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Realizado por:

Estefanía Monge Castell.

Ana María Pérez Montenegro.

Isabel Rodríguez Martín.

José Antonio Vázquez Requena.

Javier Conde Márquez.

José Manuel Orozco Castillo.


ÍNDICE

Prehistoria................................................................................1 y 2.


Egipto.......................................................................................2-4.
Grecia.......................................................................................4-6.
Roma........................................................................................6-8.
Románico.................................................................................8-11.
Gótico.......................................................................................12-15.
Bizantino..................................................................................15-18.
Renacimiento...........................................................................18-24.
Barroco....................................................................................24-26.
Neoclasicismo..........................................................................26-28.
Siglo XIX....................................................................................28-30.
Siglo XX.....................................................................................30-35.
Bibliografía...............................................................................36.

LA PREHISTORIA.

Las primeras manifestaciones artísticas conocidas y conservadas corresponden a un momento avanzado del primer periodo del Paleolítico superior, y posteriormente al Neolítico.


Paleolítico.

Del Paleolítico superior, las obras que conservamos sólo son algunas estatuillas de marfil que reproducen cabezas o cuerpos de mujer, y algunos bajorrelieves.

En el continente europeo se han encontrado algunas representaciones: las Venus de Savignano, Willendorf, Lespugue, y Laussel, todas de senos, vientre y caderas abultadas.
En este conjunto de Venus prehistóricas se refleja el culto a la mujer fecunda que en la religiosidad prehistórica es paralelo al de la tierra fértil.

Pero no podemos hablar de obras con una temática religiosa propiamente dicha, puesto que en esta época, las escenas de caza y la mujer eran los temas únicos.


Respecto al arte rupestre, de este periodo, las pinturas que encontramos son únicamente representaciones de escenas de caza, tanto en la zona franco-cantábrica (Altamira, Pindal y Candamo en Asturias, Lascaux en Francia…) donde solo representan animales, como en la zona levantina española, donde el hombre ya aparece en dichas escenas.

Por lo que tampoco podemos hablar de motivos, influencias, o temática religiosa.


Neolítico.
Del Neolítico, los testimonios artísticos que conocemos son las cerámicas (revolucionario y trascendental invento para el arte), que aunque algunas están talladas no muestran ningún tipo de temática religiosa, y las pinturas rupestres, que al igual que en el Paleolítico sólo se limitan a representar escenas de caza.
Por otra parte, en este periodo, con la llegada del sedentarismo y la aparición de los primeros poblados, nace la arquitectura.

Aparecen los megalitos, que en su mayoría son monumentos funerarios, creados para el culto a los muertos, lo que implica unas vivencias religiosas avanzadas.

Dentro de estas tumbas, encontramos varios tipos: el menhir, el más sencillo (piedra hincada verticalmente), y el dolmen, sepultura colectiva más compleja (varias piedras verticales en círculo y una enorme piedra horizontal de cubierta).

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Es aquí donde por primera vez tenemos constancia del uso del arte como algo religioso.



EGIPTO.
En el antiguo Egipto, el culto a los dioses y las ideas sobre la vida de ultratumba impregnan todas las manifestaciones del arte egipcio, y de manera más relevante la arquitectura, limitada a una finalidad religiosa y funeraria (templos y tumbas).

Egipto practica una religión pluralista, donde veneran a un gran conjunto de dioses, casi una treintena de ellos, los cuales suelen ser representados con cabezas de animales y atributos distintivos.

Esta pluralidad sería suprimida en la XVIII Dinastía por el faraón Ejnatón, sustituyendo la pluralidad de dioses por uno superior y providente. Es una situación transitoria.
Arquitectura
La arquitectura egipcia se define por ser colosal, tamaño que no tiene un objetivo de espacio racional, sino que está pensado para albergar el mundo de ultratumba (vida después de la muerte), representándolo como algo superior a lo humano, a la vida.


  • Tumbas

El tipo de enterramiento más antiguo es la mastaba.

Hacia el año 3000 a.C es la tumba de sacerdotes, nobles, y de los primeros faraones. Según la grandeza y el poder del faraón se superponían mastabas para distinguir la tumba real.



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Nace así la pirámide, distinguiendo la tumba faraónica de la de los altos dignatarios.

Su interior se compone de galerías, pozos, y cámaras donde guardar el ajuar funerario.



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Posteriormente surge el hipogeo, tumba excavada en la montaña.

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  • Templos

Se crean grandes templos para que el pueblo pueda realizar su culto a los dioses.

Los templos se caracterizan por una gran avenida en la que se suceden 2 hileras de esfinges hasta llegar a la entrada del templo, donde nos encontramos el obelisco y los pilonos. Ya en el interior del templo nos encontramos un patio rodeado de columnas que llega hasta la sala hipóstila. Finalmente se encuentran las estancias de los sacerdotes y la cámara del altar del dios Osiris.



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Escultura
La escultura egipcia, en su mayoría es de carácter funerario.

Sus rasgos principales son el hieratismos y la actitud estática y rígida de las figuras, manteniendo el colosalismo, y recreando personajes no realistas, sino estereotipados.

Será en la dinastía de Ejnatón, cuando la escultura adquiera una extraordinaria dulzura.

En este período seguimos viendo la escultura como algo conmemorativo a los difuntos, de carácter funerario y religioso.



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Pintura
La pintura es una manifestación que se encuentra solo en las tumbas.

Pero normalmente carecen de significado o temas religiosos, y representan escenas alegres y cotidianas, escenas de caza y pesca, fiestas y bailes, los trabajos agrícolas, ritos cortesanos,…, con la finalidad y el deseo de que el difunto goce en la otra vida de todos los placeres y bellezas.

A veces encontramos representaciones de los Dioses egipcios.

Sus características son: frontalismo convencional (tronco de frente, y piernas, pies y rostros de perfil), ojos alargados, no profundidad, contornos nítidos, colores intensos…



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GRECIA.
En Grecia, al igual que en Egipto, estamos ante una religión pluralistas, donde se conviven y se veneran a diversos dioses.

Más que una religión con su teología y su estructura, en Grecia debemos hablar de religiosidad, es decir, de un sentimiento de relación con los dioses, que cada vez serán más parecidos a los humanos.

No tenían dogmas, ni catecismos, ni predicación, ni siquiera clero.

El culto a los dioses de la ciudad unía a sus ciudadanos, y lo mismo ocurría en los grandes santuarios con los griegos de todos los rincones de Grecia.

Esta religiosidad dejó una huella enorme en el Arte: por un lado, llenó las tierras de Grecia de santuarios y templos y, por otro, la temática religiosa exigió una determinada disposición de la arquitectura, y se plasmo en los relieves que la decoran.
Arquitectura
En Grecia la arquitectura supone un gran movimiento artístico, debido a la multitud de templos creados como ejemplos de este arte clásico.

La finalidad de los templos era meramente religiosa, la de dar culto a los Dioses.

Los templos no daban cobijo a fieles, de ahí que el tratamiento interior haya sido limitado, dando más importancia a la apariencia exterior.

Factor común de todos los templos es la sala rectangular, con la estatua de la deidad venerada, y otras cámaras (anterior y posterior). Alrededor un peristilo de columnas.

También encontramos templos circulares, el tholos.

De igual significado son los santuarios, sino que pensados para una congregación mayor de fieles y peregrinos.



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Escultura
La escultura griega, pasa por un gran proceso de cambio hasta llegar al clasicismo, puesto que en sus inicios tiene rasgos arcaicos influenciados por Egipto.

En todos sus períodos (arcaico, clásico y helenístico) la escultura mayoritariamente representa temas religiosos (mitológicos hoy en día), estatuas de divinidades griegas, escenas de la vida de sus dioses,…



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Además, de la estatuaría, la religión también tiene un papel fundamental en los relieves que decoran los templos, donde la temática es meramente religiosa y adquiere una gran importancia, como en el Friso de las Panateneas (procesión de las doncellas de Atenea), el nacimiento de Afrodita, …
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ROMA
El arte clásico romano está marcado por la situación que vivía el imperio romano.

Roma es en este momento la ciudad más importante e influente de Occidente, dedicada a la conquista, de ahí, que este sea el tema principal de su arte. Se intentará representar la superioridad del imperio: sus conquistas, sus batallas, sus emperadores,…

Por tanto, la religión, muy similar a la griega pero sin tanta mitología, no es el tema fundamental, y solo cobrará importancia en los templos.
Arquitectura
Su arquitectura se amplía enormemente a obras civiles: acueductos, teatros, anfiteatros, basílicas, termas, monumentos conmemorativos,…

Aunque también tienen importancia, la construcción de edificios religiosos, los templos.

Los templos romanos toman lo esencial de los griegos, pero introducen grandes modificaciones: no son perípteros, sino que las columnas solo ofrecerán un pórtico en la entrada, las de los lados están adosadas al muro de la sala; el templo se asienta sobre un gran pódium con acceso de una única escalera en la fachada principal.

También construyen templos circulares, influenciados por el tholos griego.



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Escultura
La escultura romana está pensada como conmemoración de sus hazañas conquista y hechos históricos, para así dejar constancia de ellos, representando temas de batallas, emperadores,…

Por otra parte, al igual que en Grecia, se crean relieves de temática religiosa para decorar los templos, aunque no son obras tan significativas.



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Pintura y mosaico
En el siglo III, aparece el interés por la pintura, como decoración de interiores de palacios y templos.

Los temas principales son escenas cotidianas, paisajes, retratos,…

Las pinturas que conservamos de aquella época son muy escasas, por lo que no tenemos constancia de si había importancia en ella de temas religiosos.
Por su parte, el mosaico también cobra importancia en la decoración de interiores, normalmente en suelos. De ellos si tenemos algunos testimonios de temática religiosa, muchos de ellos se conservan en España.
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Románico

Introducción

En el año mil Europa entra en una nueva fase de su historia. Esta fase se caracteriza por la estabilidad que, favorece la unificación en lo que se refiere al concepto artístico. La corriente artística que se da en esta época entre los siglos X y XIII se conoce con el nombre de románico.

El románico es pues el primer arte internacional.

Cronología

El románico consta de tres fases o etapas que se dan entre el siglo X y XIII y son:

Primer románico: es el periodo de formación del románico.

Románico pleno: es la etapa de máximo esplendor del románico.

Tardorrománico: es la fase final del románico.

Situación histórica

Para que el románico se diera en toda Europa fue necesario una serie de circunstancias que lo hicieran posible como son:

El sistema feudal: la sociedad se rige por un sistema jerarquizado en el que los vasallos ceden sus propiedades al señor para a cambio recibir su protección.

La expansión monástica: las ordenes religiosas comienzan ha adquirir mayor poder económico y político y se convierten también en el principal comprador de arte.

Las peregrinaciones: las peregrinaciones de los fieles hace que el arte se difunda a través de toda Europa.

La reforma gregoriana: que impuso el mismo criterio religioso en toda la cristiandad hizo que los fieles cristianos se sintieran más unidos. arte3 cluny



Características del estilo

El arte románico es principalmente un arte de tipo didáctico que pretende educar al pueblo que es en su mayor parte analfabeto. Los temas religiosos son los más utilizados, puesto que la iglesia es la mayor compradora de arte, así por ejemplo en la arquitectura los templos son monumentales y ofrecen al espectador la sensación de estar enfrente de una obra hecha para perdurar. La escultura en esta corriente artística es una parte complementaria de la arquitectura. Las imágenes tiene dos funciones principales una estética y la otra didáctica al igual que la pintura.



Arquitectura

Como ya se ha dicho anteriormente la arquitectura del románico es principalmente una arquitectura religiosa y con dos características muy importante que son la monumentalidad pare dar a entender la grandeza de la religión cristiana y la perdurabilidad para simbolizar que la religión cristiana es eterna por ello las construcciones del románico están hechas de piedra.

Las principales construcciones del románico son los templos cristianos, y por ello es en este campo donde se encuentran olas más importantes representaciones del arte románico.

El monasterio de Cluny

Cuando se fundó el monasterio de Cluny este se convirtió en uno de los centros artísticos más importantes y también se convirtió en el centro espiritual de toda Francia. Cuando los monjes llegaron a Cluny se encontraron con una pequeña villa rural que al poco tiempo fue preciso ampliar y a finales del siglo X se construyó Cluny II.



Escultura

Es una escultura simbólica y alegórica que pretende representar plásticamente ideas y vivencias.

Es una escultura decorativa realizada para se integrada en un conjunto arquitectónico, por lo que su forma se adapta al marco.

Las esculturas están vestidas a diferencia de la escultura de la época clásica que estaban desnudas.

La escultura esta policromada.

Predomina la temática religiosa, se representa a Jesucristo en la cruz con una expresión hierática

La escultura cumple una función didáctica, mediante las representaciones iconográficas se enseña a los fieles, que en su mayoría son analfabetos, el temor a Dios.arte escultura1


Pintura

La primera función que cumple la pintura es la decorativa pero también cumple otra función que es la didáctica.

La temática elegida es la religiosa al igual que ocurre con la escultura.

La pintura románica pretende impactar al fiel.

Los rasgos están muy esquematizados.

Las figuras no dan sensación de volumen.


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El arte románico es un arte casi exclusivamente religioso y por ello lo podemos definir por el recogimiento y la simbología cristiana de sus representaciones, lo que lleva aparejada la oscuridad dentro de sus catedrales e iglesias, invitando a la meditación de los fieles.

El arte religioso románico aprovechaba cualquier oportunidad para educar al pueblo que, aunque no sabía leer, podía entender las representaciones gráficas de escenas del juicio final, el pecado original o la Virgen María, motivos principales en las pinturas murales del arte románico.

Las portadas se decoraban normalmente con los símbolos de los cuatro evangelistas, incluso se representó el Juicio final completo, es decir: en la parte superior, o a uno de los lados de las portadas, los bienaventurados, los santos y los ángeles; en el otro, los condenados por sus pecados y los demonios. El objeto de estas representaciones era instruir a los fieles en conceptos fundamentales de la religión.




Gótico

Introducción

El arte gótico es un estilo que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento. Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en momentos cronológicos diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo diferenciaciones profundas



Situación histórica

El arte gótico propiamente dicho coincide en el tiempo con la plenitud y la crisis de la Edad Media. Se suele indicar que frente al arte románico (que refleja una sociedad ruralizada de guerreros y campesinos), el gótico coincide con el máximo desarrollo de la cultura urbana donde aparece la burguesía, las universidades y el florecimiento de las órdenes religiosas (monásticas como el Cister y mendicantes como franciscanos y dominicos), así como la acentuación de los conflictos y la disidencia (revueltas populares, herejías, desarrollo y crisis de la escolástica, Cisma de Occidente) y finalmente los pavorosos espectáculos de la Peste Negra y la Guerra de los Cien Años en un mundo tan cambiante que sólo puede entenderse en términos de una mutación fundamental.



Características del estilo
Frente a las pequeñas y oscuras iglesias rurales del románico, el gótico eleva prodigiosas catedrales llenas de luz, desarrolla una importante arquitectura civil e independiza a las otras artes plásticas (pintura y escultura) de su subordinación al soporte arquitectónico.

No obstante, hay también muchos elementos de continuidad: el predominio de la inspiración religiosa en el arte sigue siendo indiscutido, el monasterio como institución apenas varía excepto en detalles formales y de adaptación a nuevos requerimientos, la misma planta de las iglesias sigue siendo predominantemente la cruz latina.

Sin duda el principal elemento de continuidad es la concepción intemporal de la obra: en muchas de ellas, incluso se pone en valor el atrevimiento por comenzar un desafío técnico o económico (a veces por rivalidad política) que cuando se inicia no se ha planificado cómo terminar, como es el caso de las catedrales de Siena y de Florencia.

Arquitectura
Los nuevos edificios religiosos se caracterizan por la definición de un espacio que quiere acercar a los fieles, de una manera vivencial y casi palpable, los valores religiosos y simbólicos de la época, el humanismo incipiente liberaba al hombre de las oscuras tinieblas y le invitaba a la luz. Este hecho está relacionado con la divulgación de las corrientes filosóficas neoplatónicas, que establecen una vinculación entre el concepto de Dios y el ámbito de la luz. Como las nuevas técnicas constructivas hicieron virtualmente innecesarios los muros en beneficio de los vanos, el interior de las iglesias se llenó de luz, y la luz conformará el nuevo espacio gótico.




La escultura
En la escultura gótica las tallas en piedra continúan usándose para la decoración de la arquitectura, además de cumplir la función evangelizadora (el catecismo de los analfabetos, la inmensa mayoría de la población) pero cada vez se emancipa más (paso del relieve al bulto redondo). La escultura gótica evolucionó desde un estilo alargado y rígido, aún en parte románico, hacia un sentimiento espacial y naturalista a finales del siglo XII y principios del siglo XIII. La influencia de las esculturas griegas y romanas que aún se conservaban se incorporaron al tratamiento de las telas, las expresiones faciales y la pose.



La pintura

En correspondencia con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas (recuperación de la filosofía de Aristóteles a través del averroísmo, humanismo de San Francisco de Asís) se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos (los santos, los ángeles, la Virgen María, Cristo) en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones (placer, dolor, ternura, enojo), rompiendo el hieratismo y formalismo románico.

Se practicaban 4 técnicas de pintura: Frescos, vidrieras, pintura sobre tabla y miniaturas.

El arte Gótico es eminentemente religioso, no sólo en su temática o contenido, ni por el hecho de que fue la Iglesia el principal mecenas o patrocinador, sino porque el arte fue considerado como un instrumento de evangelización durante todo el medioevo.


Si para la época Románica, la principal construcción fue el monasterio, para la gótica, fue la catedral. En tiempos románicos, los monjes, en especial los Benedictinos cumplían su labor religiosa dentro de los monasterios, mediante la práctica de una vida austera; pero al trasladarse el centro de actividad a las ciudades, fue necesaria la creación de nuevas órdenes religiosas, las cuales participaron directamente en la vida de los fieles, estas órdenes fueron las mendicantes.
El clero mendicante no estaba ligado a un determinado monasterio, sino que tenía un carácter dinámico y estaba obligado a predicar y luchar contra las herejías.

Bizantino

Introducción

El arte bizantino es una expresión artística que se configura a partir del siglo VI, fuertemente enraizada en el mundo helenístico, como continuadora del arte paleocristiano oriental. En sus primeros momentos, Bizancio se consideró como el continuador natural, en los países del Mediterráneo oriental, del Imperio romano, siendo transmisor de formas artísticas que influyen poderosamente en la cultura occidental medieval. Los períodos del arte bizantino se ajustan, como es natural, a las grandes fases de su historia política.



Situación histórica

En 395 Teodosio dividió entre sus hijos Arcadio y Honorio el Imperio romano; dejando a Arcadio el Imperio de oriente. Este hecho va a dar origen al que será el Imperio bizantino, que tiene ya como capital a Constantinopla, ciudad fundada por el emperador Constantino. Debido a su privilegiada situación y a la caída del Imperio romano de occidente en poder de los bárbaros, pronto será la capital cultural por excelencia en el mundo occidental. Así nace el arte bizantino como confluencia de los estilos griegos, helenísticos, romanos y orientales.



Características del estilo

El arte bizantino está estrechamente vinculado a la religión.

Es una síntesis de tradiciones helenísticas y tradiciones orientales que penetran a través de diversas vías, y especialmente de la vecina Persia.

Los elementos helenísticos se advierten en el mantenimiento de un espíritu clásico, en los gestos medidos, en las composiciones equilibradas, en la pintura de la naturaleza, en los motivos paganos.

Los elementos orientales son muy variados: la frontalidad, achatamiento y deformación de las figuras; el simbolismo; la concepción geométrica de los cuerpos y por consiguiente la estilización de sus formas: el afán decorativo, visible en la riqueza de los materiales utilizados; en la variedad del color, en muchos convencionalismos que se mantienen a través del tiempo. También se mantiene en el plan arquitectónico del arte bizantino la utilización de elementos como la cúpula sobre pecinas, los revestimientos de mármol y la decoración de capiteles. Son visibles también en las técnicas de escultura (abandono progresivo de la escultura de bulto, relieve sugerido por contrastes de luz.

La influencia cristiana es dominante. Los edificios principales son destinados al culto y tanto la escultura como el mosaico y la pintura del arte bizantino, están dominados por la glorificación del Cristo, el dios de Majestad, la Virgen y los Apóstoles, con el propósito de enseñar gráficamente los episodios bíblicos.



La arquitectura
Del mundo romano y paleocristiano oriental mantuvo varios elementos tales como materiales (ladrillo y piedra para revestimientos exteriores e interiores de mosaico), arquerías de medio punto, columna clásica como soporte, etc. pero también aportaron nuevos rasgos entre los que destaca la nueva concepción dinámica de los elementos y un novedoso sentido espacial y, sobre todo, su aportación más importante, el empleo sistemático de la cubierta abovedada, especialmente la cúpula sobre pechinas, es decir, triángulos esféricos en los ángulos que facilitan el paso de la planta cuadrada a la circular de la cúpula. Estas bóvedas semiesféricas se construían mediante hiladas concéntricas de ladrillo, a modo de coronas de radio decreciente reforzadas exteriormente con mortero, y eran concebidas como una imagen simbólica del cosmos divino.



La escultura
La plástica escultórica bizantina supuso la culminación del arte paleocristiano, manteniendo sus técnicas y su estética de progresivo alejamiento de las cualidades clásicas: la mayor rigidez, la repetición de modelos estereotipados, la preferencia del bajorrelieve a las obras de bulto redondo.

Pero las obras capitales de la escultura bizantina son las pequeñas obras, dípticos y cajas, talladas en marfil, destacando el díptico Barberini, Museo del Louvre, del siglo V, o la célebre Cátedra del obispo Maximiano, en Rávena,



La pintura
El gusto por la riqueza y la suntuosidad ornamental del arte bizantino, eminentemente áulico, exigía el revestimiento de los muros de sus templos con mosaicos, no sólo para ocultar la pobreza de los materiales usados, sino también como un medio para expresar la religiosidad y el carácter semidivino del poder imperial.

La obra maestra de del arte musivario, es sin duda alguna, el conjunto de mosaicos de San Vital de Rávena, compuestos hacia el año 547, y en los que se representan varios temas bíblicos y en los laterales del ábside los grupos de Justiniano I y de su esposa Teodora con sus respectivo séquito.

Los modelos más repetidos son las figuras de Cristo con barba partida y edad madura (modelo siríaco) y de la Virgen que se presenta bajo diversas advocaciones (Kyriotissa o trono del Señor en la que sostiene sobre sus piernas la Niño, como si fuera un trono; Hodighitria, de pie con el Niño sobre el brazo izquierdo mientras que con el derecho señala a Jesús como el camino de salvación - es el modelo desarrollado en el gótico.


RENACIMIETO
El concepto de religión en las obras pictóricas y escultóricas es muy característico a lo largo de toda la historia del arte, desde las representaciones más primitivas, hasta las más subrrealistas y abstractas del siglo XX.
El tema de la religión se puede ver bastante bien representado en obras de todas las épocas, aunque yo decida centrarme únicamente en el Renacimiento.
La época del Renacimiento (siglo XVI) se ve muy influenciada por la religión, pues Lutero había sembrado en la Italia de la época las viejas tradiciones artísticas, mostrando a un Dios justiciero que castiga a todo pecador, dando una imagen de superioridad total.
Por el contrario Erasmo imponía otra clase de ideología que influyó de forma considerable en la época, el humanismo. A partir de entonces todas las obras estarías sujetas al concepto de hombre, de ser humano como ser único y real.
Aunque es necesario mencionar que también hubo una serie de artistas que se dedicaron a representar lo ya representado en la Edad Media y en muchos movimientos arquitectónicos anteriores, dando vida a escenas religiosas o propias personas dedicadas a esa función.
Artistas renacentistas más representativos y conocidos son Miguel Ángel, Rafael, Leonardo Da vinci, Tiziano, El Greco, Boticcelli, Fra Angélico, Masaccio, Fra Filippo Lippi, Donatello, etc.
Aunque hay que aclarar que la mejor forma de observar la religión en las obras renacentistas es nombrándolas y haciendo un pequeño comentario de cada una de ellas.
Comencemos por El nacimiento de Venus de Boticcelli.



En esta obra se puede observar una ligera influencia religiosa, pues aunque lo más importante y relevante de ella sea la belleza que desprende la figura de Venus en el centro de la imagen, es digno mencionar la representación de los dioses de la edad antigua dotados de un poder tan supremo como para ser capaces de crear algo tan bello y de un modo tan sencillo.


Centrándonos un poco ahora en Fra Angélico, hay que decir que él, mayoritariamente, fue autor de representaciones de escenas religiosas, es decir, de anunciaciones en su amplia mayoria.

Una de sus obras más importantes en la que se muestra su alta influencia religiosa es La anunciación en la que representa a un ángel dando la gran noticia a la vírgen de que va a dar luz al salvador.




Pasemos ahora a Rafael. Este artista fue capaz de realizar obras realmente exquisitas.

En sus madonnas se puede ver su alto grado religioso y también en la representación de filósofos antiguos cuyas principales ideas eran las de la existencia de un "algo" metafísico quitando prioridad e importancia a la figura del hombre en sí.

Unas de sus obras más importantes serían La madonna del gran Duque y La escuela de Atenas. En ambas se representa a una figura ligada en cierto modo al ámbito religioso, ya sea una vírgen portando al niño en sus brazos, o la figura de un gran representante de lo ideal y metafísico (Platón en la Escuela de Atenas).





Miguel Ángel fue el artista más importante, por así decirlo, de toda la época renacentista y muy influyente en épocas posteriores.

Fue capaz de realizar tanto pinturas y frescos como perfectas esculturas en mármol, o incluso una gran cúpula para el Vaticano.

Fue un artista bastante demandado, tanto por familias importantes y conocidas como los Médici o incluso por los papas del Vaticano.

Mayoritariamente sus obras muestran un lado religioso, pues las representaciones que de él se conservan son de figuras bíblicas.

Una en concreto sería Moisés, escultura en mármol que se encuentra en la pequeña iglesia de San Pedro in Vincoli. Iba, en un principio, destinada a la Basílica de San Pedro encargada por el Papa aunque por una serie de concretas disputas no fue así.

Miguel Ángel creaba obras perfectas, en la que sus personajes imponían y parecían estar cabreados o terriblemente molestos.

Otra de sus esculturas más importantes es La Piedad que se encuentra en el Vaticano.





Esta escultura, en mármol por supuesto, representa a un cristo caído, muerto en los brazos de su madre quién tiene una expresión de anonadamiento de de desconcierto, mezclado con un sentimiento de dolor y desamparo.

Centrándonos ahora en sus obras pictóricas, cabe destacar su importante participación en la bóveda de la capilla Sixtina. En ella posee representaciones bíblicas desde la creación del hombre, hasta la llegada de Jesucristo.

Otro de sus muchos impresionantes frescos es La creación de Adán en la que sus personajes aparecen con expresiones casi siniestras, mostrando la "terribilitá" predominante en las obras de Miguel Ángel.

En este fresco se muestra otra de las muchas escenas bíblicas representadas por Miguel Ángel.



Leonardo Da Vinci fue también un artista bastante relevante en el renacimiento.

Además de crear su obra más famosa y analizada La Gioconda fue creador de obras religiosas como por ejemplo La vírgen de las rocas o La última cena, ésta última pertenciente, como ya sabemos, a una escena de la biblia.


Aunque realizó numerosas obras bíblicas o relacionadas con la religión se considera un gran humanista, como puede observarse en la creación del Hombre de Vitrubio en el que se representa el cánon perfecto de hombre y ser humano.

El Greco fue también un autor bastante importante en la época renacentista y fue creador de obras de carácter religioso como es el ejemplo de La trinidad o El expolio en las que aparece la figura de Jesucristo como centro de la imagen y que acapara prácticamente toda la atención de aquel que la observe.

Aunque hay que aclarar que una de sus obras más relevantes es El entierro del conde Orgaz en la que se mezcla de forma casi única la mundo terrenal con el cielo, en el que aparecen todo tipo de seres maravillosos y fantásticos y por supuesto un Jesucristo grandioso en toda su totalidad.



Centrándonos ahora en Tiziano, hay que aclarar que se centró más en representar la figura de la mujer en toda su totalidad y por supuesto mostrando su belleza aunque estuviese oculta.

No hay que olvidar por supuesto que también representó escenas de venus y éstas son representaciones con un carácter algo mítico.

La más destacada es la Venus de urbino en la que más que representar la imagen de Venus desnuda, que por supuesto, Tiziano pretendía mostrar la belleza de los desnudos en su época.



Masaccio, aunque menos importante en la época, fue un autor conocido y que representó casi en su totalidad retratos y escenas bíblicas mayoritariamente.

Una de sus obras más importantes es la Expulsión de Adan y Eva del paraíso en la que, como todos sabemos, se representa una clara escena bíblica.

Aunque pretende ser realista a la hora de realizar los cuerpos desnudos de Adan y de Eva, lo que más destaca de la obra es el ángel que se propone expulsarlos del paraíso, mostrando así una clara influencia religiosa por parte de Masaccio.

Otra de sus obras relevantes es la Trinidad en la que aparece Jesucristo en la cruz sostenido por Dios padre, una clara imagen religiosa.



Nos centramos ahora en Donatello, quién destaca, como todos sabemos, en escultura principalmente.

Una de sus esculturas con más carácter religioso es María Magdalena penitente en la que se representa la imagen de una mujer dolida y desesperada.

También realizó una escultura de San Juan Evangelista que se encuentra actualmente en el Duomo en Florencia.

Ambas esculturas, al igual que casi todas las que creó, tienen un carácter religioso o representan una escena bíblica, mostando así, el alto grado de influencia religiosa que poseía dicho artista.
Fra Filippo Lippi fue creador de vírgenes mayoritariamente y cuenta con pocas obras.

Una de ellas sería Vírgen con niño y dos ángeles. Como su propio nombre indica, la imagen representada es de la vírgen con el niño en brazos y dos pequeños ángeles alrededor de ellos.

Una imagen claramente religiosa.



En definitiva, esto ha sido un breve e incompleto recopilatorio de algunos autores y obras que destacan en la época del renacimiento.

Todas ellas, o casi en su totalidad tienen influencia religios.

BARROCO

El barroco es un estilo de arte que dominó entre el 1600 y el 1750 aproximadamente, aunque a la primera mitad del siglo XVIII se le denomina rococó.

Hay arte barroco en casi todos los países europeos y en las colonias españolas y portuguesas de América. El término barroco también se utiliza para la literatura y la música de esa época, aunque solo veremos el barroco en el arte visual.

El barroco surgió en Roma a finales del siglo XVI y fue bastante influenciado por la religión desde el principio, de hecho surgió como resultado de la contrarreforma hecha por la Iglesia contra el protestantismo. Ya el primer gran artista del barroco, Caravaggio, realizo muchas obras de carácter religioso. Pero este arte también tendrá temas determinados por los descubrimientos de Galileo y Copérnico.

Aun así, la religión tuvo gran influencia en el barroco, la Iglesia se convirtió en uno de los principales patrocinadores de este arte e hizo que el arte se alejara de lo pagano. Algunas escenas muy frecuentes en el barroco son las de éxtasis con una intensa espiritualidad, los martirios y las apariciones milagrosas. En España el barroco se beneficio del patrocinio de la Iglesia y se convirtió en el arte de la contrarreforma. Además, el barroco se preocupó mucho por el urbanismo, es decir, los edificios, apareciendo numerosos templos e iglesias.

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Plaza de San Pedro (Bernini)

En cuanto a la escultura, a pesar de tener también temas profanos, uno de los temas más importantes y más frecuentes del barroco es también la religión.

Otro de los autores más importantes del barroco, el italiano Berinini, es el intérprete de la contrarreforma, glorificando a la Iglesia. Además, Bernini influirá también durante el siglo XVIII a otros autores.

En la escultura española de este estilo, los artistas trabajan para cofradías religiosas y se crean muchos pasos de Semana Santa. Uno de los escultores barrocos españoles más importantes, Gregorio Fernández, realizó numerosas obras religiosas. Además, los autores andaluces de este estilo cultivaron obras de tipo religioso.



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Cristo yacente (Gregorio Fernández).

En cuanto a pintura, los temas más frecuentes son los religiosos sobre todo en el sur de Europa, en el norte se dan menos.

En España, la pintura barroca es religiosa, la Iglesia es el gran mecenas de este estilo en nuestro país. Además, esta es la época de oro de la pintura española.

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Virgen con niño (Alonso Cano).

NEOCLASICISMO

El neoclasicismo fue un movimiento producido en Europa a mediados del siglo XVIII (siglo de las luces) tras ir debilitándose el barroco.

El neoclasicismo recupera la formas clásicas y le da capital importancia al contorno y la forma.

La religión también tuvo influencia sobre el neoclasicismo, ya que en Francia se realizaron iglesias como la de Sainte Geneviève o la de la Madeleine de París. Pero no hubo tanta influencia.



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Iglesia de la Madeleine (Pierre Contant)

En España también aparecieron obras religiosas en arquitectura de la mano de Silvestre Pérez.

En cuanto a escultura, este estilo produjo una crisis en el tema de la religión aunque también hubo esculturas religiosas de Canova.

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Tumba del Papa Clemente XIV (Canova).

En pintura, tampoco hay grandes obras religiosas. De los grandes pintores de la época, solo Ingres hace alguna obra religiosa. En España hay algunos autores, como Antonio Rafael Mengs, los hermanos Bayeu y otros artistas, que tocaron el tema religioso pero no hicieron obras demasiado importantes.

El gran autor del neoclasicismo español es Goya, aunque no se le puede encasillar en el neoclasicismo porque tuvo una carrera muy dilatada y no está en una corriente únicamente. Goya también tocó el tema religioso y sus obras más importantes son El Cristo Crucificado, el Prendimiento de Jesús y los cuadros realizados en su última época.

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El Cristo Crucificado (Goya).

En este estilo la religión no está tan presente en las obras y va perdiendo importancia mientras que lo que gana importancia son las formas clásicas de Grecia.



SIGLO XIX

La pintura religiosa es un género ampliamente desarrollado, que constituye una parte muy importante de la producción artística de los pintores en determinadas épocas.

En cambio, la religión en el siglo XIX no realiza un papel muy importante ya que se produce la llamada crisis religiosa. Los pintores empiezan a dar más importancias a otros elementos de la vida y a otros géneros y, aunque son pocos, sigue habiendo pintores interesados en este tema.

Empecemos observando algunos pintores con estas características.

Pese a esta crisis Goya había demostrado en el primer cuarto de siglo que aún era posible hacer una pintura religiosa creíble. Este tipo de pintura es una importante faceta de la obra de Francisco de Goya. Fue la primera que desarrolló y, después, sería frecuente a lo largo de su producción.

Esta obra llamada “El sueño de San José” trata claramente un tema bíblico. En ella el ángel se le aparece en sueños a San José para decirle que aceptara a María como esposa. Lo que más llama la atención de la obra es el ángel, el personaje religioso en este caso, junto con San José. En un segundo plano está María.



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Otra de las muchas obras religiosas de Goya es Virgen del Pilar.http://www.almendron.com/arte/pintura/goya/obras_goya/imagenes/goya_06.jpg

Se trata de un cuadro de devoción en el que se refleja toda la sencillez popular de la estampa religiosa. Representa la imagen de la virgen con los ángeles alrededor.

Goya hace sombra a todos los demás pintores de esta época en cuanto al tema que estamos tratando.

Otro de los pocos pintores con influencia religiosa de este siglo es el alemán Caspar David Friedrich. La llave a entender las ideas y el trabajo de Friedrich es el acoplamiento entre el paisaje y la religión. La mayoría de sus pinturas más conocidas son expresiones de un misticismo religioso.

Una de sus obras, acantilados blancos de Rügen, en la que la nieve y el invierno hace referencia a la idea cristiana de la resurrección.caspar david friedrich 023.jpg

En cuanto a la escultura,  desaparece casi por completo la escultura religiosa como eficacia creadora. 

Esto es todo en cuanto a la religión en el arte de esta época ya que es tan escasa respecto.



SIGLO XX

Los pintores del siglo XX buscan temáticas más personales pero no renuncian en ocasiones a la Religión, como observamos en las representaciones siguientes, en la que destacan aristas como:

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, más conocido como Salvador Dalí, primer marqués de Púbol (Figueras, España, 11 de mayo de 1904 – ibídem, 23 de enero de 1989), fue un pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.

Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales.

Salvador Dalí, en estas tres obras representadas a continuación, representa a Cristo ya muerto en la cruz. Dalí no ha pintado muchas obras religiosas, tan sólo estas tres, ya que, en el siglo XX nacen otras ideas en las que Dalí se expresa, por ejemplo son más los retratos que en el siglo anterior y aparece el surrealismo en el que Salvador Dalí es uno de los más representantes de este género.

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Estudio para el "Cristo de San Juan de la Cruz", 1951.



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Cristo de San Juan de la Cruz, 1951.



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Crucifixion (Corpus Hypercubus), 1954.

Fernando Botero Angulo es un pintor, escultor y dibujante colombiano nacido el 19 de abril de 1932 en Medellín (Antioquia). Considerado el artista vivo originario de Latinoamérica más cotizado actualmente en el mundo. Icono universal del arte, su extensa obra es reconocida por niños y adultos de todas partes por igual.

La particularidad con la que Fernando Botero representa sus obras, hace que éstas dos obras, “la cabeza de Cristo”, y “Cristo”, se representen con esa intención y esa genialidad con la que Botero realiza sus obras, con esos cuerpos musculosos, pero a la vez “grasientos”. Sólo son dos obras religiosas las creadas por Botero, ya que éste artista representa otras ideas que no se guían por la religión, por ejemplo, la desproporción de lo real, algo que hace en todas sus obras, algo que observamos en estas dos obras.



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Cabeza de Cristo, 2000



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Cristo, 2000


Andrew Warhola (n. Pittsburg, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art.

Fue personaje polémico durante su vida algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y documentales. Gracias a esta fama y a la polémica al igual que a sus revolucionarias obras está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

Warhol, sólo tiene esta obra religiosa, “la última cena”, en la que se asemeja mucho a la última cena de Leonardo Da Vinci, en la cual se guió para representar ésta obra.

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La última cena, 1984.

Emil Nolde (Nolde, Gemeinde Buhrkall, 7 de agosto de 1867 - Seebüll Neukirchen, Nordfriesland, 15 de abril de 1956) fue uno de los más destacados pintores expresionistas alemanes. Su verdadero nombre era Emil Hansen. Estuvo muy influido por Vincent van Gogh, Edvard Munch y James Ensor. Su crispado manejo del pincel, la utilización de colores vivos y estridentes y las figuras de rostros a modo de máscaras pretendían provocar en el espectador un shock visual y emocional.

En obras como el tríptico La vida de santa María Egipcíaca (1912, Kunsthalle de Hamburgo) busca un retorno a la imaginería religiosa y da un tratamiento expresionista a las escenas del Nuevo Testamento.

Nolde es uno de los pintores alemanes más destacados, por su arte expresionista. Su particular visión por la que representa estas obras religiosas hace ver un cambio muy llamativo, por la variación de colores y por la “imperfección” a la hora de pintar las figuras humanas algo que es nuevo en el siglo XX y que en siglos atrás era muy difícil encontrar, y sobre todo en representaciones religiosas.

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Crucifixión, 1912



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Christ among the children, 1910.

Pablo Ruiz Picasso (Málaga, España, 25 de octubre de 1881 - Mougins, Francia, 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.

Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo.

En sus escasas obras religiosas, destaca la Crucifixión, en la que las formas y la tonalidad se mezclan para representar la crucifixión de Cristo, en la que hay que fijarse bien para poder observar bien las imágenes. Por ejemplo el caballo con el romano y su gran lanza que le llega a Cristo (parte centro-izquierda de la imagen).

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La crucifixión, 1930.



BIBLIOGRAFÍA

http://www.alipso.com/monografias/arquiartebarro/

http://www.arteguias.com/barroco.htm

http://www.arqhys.com/articulos/neoclasicismo.html

http://labrandero.tripod.com/historiadelarte2/id7.html

http://www.artehistoria.jcyl.es/historia/contextos/2205.htm



http://usuarios.multimania.es/depaduraoriajuan/twodescphotos4.html

http://wikipedia.com


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