Viaje a inglaterra y escocia



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Cambiamos de sala y el siguiente cuadro “Fiesta musical en un patio”, obra de Pieter de Hooch, esta datado en 1677, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 83.5 x 68.5 cm. Se exponen en la sala 25.

Las pinturas de Pieter de Hooch pertenecen al grupo de pinturas de género y, eran muy cotizadas en la época. Generalmente pintó escenas en interiores de las casas de ciudades holandesas, donde se centra principalmente en la fuente de iluminación. Él se limitaba principalmente a los personajes, haciendo su vida normal. Las pinturas representaban dos o más salas contiguas, ofreciendo un tratamiento realista de la verdadera perspectiva.

La pintura es una característica del periodo en que vivió en Ámsterdam de Hooch. Trata de representar el contraste con los interiores de la clase media de sus pinturas de Delft, que ahora se centra en más sofisticados ambientes domésticos y figuras elegantes.

El siguiente cuadro “El patio de una casa en Delft”, obra de Pieter de Hooch, esta datado en 1658, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 73.5 x 60 cm. Se exponen en la sala 25.

El pintor se afana en describir como era la vida burguesa de sus días, de Hooch centró su obra pictórica en una temática basada en la vida tranquila de sus contemporáneos describiéndolos en casas, paseos, calles y patios en los que, con un detallismo preciosista, representa las particularidades arquitectónicas, los elementos cotidianos y hasta las acciones de los personajes.

La arquitectura está cuidadosamente pintada donde tiene prioridad sobre las figuras del cuadro; el muro del jardín decaído a la derecha contrasta con la casa muy bien conservada de la izquierda, donde un pasaje ofrece una vista a la calle más allá, y con el pavimento recién barrido.

Sobre el arco se puede leer en una placa que era la puerta que originalmente se encontraba en la entrada del Hieronymusdale Claustro en Delft. Cuando se suprimió el claustro se eliminó esta placa y se puso en la pared de un jardín detrás del canal. La inscripción en el rotulo se puede leer: (dit.is.in.sin) te.hyronimusdale / wil (dt.v.tot.patie) ntie en.lijdt tsamenhey (t) / begheven w (y) tw (ij) .mu (ette) n / Eerst dalle / willen wijlle wy w (o) rden / verheven anno 1614. (Esto es el valle de San Jerónimo, si desea reparar en la paciencia y la mansedumbre. Porque es necesario que primero descenderá si queremos ser levantado.).

El siguiente cuadro “Un interior con una mujer bebiendo con dos hombres y una sirvienta”, obra de Pieter de Hooch, esta datado en 1658, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 73.7 x 64.6 cm. Se exponen en la sala 25.

Hooch era un pintor muy popular, vivió sus primeros años como pintor en Ámsterdam, en un barrio pobre. Ya en el año en el año 1668, se trasladó a un barrio mejor, pero nunca fue lo suficientemente rico para comprar su propia casa. Poco se sabe de sus últimos años de vida y a menudo se le confunde con su hijo Pieter Pietersz. de Hooch, que parece haber sido su aprendiz. Fue encerrado en un manicomio por sus problemas mentales. Murió el 24 de marzo de 1684, y fue enterrado en la Iglesia de San Antonio.

La escena del cuadro nos lleva la mirada hacia la copa de vino, que levanta la chica que está de espaldas situada a la izquierda, y que está brillantemente iluminada desde la ventana adyacente. En la pared trasera detrás de la mesa hay un mapa de Holanda y sobre la chimenea a la derecha, un cuadro que muestra la Educación de la Virgen, que es similar a una imagen (Ering, Esterhazy Capilla), que parece haber sido pintado en Flandes en principios del siglo XVII.

El siguiente cuadro “Un interior con una mujer que rechaza una copa de vino”, obra atribuida a Ludolf de Jongh, esta datado en 1660, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 117 x 92 cm. Se exponen en la sala 25.

Estamos en un escena de interiores en la imagen aparece arriba de la chimenea parece estar basada en el cuadro “Abraham libera a su sobrino Lot” de Antonio Tempesta. Las patas doradas colocadas delante de la chimenea están decoradas con caballitos de mar. El hombre ofrece a una mujer una copa de vino y esta parece rechazarla con la acción de su mano derecha, en la escena aparecen dos personajes más que parecen no intervenir en la acción.

El siguiente cuadro “Una mujer y su criada en un patio”, obra de Pieter de Hooch, esta datado en 1660, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 73.7 x 62.6 cm. Se exponen en la sala 25.

El pintor se especializa en escenas domésticas y retratos familiares. Su trabajo mostró la sagaz observación de los detalles triviales de la vida cotidiana y al mismo tiempo relacionado con la moral bien ordenada de su época. Estas pinturas a menudo exhiben un sofisticado y delicado tratamiento de la luz, similar a la de Vermeer, que vivió en Delft, al mismo tiempo que de Hooch. Más tarde, a partir de 1658, Pieter de Hooch realizó principalmente interiores, con personajes principalmente femeninos. Estas obras, las pintó casi sistemáticamente destacando por ejemplo los suelos de baldosas, son tan sorprendentes que permiten observar su evidente dominio de las líneas de perspectiva. La profundidad de la pintura suele estar reforzada por una vista exterior –un patio, u otra habitación de la casa– que siempre está más detallada que el escenario principal de la pintura.

Estamos ante una escena costumbrista en este caso la vista es casi seguro imaginaria, pero compuesta de elementos bien conocidos de Hooch. La pared en el fondo del jardín es la muralla de la ciudad antigua de Delft, que limita los jardines en el lado oeste del canal Oude Delft.

El siguiente cuadro “Una mujer joven de pie tocando un Virginal”, obra de Johannes Vermeer, esta datado en 1670, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 51.7 x 45.2 cm. Se exponen en la sala 25.

El pintor en esta época de su vida está en una fase de transición de estilo buscando una estilización. Abandonó las transiciones de color y empleó la yuxtaposición de colores. Se aprecia bien en el marco dorado de la pared.

El siguiente cuadro “Entendidos en una habitación con cuadros colgados”, obra anónima de un artista holandés, esta datado en 1620, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 95.9 x 123.5 cm. Se exponen en la sala 28.

Esta pintura tiene un gran número de distintas escenas que muestran a unos coleccionistas y visitantes sobre unos entornos reales o imaginarios que en gran medida se produjeron en Flandes en el siglo XVII. Este cuadro fue pintado probablemente en 1620. Bien puede ser el trabajo de la colaboración de dos pintores, uno responsable de las personas y el otro pudo pintar solamente el interior, que es probablemente en gran medida una escena imaginaria.

La letra grande sobre la mesa indica: “Ceres burlado por los campesinos” por Goudt después Elsheimer; en el folio abierto se pueden ver grabados de Durero y Lucas van Leyden. Los cuadros de la pared son casi todos los artistas de Amberes de los siglos XVI y XVII e incluyen obras del estilo de Joachim Beuckelaer, Joos de Momper, Jan Brueghel el Viejo y Frans Francken.

El siguiente cuadro “Minerva protege a Pax y Marte”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1629, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 203.5 x 298 cm. Se exponen en la sala 29.

Rubens pintó el cuadro en Londres durante una misión diplomática de paz en nombre de España con Inglaterra y lo regaló al rey Carlos I. El cuadro representa a Minerva, diosa de la sabiduría y de las artes, en el acto de alejar a Marte, dios de la guerra, mientras delante de ellos está la figura desnuda de Pax.

Este lienzo también es conocido como “Paz y Guerra”, lleno de los desnudos voluptuosos, los intensos colores y el movimiento vivo del propio de Rubens, es una alegoría política. En el centro de la pintura está la Paz que saca leche de su generoso pecho para amamantar a un niño, el cual suele identificarse con Pluto, el dios de la riqueza. A la derecha de ella, está Minerva, la diosa de la sabiduría quien protege a la Paz de Marte, el dios de la guerra. Al fondo a la derecha un cupido alado y la diosa del matrimonio Himen, guía a los dos muchachos. Un ángel alado que flota en el aire sujeta una rama de olivo, símbolo de la paz y el caduceo de Mercurio, mensajero de los dioses. Aunque el cuadro esté coronado con figuras alegóricas, su significado es evidente, la paz comporta prosperidad, riquezas, cosechas abundantes y una vida familiar feliz.

El siguiente cuadro “La Virgen y el niño con San Juan y sus padres”, obra de Jacob Jordaens, esta datado en 1620, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 114 x 153 cm. Se exponen en la sala 29.

El tema del cuadro es la visita del infante Juan el Bautista con sus padres, los Santos Isabel y Zacarías, a la Virgen y el Niño. Acompañado de un cordero, San Juan libera un jilguero. Esta ave se cree que fue salpicado con la sangre de Cristo en la crucifixión, por lo que fue visto como un símbolo de la pasión.

Visualmente, la diadema sugiere una aureola que rodea las cabezas de la Virgen y el Niño, contribuyendo de esta manera una resonancia simbólica a una pintura que está lleno de lo contrario con un sentido fuerte de la realidad.

El siguiente cuadro “Sansón y Dalila”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1609, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 185 x 205 cm. Se exponen en la sala 29.

El cuadro Rubens representa a una Dalila con mejillas encendida por el placer físico y se encuentra lánguidamente reclinada. La inclinación de su cabeza hace la forma de la estatua de Venus que se observa arriba de ella. Su piel suave y fresca presenta un fuerte contraste con la figura de la anciana.

Aquí vemos un intento del autor de mostrarnos a una Dalila como una prostituta, e incluso, situándola en una sala de un burdel.

En cuanto a la estatua en el nicho simboliza a Venus y Cupido. Su presencia en esa escena complementa la interpretación erótica de ella.

Sobre ella yace la figura de Sansón con una espalda desnuda e iluminada que llevan el ojo del espectador hacia el punto culminante que son las caras de los personajes principales.

Al fondo a la derecha y detrás de una puerta son los rostros de los soldados filisteos iluminados desde abajo por una antorcha de fuego mientras entran sigilosamente. Están llevando las estacas afiladas que van a utilizar para quitarle los ojos a Sansón.

Más adelante podemos ver el tríptico “San Bavón es recibido por los Santos Abad y Floribert”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1611, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 106.7 x 82.1 cm. Se exponen en la sala 29.

El cuadro es un boceto en óleo para la confección del retablo mayor de la capilla de San Bavón en la iglesia de San Pedro de Gante. Se representa la vida del santo antes de su conversión al cristianismo, San Bavón era un caballero llamado Conde Allowin de Haspengouw. Aquí se le ve siendo recibido como monje en la iglesia de san Floribert abad del monasterio benedictino, y San Amandus, quien lo convirtió.

En el primer plano, Rubens como de San Bavón distribuye las riquezas entre los pobres; se puede ver a los hijos retorciéndose y los mendigos dan la donación de una teatralidad heroica. En el panel de la derecha Reyes Clothar y Dagoberto, padre e hijo, apoyar la toma de San Bavón y disputar con un heraldo al emperador Mauricio, un edicto que prohibía caballeros para convertirse en monjes. En el panel de la izquierda son los Santos de Gertrude y Begga, las hermanas de Bavon, que siguieron su ejemplo y se convirtieron en monjas.

Más adelante podemos ver el cuadro “Aurora secuestra a Céfalo”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1636, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 30.8 x 48.5 cm. Se exponen en la sala 29.

La pintura es un boceto al óleo que hizo Rubens dentro de una serie de pinturas encargadas por Felipe IV de España para decorar su pabellón de caza, Torre de la Parada, a las afueras de Madrid.

Rubens utilizó bocetos al óleo para explorar sus ideas sobre diseño y composición, y también como plantillas para que sus asistentes pudieran trabajar en lienzos a gran escala.

Más adelante podemos ver el cuadro “La Violación de las Sabinas”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1635, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 169.9 x 236.2 cm. Se exponen en la sala 29.

El cuadro es un pasaje donde se relata que la tribu de Sabine fueron invitados a juegos en Roma; a una señal de su rey, Rómulo, los romanos se llevaron las mujeres. El fondo muestra el episodio más tarde, cuando los sabinos atacan a los romanos y fueron derrotados. Los romanos y sabinos luchan en el fondo más allá de la barandilla que separa a la audiencia de los juegos. El secuestro se representa dentro de la arquitectura clásica aunque las mujeres llevan vestidos flamencos del siglo XVII.

Más adelante podemos ver el cuadro “Rinaldo conquistado por el amor de Armida”, obra de Antony Van Dyck, esta datado en 1634, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 57 x 41.5 cm. Se exponen en la sala 29.

Estamos ante un boceto al óleo para un grabado que debía de hacer Pieter de Jode el Joven, fechado en 1644. El reverso del panel lleva las iniciales del fabricante de paneles de Amberes, Michiel Vriendt (1636 séptimos). El cuadro data de los años 1634-5 cuando Van Dyck estuvo en los Países Bajos meridionales.

El uso de la grisalla monocroma, está técnica es particularmente adecuada para un trabajo preparatorio para un grabado. El panel se ha cuadrado por el grabador para facilitar la transferencia del diseño a su placa de grabado.

Más adelante podemos ver el cuadro “Triunfo romano”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1630, realizado en óleo sobre lienzo pegado en madera de roble; tiene unas medidas de 86.8 x 163.9 cm. Se exponen en la sala 29.

El cuadro representa el triunfo de Julio Cesar, en el se puede ver unas doncellas que servían en los ritos sagrados; animales para el sacrificio; instrumentos de viento, y los jugadores; matarifes; en el centro vestida de rojo, un “pontifex” (sacerdote), por encima de él un adivino; y elefantes con sus cuidadores que portan fruta e incienso.

Más adelante podemos ver el cuadro “Retrato de Thomas Howard, segundo conde de Arundel”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1629, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 67 x 54 cm. Se exponen en la sala 29.

Después de su periplo por Italia empapándose de los clásicos en septiembre de 1627, volvió a su Amberes natal, llamado por la muerte de su hermana Cornelia. Los primeros meses se caracterizaron por una gran producción religiosa. En este período los retratos de carácter mitológico (Sansón y Dalila) son raros, mientras abundan los de carácter bíblico-religioso, entre los cuales destaca el Éxtasis de san Agustín, puesto al lado de una tela de Rubens y a una de Jacob Jordaens y la Adoración de los pastores. Además, Van Dyck realiza también seis Crucifixiones, un Llanto sobre Cristo muerto y una Coronación de espinas. Todos estos trabajos están llenos de un fervor y de una gran profundidad y llenos de misticismo, pero sobre todo en el último, aparecen notas pre-románticas además de la línea barroca predominante.

La fama de gran retratista con la que había vuelto de su permanencia en Italia, le permitió entrar al servicio de la archiduquesa Isabel Clara Eugenia de Habsburgo, hija de Felipe II y regente de los Países Bajos. Pintó un retrato de la archiduquesa por el cual recibió a cambio una cadena de oro. Con su entrada en la corte, creció todavía más su fama de retratista. Quienes le encargaban trabajos, eran muy numerosos y pertenecían a las grandes familias de la nobleza de Flandes y de Brabante. Uno de los más importantes trabajos de la época es el Retrato de María Luisa de Tassis, que pertenecía a una de las familias más ricas del norte de Europa. La dama aparece confiada, consciente de la propia belleza, con un vestido precioso y elaborado.

Thomas Howard, era el segundo conde de Arundel y Surrey (1585-1646), se convirtió en conde mariscal de Inglaterra en 1621. Fue uno de los primeros y más famosos de los aventureros ingleses. Aquí lleva la George menor colgaba de una cinta azul, una de las insignias de la Orden de la Jarretera.

Más adelante podemos ver el cuadro “Retrato de Cornelis van der Geest”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1620, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 37.5 x 32.5 cm. Se exponen en la sala 29.

Retrato de Cornelis van der Geest representa a un comerciante de Amberes, que utilizó su riqueza para apoyar a los artistas de Amberes y establecer su colección de arte. También fue el decano del gremio de merceros. Durante su vida fue retratado en varias ocasiones por Anthony van Dyck. Era dueño de dos pinturas de Quentin Massys, una de las cuales, una Virgen, se puede ver en el cuadro de Van Haecht. Otras obras incluidas en este punto de vista son mujeres en su retrete por Jan van Eyck.

Van der Geest también trabajaba como un mecenas. Él organizó con Rubens para pintar un tríptico para la Walburga en la iglesia en Amberes, lo que dio lugar a la elevación de la cruz, ahora en la catedral de Amberes. Del mismo modo, consiguió el trabajo para el Tríptico de San Ildefonso, destinado a la iglesia de Saint James.

Más adelante podemos ver el cuadro “Retrato de Ludovicus Nonnius”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1627, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 124.4 x 92.2 cm. Se exponen en la sala 29.

El cuadro representa a Luis Núñez, un médico belga de ascendencia portuguesa que es considerado el fundador de la medicina dietética. Él era uno de los médicos de Peter Paul Rubens que pintaron un retrato de él en 1627. Nonnius destacó como un humanista en el Renacimiento, en más de una disciplina y escribió junto con temas de medicina, también trabajos geográficos e históricos, y libros sobre las monedas griegas y romanas. Su obra más influyente es la Diaeteticon cuatro partes desde 1627, el primer estudio sistemático de los alimentos desde el punto de vista médico-sanitario.

Más adelante podemos ver el cuadro “Los caballos de Aquiles”, obra del estilo de Antony Van Dyck, esta datado en 1635, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 105.5 x 91.5 cm. Se exponen en la sala 29.

Aquiles, el héroe griego, tenía dos caballos, Janto y Balius, que eran los descendientes de Céfiro, el dios del viento. Estos animales fueron el regalo de Poseidón, dios del mar, a Peleo y Tetis, la más famosa de las Nereidas, el día de su boda. Los caballos fueron heredados por el hijo de ambos; Aquiles.

El dios del viento, arriba a la derecha, es, probablemente, pretende ser una personificación de Céfiro.

Más adelante podemos ver el cuadro “La pesca milagrosa”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1618, realizado con tiza negra, lápiz y óleo; tiene unas medidas de 55 x 85 cm. Se exponen en la sala 29

Se trata de un boceto realizado para la parte central del tríptico de Notre Dame au delà de la Dyle, Malinas.

El cuadro representa a Pedro y Simón en un barco que usaban para predicar, y después Jesús les llevó a los pescadores a una pesca milagrosa. Después de esto él llamó para que puedan ser pescadores de hombres.

Más adelante podemos ver el cuadro “Una vista de Het Steen por la mañana temprano”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1636, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 131.2 x 229.2 cm. Se exponen en la sala 29.

Rubens compró en 1635 una casa solariega de Het Steen cerca de Malinas, donde disfrutó de los placeres de ser un miembro de la aristocracia como un terrateniente durante los últimos cinco años de su vida.

Su pintura de la casa y el paisaje circundante muestra una escena otoñal con plantas de luz invernal y con nítidas flores de otoño. El sol ilumina el frente de la casa y el carro que deja para el mercado, mientras que un cazador en el primer plano aparecen: tallos y perdices.

Más adelante podemos ver el cuadro “Minerva y Mercurio conducen al duque de Buckinhan al templo de la virtud”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1625, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 64 x 63.7 cm. Se exponen en la sala 29.

Se trata de boceto preparatorio para una pintura que encargo el duque de Buckingham que colgaba en Londres en la casa del duque, York House y que fue estruida por un incendio en 1949.

En el cuadro aparece el duque de Buckingham como va hacia el cielo acompañado por Minerva y Mercurio a un templo de mármol en frente de los cuales están la Virtud y la Abundancia. Las tres Gracias ofrecen al duque una corona de flores, Envidia pretende tirar de él hacia abajo y un león lo reta.

Más adelante podemos ver el cuadro “La caza del león”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1614, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 73.1 x 105.4 cm. Se exponen en la sala 29.

Estamos ante un esbozo para la realización de un cuadro en grisalla, donde se ven unos cazadores a caballo para luchar contra un león que intenta arrastrar a uno de ellos al suelo. Otra figura mata a un león en el suelo y un cadáver se encuentra debajo de los caballos. Se desconoce en concreto para qué tipo de obras mitológicas Rubens quería hacer este tipo de representaciones.

Más adelante podemos ver el cuadro “Un Paisaje pastor con su rebaño”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1615, realizado en óleo sobre madera de roble, tiene unas medidas de 64.3 x 94.3 cm. Se exponen en la sala 29.

El cuadro se hizo en dos grandes etapas, inicialmente la escena central principal fue trabajada con el apoyo de los miembros de su taller y posteriormente el pintor termino el cuadro.

Más adelante podemos ver el cuadro “Un Paisaje con pastor y su rebaño”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1638, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 49.4 x 83.5 cm. Se exponen en la sala 29.

La escena del paisaje no ha sido identificada, pero es probable que se hayan inspirado en el campo alrededor de Het Steen. La luz pretende identificarse con una puesta de sol. Rubens estaba fascinado por los efectos naturales, y detalles como las reflexiones y las formaciones de nubes sugieren la observación directa.

Más adelante podemos ver el cuadro “El Juicio de Paris”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1632, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 144.8 x 193.7 cm. Se exponen en la sala 29.

El cuadro muestra la rivalidad entre las diosas Minerva, Venus y Juno por ser la más bella esto debía ser resuelto por el pastor Paris. Éste, hijo de Priamo, entregaría una manzana de oro con la inscripción “a la más bella”, a la diosa que a su juicio lo mereciera.

Paris piensa sentado bajo un árbol mientras Mercurio, como mensajero de los Dioses, porta el fruto dorado de la discordia. Las diosas esperan el juicio intentando convencer al joven. Minerva, con armadura y una lechuza, le anuncia el éxito en la guerra; Venus, acompañada de Cupido, le ofrece por esposa a la mujer más bella; y Juno, identificable por el pavo real, le promete la grandeza. La elegida será Venus, con cuya ayuda, Paris raptará a Helena provocando la guerra de Troya y el odio de las otras diosas, tal y como se relata en La Iliada de Homero.

Las figuras de las tres diosas y Mercurio se disponen según los cánones de la belleza clásica. Las figuras son las típicas de la época y sobre todo en la obra de la pintura flamenca: Son figuras carnosas y desnudas, con aspecto grácil pero poco delicado. Sus senos y caderas son abultados aludiendo a la condición de madre de la mujer que para Rubens era inseparable.

Más adelante podemos ver el cuadro “Paisaje con un carro vadeando un arroyo”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1625, realizado en lápiz y óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 47 x 70.5 cm. Se exponen en la sala 29.

La obra está sin concluir; no se han completado las áreas de follaje, lo que indica que el cuadro fue realizado en las ultima para te de la obra de Rubens. Al él le gustaba mucho el campo y desde finales de la década de 1610 pintó paisajes con mayor o menor frecuencia, en los que muestra una naturaleza exuberante y variada, pero la compra del castillo en Het Steen, en el que pasó desde entonces gran parte de su tiempo, hizo que fuera en la última etapa de su vida cuando más intensamente se dedicara a esta faceta. La atribución de esta obra de Rubens en el pasado ha sido puesta en duda, pero se sigue considerándose como una obra inconclusa de Rubens. La datación de los paisajes de Rubens es problemático porque no fueron contrastados.




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