracks and becomes a good example of the quality Jim Koeppel has got over the years. Besides Jim Koeppel the other musicians involved are Tennyson Stephens piano, Welton Gite bass, James Gadson drums, Norman Palm trombone, Rajiv Halim tenor sax plus guest musicians Billy Branch harmonica, Gene “Daddy G” Barge tenor sax and John Christy Hammond B-3. GREAT.
Gaetano Letizia & The Underworld Blues Band “Resurrection”. Self Production / Blind Raccoon 2016. Buscando la inspiración en artistas como Jimi Hendrix, George Benson, B.B. King o Eric Clapton y también en aquel tiempo en el que los músicos eran los dueños y señores de los procesos creativos en lugar de la tecnología más actual, Gaetano “Tom” Letizia se ha embarcado en una aventura atrevida y personal, en aras de plasmar todo lo auténtico y más genuino en este su décimo álbum titulado “Resurrection”. Este cantante, guitarrista y compositor lidera habitualmente un trío de jazz y otro trío decantado hacia el blues, además de una carrera en solitario de cuarenta años largos. Para este trabajo ha unido sus fuerzas junto al grupo The Underworld Blues Rock Band, una banda formada por seis miembros con Larry Keller al bajo, Steve Renco a la batería, Bill Ramson a la percusión y una sección de vientos formada por Tim Keehn al trombón, Mike Fisher a la trompeta y Bob Esterle al saxo tenor. Los catorce temas originales que forman el disco son una mezcla de blues, funk, jazz, pop, reggae, latin y rock. Aunque Gaetano es un virtuoso guitarrista, no por ello monopoliza las canciones sino que deja que el resto de sus compañeros aporten su propia creatividad para de este modo completar un trabajo diferente y muy provocativo. MUY BUENO. Looking for inspiration in artists like Jimi Hendrix, George Benson, B.B. King or Eric Clapton, and also in that time when musicians were the real owners of the creative process instead what happens now with actual technology, Gaetano "Tom" Letizia has get in a personal daring adventure with the aim to capture the real genuine music along this tenth album entitled "Resurrection". This singer, guitar player and composer usually leads a jazz trio as well as another one devoted to blues, besides a solo career of more than forty long years. For this last work he has joined forces with The Underworld Blues Rock Band, a six members group with Larry Keller on bass, Steve Renco on drums, Bill Ramson on percussion and a horn section with Tim Keehn on trombone, Mike Fisher on trumpet and Bob Esterle on tenor sax. The fourteen original album songs are a mixture of blues, funk, jazz, pop, reggae, Latin and rock. Although Gaetano is a virtuoso guitar player, he does not monopolize all songs and he lets the other musicians to express their own creativity to complete a different very provocative work. VERY GOOD.
John Mayall “Talks About That”. Forty Below / Mark Pucci Media 2016. Me quito el sombrero ante un músico como John Mayall que, a sus ochenta y cuatro años, sigue activo y se mantiene en pie durante las dos horas largas de sus conciertos. Además John se halla en evolución constante, manteniendo su buen olfato y sus dotes para crear nuevas sensaciones y evolucionar en el campo del blues, algo verdaderamente difícil para cualquier músico abocado al género de los doce compases. Mayall no se ha quedado anclado en el ‘British blues’ de los años sesenta, sino que siempre ha innovado y lo sigue haciendo, pues Mayall siempre va un paso por delante de otros muchos que han pretendido seguir su estela. En este álbum ha incluido ocho temas propios y tres versiones “It’s Hard Going Up” de Bettye Crutcher, “Goin’ Away Baby” de Jimmy Rogers y “Don’t Deny Me” de Jerry Lynn Williams. La banda que le acompaña es la habitual de los últimos años formada por Greg Rzab al bajo, Jay Davenport a la batería y Rocky Athas a la guitarra, aunque este último ya no forma parte del grupo de la última gira de John. El disco cuenta también con la colaboración del guitarrista Joe Walsh y de una sección de metales que confieren solidez y empaque en los temas que intervienen. Mayall sigue vivo y bien y este álbum es un fiel reflejo de sus inmortales y personales blues, desarrollados como siempre con habilidad y ejecutados según los cánones habituales en él y que tan profunda huella han ido dejando a lo largo de su larga y dilatada trayectoria. MUY BUENO. I take my hat off in front a musician like John Mayall who, with eighty-four years, is still active and stands up during the two hours of his live shows. Besides, John is in a constant evolution, keeping intact his ability to create new concepts in blues, something quite difficult to any blues musician. Mayall did not get anchored in 60’s British blues, he has always innovated and continues to do so, as he is always one step ahead of other musicians who have tried to follow his trace. In this album he has included eight own songs and three versions, "It's Hard Going Up" coming from Bettye Crutcher, "Goin' Away Baby" by Jimmy Rogers and "Don't Deny Me" by Jerry Lynn Williams. The band musicians who back him are the usual ones in recent years with Greg Rzab on bass, Jay Davenport on drums and Rocky Athas on guitar, although Rocky is no longer member of the band and he did not participate in John’s last tour. You will also find in the album guitar player Joe Walsh and a teamed horn section which give power, quality and variety to the songs where they play. Mayall is still alive and well and this album truly reflects his undying personal blues, as ever developed with great skill and displayed following Mayall’s regular basis, which have always left a deep footprint along his extensive career. GREAT.
The Kentucky Headhunters “On Safari”. Plowboy / Mark Pucci 2016. Después de editar aquel magnífico álbum titulado “The Rock ‘N’ Roll Jungle” y a la vuelta de una exitosa gira por Europa, The Kentucky Headhunters se reinventan ahora con este su doceavo álbum en estudio. Para ello han encontrado y recogido inspiración de las experiencias vividas en sus recientes viajes y actuaciones. El álbum que comentamos se grabó en circunstancias muy especiales, ya que los hermanos Richard y Fred Young perdieron a su padre tres días antes de comenzar la grabación de este disco lo que hizo que, tanto ellos como el resto del grupo, pusieran si cabe mas ganas y emoción en las canciones que se llevaron a cabo, dedicándoselas a su memoria. Doce canciones que muestran la capacidad de generar buena y excelente música inspirada en el rock sureño, el blues, el rock y también en lo que conocemos como Americana. Los Kentucky Headhunters son Richard Young a la voz y guitarra, Greg Martin a la guitarra solista y voces, Doug Phelps al bajo y voces y Fred K. Young a la batería, percusión y voces, más la colaboración especial en el disco de Kevin McKendree al Hammond. Un buen álbum donde planea el elegante southern rock con capacidad para embelesar a la mayoría de los aficionados a este estilo. MUY BUENO. After publishing a magnificent album entitled "The Rock ¡N' Roll Jungle" and coming back from a successful tour in Europe, now The Kentucky Headhunters reinvent themselves with his twelfth studio album. To do so they have found and gathered inspiration from the experiences lived in their recent travels and live shows. The album was done in very special circumstances, because brothers Richard and Fred Young lost their father three days before starting the album recording, which made that both brothers and the rest of the band put even more enthusiasm and emotion to the songs they were recording and they decided to devote the album to his memory. Twelve songs that show the musicians ability to generate good and excellent music inspired by southern rock, blues, rock and also what we know as Americana. The Kentucky Headhunters are Richard Young on vocals and guitar, Greg Martin on lead guitar and vocals, Doug Phelps on bass and vocals and Fred K. Young on drums, percussion and vocals, plus the special collaboration in the album of Kevin McKendree on Hammond. This is a good recording where you can breathe and feel the elegant southern rock that will surely captivate most fans of this very special style. VERY GOOD.
Tom Craig & The Soul Patch “Get Ready For Me” Self Production / Frank Roszak 2016. Tom Craig es un poderoso cantante con un feeling increíble. Tom es también un guitarrista y compositor que descubrió su vocación musical escuchando a Frank Sinatra, Ella Fitzgerald y Mel Torme. Sin embargo pronto decidió que sus gurús y maestros serian Muddy Waters, Stevie Ray Vaughan y los tres reyes, B.B. King, Freddie King y Albert King, además del soul de los sesenta y setenta. Durante la última década Tom Craig ha formado tándem con el batería John O’Connell con quien comparte su pasión por el soul de Memphis, el sonido de la factoría Muscle Shoals, el rhythm and blues y el blues, por lo que en sus actuaciones siempre incluyen versiones de Wilson Pickett, Otis Redding, Willie Dixon, Muddy Waters, Elmore James, los tres Kings, Buddy Guy, Robert Cray o Joe Louis Walker. Ahora nos presentan un álbum plagado de buenos y tórridos temas en un amplio recorrido por las diferentes caras y facetas de esa música negra que tanto les apasiona y con la que conectan de forma inmediata con el oyente. Para ello han contado con la participación de un excelente plantel de músicos como “Rando” Randy Branning y Dave Gross al bajo, Eric Johnson, al Hammond y teclados, Mickey Junior a la armónica además de una sección de metales formada por Vince Glaeason tenor, Mark Gallagher y Skyler Hagner barítonos, Dan Young alto y Sean McCusker trombón. Un disco más que recomendable. MUY BUENO. Tom Craig is a guitar player and composed but mainly he is a powerful singer with an incredible feeling. Tom discovered his musical vocation after listening to artists like Frank Sinatra, Ella Fitzgerald and Mel Torme. However he soon decided his gurus and masters would be Muddy Waters, Stevie Ray Vaughan and the three kings, B.B. King, Freddie King and Albert King, as well as 60’s and 70’s soul. During the last decade Tom Craig has formed a good tandem with drummer John O'Connell. Both share the passion for Memphis soul, the particular sound of Muscle Shoals factory, rhythm and blues and blues, so in their live shows they always include versions coming from Wilson Pickett, Otis Redding, Willie Dixon, Muddy Waters, Elmore James, Buddy Guy, Robert Cray, Joe Louis Walker or the three already mentioned kings. With all these ingredients you can easily imagine this is an album full of good and torrid songs tht drive us to a wide tour around the different faces and shapes of the black music they passionately love, which will immediately connect with every listener. To do so, they have counted with the valuable participation of an excellent group of musicians like "Rando" Randy Branning and Dave Gross on bass, Eric Johnson, on Hammond and keyboards, Mickey Junior on harmonica plus a horn section with Vince Glaeason tenor, Mark Gallagher and Skyler Hagner baritones, Dan Young alto and Sean McCusker trombone. In short words this is a more than a recommendable recording. GREAT.
Lisa Biales “The Beat Of My Heart”. Big Song Music / Frank Roszak 2017. Con este su noveno álbum y tal como su titulo indica, Lisa Biales deja latir su corazón con fuerte pulso a lo largo de un puñado de buenas y destacadas canciones de corte bluesero, realizadas desde la perspectiva de una mujer fuerte e independiente. Biales creció en el seno de una familia muy unida musicalmente y aprendió a cantar gracias a su madre quien la inició en este maravilloso mundo. Hace un par de años Lisa encontró un viejo disco de 78 rpm que su progenitora había grabado en 1947 y que contenía una sola canción titulada “Crying Over You” compuesta y cantada por su madre. Este hallazgo la hizo muy feliz y le dio la idea de incluir la canción en el repertorio de los doce temas escogidos para completar el álbum que aquí comentamos, donde puede escucharse la voz de su madre cuando sólo tenía veinticuatro años en la primera estrofa de la canción, siendo después la propia Lisa Biales quien continúa cantando esta balada jazzy, en un homenaje lleno de cariño y ternura de Biales hacia su madre. En el resto de los temas se hace evidente la potencia vocal y la amplitud de registros de una artista que, sin duda, llegará al corazón de todos aquellos que quieran acercarse a ella. MUY BUENO. With her ninth album and, as its title clearly shows, Lisa Biales leaves his heart beat with a firm pulse, along a handful of good outstanding blues songs, developed from the perspective of a strong independent woman. Biales grew up in family who really loved music and she learned to sing helped by her mother who made her discover this wonderful world. A couple of years ago Lisa found an old 78 rpm record her mother had done in 1947 with only one song entitled "Crying Over You" composed and sung by Lisa’s mother. This accidental discovery gave her the idea to include the song among the twelve songs selected to complete this album, where you will hear her mother’s voice only aged twenty-four in the first song verse, followed by Lisa’s voice which follows on with the tune singing this jazzy ballad, in a tender lovely tribute to her mother. The rest of the album songs prove the powerful voice and wide vocal range of an artist who, I dare say, will undoubtedly reach the hearts of all those people willing to listen to her tasteful music. VERY GOOD.


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