Viaje a inglaterra y escocia


Día 16 de agosto de (domingo)



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Día 16 de agosto de (domingo)

Ruta: Oxford-Canterbury km 213; tiempo estimado 2h33’

La noche en el parking P+R de Oxford es muy tranquila, ni si quiera nos hemos dado cuenta que durante la noche han llegado nuevas autocaravanas. En el momento que nos levantamos somos media docena en un parking que entrarían un centenar.

Para trasladarse hasta el centro de Oxford esta el autobús de línea 300 que comienza en el parking, sacamos un ticket para dos adultos ida y vuelta por 4,80 libras, los niños viajan gratis con el billete de adulto, en poco más de 20 minutos estamos en la calle Margaret St.

Lo primero que hacemos es acudir a la oficina de información y turismo donde nos venden un programa para aprovechar la visita de un día a la ciudad de Oxford.

La ciudad de Oxford se presenta llena de turistas, destacan los japoneses por sus enormes grupos. El día es soleado y brillante lo que hace que las fachadas monumentales resplandezcan en mayor medida.

Estamos en la ciudad más fotografiada y sus monumentos son uno de los platos más bellos del mundo y se ha ganado el apelativo de ciudad de cine. Pero por lo que más destaca es por tener la Universidad de habla inglesa más antigua del mundo. Allí han estudiado 5 reyes, 3 santos, 85 arzobispos, 18 cardenales…y 25 primeros ministros ingleses, como Margaret Thatcher y Tony Blair.

Se cree que los primeros asentamientos se establecen en el siglo VIII en el momento que la princesa sajona St. Frideswide fundará un convento en el solar que ahora ocupa Christ Church.

No es hasta la llegada de Alfredo el grande en el siglo X en que se fortalece dada su posición estratégica entre los ríos Cherwell e Isis (Támesis), ayudo durante el periodo normando como una frontera militar entre los reinos de Mercia y Wessex.

El siglo XII es sumamente importante para la ciudad porque se establece la primera Universidad de Oxford en inglés, esto al principio produce enormes tensiones entre la gente que vive en la ciudad y los recientes universitarios por la eliminación de los derechos a favor de la Universidad. Esto se traduce que en el siglo XIV la economía gira completamente entorno a la Universidad.

Era tal la fuerza de este movimiento que en 1258 Simon de Montfort y los barones que lo apoyaban se reunieron en Oxford y obligaron al rey Enrique III aceptar la reformas conocidas como “Provisiones de Oxford”, esto son los cimientos de la primera constitución escrita de Inglaterra y que estableció el primer parlamento.

La guerra civil llegó a la ciudad de la mano del rey Carlos I que había establecido la corte en Oxford durante sus cuatro años de estancia, el parlamento que lo acompañaba se estableció en el Christ Church y Divinity School.

Durante la revolución industrial de comienzos del siglo XX se promovieron la instalación de muchas industrias vinculadas con temas universitarios como las dedicadas a la impresión y edición.

Nos dirigimos hacia nuestra primera visita, hemos elegido para ello el museo Ashmolean. He de citar que la mayoría de los museos de Oxford son gratuitos y es una ciudad que disfruta de una impresionante oferta cultural.

De camino al museo pasamos por la iglesia de St. Magaret desde su interior salen unas agradables notas musicales, en su interior celebran una misa cantada y el aspecto de la iglesia bien merece una visita, lo dejamos aplazado para la vuelta.

Cerca se encuentra una torre gótica que representa el Memorial a los Mártires. Llegamos a una de las arterias principales Beaumont Street, donde a la derecha se encuentra el museo Ashmolean, su fachada nos recuerda el museo Británico de Londres de estilo neogriego.

La colección la inicio John Tradescant y la siguió su hijo, luego paso a Elias Ashmole que la donó a la universidad. La colección de arqueología es considerada como la segunda mejor de todo el Reino Unido después del Museo Británico.

La visita al museo le dedicamos casi tres horas, al final más de lo esperado porque entre sus galerias además de arqueología descubrimos una importante colección pictórica.

Nada más entrar en el museo llegamos a la Galería de Escultura Randolph está convenientemente ubicado en la planta baja, junto a la gran entrada del edificio original Charles Cockerell de 1845, y alberga la colección de Arundel de escultura con ejemplares griegos y romanos.

La primera de las estatuas es “Apolo” realizada en mármol blanco, corresponde al periodo romano, perteneció alguna de las ricas casas, esta datada en entre los años 150-200 d.C.

De la excavación de la Tumba de Germanicus en Roma hay varias tallas, una pequeña estatua de Júpiter que debió de pertenecer al oratorio privado de ese dios, esta datado entre el 100-200, además de dos torsos de mármol y una pilastra.

La siguiente pieza que destaca de la galería “Colosal estatua del Dios Min”, procede del Templo de Min en Koptos, pertenece a la predynastia de Egipto, esta datada 3300 a. C.

La estatua rinde homenaje a la fertilidad, el dios Min sujeta su falo erecto en su mano izquierda, mientras que con el puño derecho sujeta un mayal –instrumento tradicional para la cosecha del trigo–. En el lateral de la pierna derecha está tallada con símbolos, entre ellos dos penachos con los emblemas de Min, hojas de plantas o sierras de pez, dos conchas lambis, un arpón y una hiena. Los desgastes en la piedra que tiene todo el cuerpo probablemente fueron producidos por la molienda para obtener polvo de piedra caliza por sus propiedades mágicas y eróticas.

La siguiente escultura “Estatua de Jasejem”, corresponde al último faraón de la segunda dinastía de Egipto, murió 2686 a. C. Tiene la postura para llevar la corona blanca del Alto Egipto. Uno de sus hijos Djoser, sería responsable de la construcción de la famosa pirámide escalonada de Saqqara.

La siguiente talla “Two-Dog Paletta”, fue extraída Hierokonpolis, dentro del recinto del templo, en el interior del depósito de armas, alrededor de 3000 a. C.

Las Paletas talladas como ésta eran versiones ceremoniales a gran escala de las paletas de piedra utilizadas para moler pigmentos para uso cosmético. Ambos lados de la paleta están tallada en bajo relieve con animales reales y fantásticos. En la parte superior aparecen perros de caza, lo que daría lugar al nombre de la obra. Aparecen felinos con largos cuellos que serpentean en círculo la depresión en la que los pigmentos pueden ser molidos, y los perros cazan gacelas en la parte inferior.

En el reverso, toros y gacelas enfrentan leones, leopardos, y un grifo alado. En la parte inferior izquierda, un chacal toca la flauta y otros animales hacen cabriolas al ritmo de la música.

La siguiente obra corresponde con “Gran León”, esta realizado en cerámica y pertenecía al recinto del templo en Hierakonopolis, Egipto, data de la sexta dinastía, alrededor de 2325 a 2175 a. C.

El parecido a primera vista es que estamos ante una escultura de piedra, pero es magnífico y técnicamente consumado trabajo hecho en cerámica hueca, que descansa sobre un pedestal. Fragmentos de otro león se encontraron en el lugar y los dos pueden haber servido como guardianes del recinto del Templo.

El siguiente obra es “templo de arenisca del rey Aspelta” del templo T en Kawa, esta datado sobre el año 600 a 580 a. C.

El Reino de Kush, dominaba el sur de Egipto en lo que hoy es Sudán, adoptó el arte, la religión y las prácticas funerarias egipcias, dichas formas adornan sus capitales y tumbas reales en el estilo egipcio. En este caso el rey Aspelta ofrece Maat (la Verdad) para el carnero del dios Amón-Ra.

La siguiente obra “Estatua de Amón”, realizada en cuarcita, fue encontrada en el templo de Sanam, Sudan, Napatan, pertenecen al periodo de la 25 dinastía que abarca entre 664-617 a. C.

La siguiente obra “Dios Amón”, realizada en granito, donde el dios Amón se representa en forma de un carnero para proteger rey Taharqa, esta datada 680 a. C. Perteneció al Templo T en Kawa y fue descubierto durante las excavaciones en el año 1931.

El siguiente objeto “Cuchara de mujer desnuda”, es una cuchara erótica donde se representa con una enorme delicadeza una mujer desnuda nadando que tiene entre sus manos un cuenco rectangular, esta datado en el 750 a. C, perteneció el periodo de la 25ª dinastía, Napata, encontrada en el cementerio de Sanam en la excavación de la tumba 936 en Sudán.

La siguiente obra “Sarcófago de Meresamun”, vivió en el antiguo Egipto, era una antiguo cantante y sacerdotisa del santuario del templo de Karnak. Su momia esta datada en el 800 a. C.

La siguiente obra son “Los ataúdes anidados de Djeddjehutyiuefankh”, construidos en madera policromada, el fallecido era un miembro de una familia de sacerdotes de Tebas, pertenece al periodo de 25 dinastía en el siglo VII a. C. El triple ataúd fue encontrado, junto con su madre, enterrada en la tierra sagrada del templo de Deir el-Bahri, en Tebas occidental.

La siguiente obra es “Sarcófago de Ptahhotep”, era un escriba que perteneció a la 26 dinastía, ejercía como administrador y visir, está datado en 500 a. C., perteneció a la 26ª dinastía, inscrita con el texto en el Libro de los muertos, de Giza.

La siguiente obra “Juicio oracular de Seth”, es una estela de piedra caliza grabada con una serie de oráculos pronunciados por el dios Seth, para resolver una disputa de tierras que involucra a un sacerdote de Set, Nesubast, esta fechada en el quinto año de Sheshonq I, primer rey de la Jamahiriya. Datada en la 22ª dinastía, Dakhla Oasis.

La siguiente obra “Momia de un hombre con mascara dorada”, tiene pintadas en la cabeza una serie guirnaldas cuyo significado son las flores eternas. El carpintero escribió en escritura demótica en la cabecera del ataúd de ciprés, y marcado por su marco para facilitar el montaje. Fue encontrada en el cementerio de Hawara, Fayum, de Ptolomeo, pertenece al periodo romano temprano, sobre el año 50 d. C.

La siguiente obra “Momia de una joven mujer”, esta recientemente restaurada, tiene un sudario confeccionado en lino y sobre su torso unos pechos de bronce, en su cara el retrato en el momento de su muerte. Esta datada del 55-70 d. C., fue encontrada en la excavación de Flinders Petrie –el padre fundador de la egiptología en el Reino Unido– en los cementerios romanos de Hawara en Fayum, al suroeste de El Cairo, en 1911.

La siguiente obra “Momia de una joven mujer”, esta recientemente restaurada, tiene un sudario confeccionado en lino, en su cara se puso el retrato en el momento de su muerte en el mismo podemos ver lo ricamente que está decorado con joyas y un collar de perlas lo que indica que son de una familia adinerada. Esta datada del 130-140 d. C., fue encontrada en la excavación de Flinders Petrie –el padre fundador de la egiptología en el Reino Unido– en los cementerios romanos de Hawara en Fayum, al suroeste de El Cairo, en 1911.

La siguiente obra “El rey Antíoco I Theos de Comagene” es una estela donde se representa al rey, era considerado un dios amigo de los griegos y de los romanos, se representa estrechando la mano de Heracles.

La siguiente escultura “Estatua en bronce de Zeus-Poseidon”, el original fue encontrado en 1920 en el mar cerca de Eubea, en Grecia. Representa un varón barbudo desnudo durante la acción de lanzar un objeto, ahora perdido, se ha identificado la figura con Zeus arrojando un rayo, como se muestra en una pose similar sobre otras esculturas y jarrones pintados. Probablemente fue un regalo votivo o tal vez una estatua de culto, esta datado en 470 a. C.

La siguiente obra “Arco de Trajano en Beneventum”, se trata de un molde de un relieve escultórico del arco, dedicada a Trajano para el Senado y el pueblo de Roma que ilustran diferentes aspectos del emperador de cuidar de su pueblo y a su imperio. Hércules esta representado en el extremo izquierdo con los demás dioses importantes del panteón romano. La representación del panel es como un protector imperial y se aprovecho para exhibir la fuerza militar romana, esta datado en el 114 d. C.

La siguiente escultura “El discóbolo de Myron”, representa a un atleta durante un momento en que el cuerpo esta en tensión, está en el punto de lanzar el disco, es una copia de la encontrada en Roma del escultor ateniense Myron, datada 460-440 a. C.

La siguiente escultura “Busto de una mujer”, perteneció al periodo romano contemporáneo de Claudio y de Nerón, está ataviada con los atuendos y joyas de ese periodo, se encontró en las excavaciones de Palmira en Siria, esta datada entre el 80-100 d. C.

La siguiente obras de arte de la sala 32 se dedicadan a la India “Losa de piedra con yaksha”, se trata de un espíritu de la naturaleza, realizada en piedra caliza gris, procede de Nepal, datado en el siglo IX.

La siguiente obra “Estatua de Buda debajo del árbol de Bodhi”, realizada en piedra tallada, corresponde con una pieza para los rituales religiosos, está datada entre finales del siglo X y principios del siglo X.

La siguiente obra “Dintel con la cara de Kala”, es una representación del Tiempo o dios de la muerte, realizada en piedra volcánica tallada, procede de la isla de Java, se trata de una pieza de un templo de alivio, esta datada en el siglo IX d. C.

La siguiente obra “Azulejos de Irán 1800-1900: Yusuf y Zulaikha”. Estos azulejos provienen de dos conjuntos diferentes que representan la historia de Yusuf y Zulaikha. Tienen como base la duodécima Sura (capítulo) del Corán, se deriva originalmente de la historia de José y la esposa de Putifar en el Antiguo Testamento. En la versión Qu'anic, Yusuf es un esclavo guapo en el servicio de un egipcio. La esposa de su amo, llamado Zulaikha, intenta, sin éxito seducirlo. Tanto la baldosa individual y como el conjunto representan el episodio en la apariencia de Yusuf antes de las mujeres de Memphis. Vencido por su belleza, se desmayan o se cortan con los cuchillos que tienen en sus manos. Ambas piezas son de Irán, 1850-1900 de cerámica policromada y vidriada.

La siguiente obra “Azulejos con jarrones y cipreses”, el panel esta construido con cuarenta y ocho azulejos policromados y vidriados, pertenecen al periodo otomano en la Siria del siglo XVII.

La siguiente obra “Lápida funeraria de una niña musulmana”, de mármol tallada, probablemente una joven, que murió en el siglo XI. La forma de la piedra sepulcral, su material, y el estilo de escritura utilizado para la inscripción sugieren que se trata del norte de África, probablemente a partir de la actual Túnez.

La inscripción se ejecuta en ambos lados y nos aporta información sobre el nombre del difunto y la fecha de su muerte. Aunque su nombre no puede ser reconstruida con absoluta certeza, sin embargo, podría haber sido llamado Ghariba, la hija de Makhluf al-Jala. Murió el 4 Shawwal del año 431 del calendario islámico, correspondiente al 17 de junio 1040 d. D.

La siguiente obra “Bloque de un friso de piedra” realizado en piedra caliza tallada en alto relieve donde aparece Leda, era la esposa del rey de Esparta Tyndaeus, es violada por el dios Zeus que se representa con forma de cisne.

La siguiente obra “Gabinete de Marfil”, en la parte superior muestra una fiesta holandesa, el paisaje entre las chozas y las palmas de un puerto marítimo en Ceilán, mientras que sus barcos de paseo están anclados. La parte posterior muestra una cacería de elefantes, con seis elefantes salvajes encerrados en una prisión militar y los soldados europeos en el primer plano. Los paneles de las puertas muestran a cuatro animales con la cabeza de un león y cuerpo con forma de pájaro, un motivo común en el marfil y la orfebrería de Ceilán. Realizado en Sri Lanka en el siglo XVII.

La siguiente obra “Figura sentada del Bodhisattva Guanyin”, la imagen tiene la función de ayudar a las almas a alcanzar la iluminación. El bodhisattva fue construido en trece partes. En China, la construcción y la visualización de una gran escultura están estrechamente relacionadas con la arquitectura. Esta obra habría ocupado una posición central hacia la parte trasera de un pasillo del templo. Procedente de China, datada en el siglo XIII.

La siguiente obra “Piedra Rúnica”, procede de Suecia, esta datada entre 1100 y1150. La inscripción dice lo siguiente: Lidsmod tenía esta piedra tallada en memoria de Julbjörn [su] padre.

Comenzamos la visita a la obra pictórica del museo con “La marcha de las vírgenes vestales”, obra del pintor Biagio di Antonio Tucci (1446-1516), realizado en templo dorado, tiene unas medidas 67,3 x 174 cm.

La historia de Roma contada por Tito Livio fue la fuente de estas escenas donde los galos atacan Roma, en ese momento con el escape de las vírgenes vestales –sacerdotisas romanas– que van subiendo el carro al ciudadano romano Lucio Albino situado en el primer plano, a la derecha que se acercan al Templo de Caere.

El siguiente cuadro “Virgen y niño con ángeles”, obra del estudio Nicholo Cosso, fue uno de los primeros realizados con forma de tongo (redondo), esta datado en el reverso el 17 de junio de 1428.

Este tipo de obras de arte recuerdan las numerosas tallas que realizaba el estudio de Della Robbia en la ciudad de Florencia en formas renacentistas plasmadas en cerámicas.

La siguiente obra “El asesinato y entierro de Julio César”, obra de Apollonio di Giovanni, realizado en tempera dorada, tiene unas medidas de 38,5 x 134,5 cm.

El cuadro representa el frente para una Cassone –arcón de madera– , la pintura parece que habría sido el encargada en ocasión de la celebración de un matrimonio celebrado entre 1455-1460. César se ve a la izquierda en los sacrificios a Apolo; que se muestra a continuación, en su camino hacia el Foro y, frente al Panteón, se entregó el mensaje de advertencia. A la derecha, se representa su asesinato en el Senado y su cuerpo es quemado en una pira situada enfrente de la columna de Trajano.

La siguiente obra “El emperador entra en una ciudad amurallada”, obra del estudio de Neroccio de Landi (1447-1500), realizado en temple dorado.

Se desconoce la autoría verdadera del cuadro aunque podría ser del estudio Neroccio. Los personajes representados se hallan inmersos en líricos y delicados ambientes. El pintor es uno de los representante más notables del arte cuatrocentista sienes. Su hermoso uso del color y su capacidad de adaptarse a diferentes soportes hicieron de él un artista de notable éxito entre sus contemporáneos.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño”, obra de Giovanni Bellini (1431-1516), realizado en templo dorado sobre madera, tiene unas dimensiones 33.5 x 27.2 cm.

Bellini está considerado como un artista que revolucionó la pintura veneciana, haciéndola progresar hacia un estilo más sensual y colorista. Gracias al uso de la pintura al óleo en colores claros y del secado lento, Giovanni creó tintes intensos y ricos y sombras detalladas. Su suntuoso colorido y los paisajes fluidos con atmósfera tuvieron un gran efecto en la escuela de pintura veneciana, especialmente en sus alumnos Giorgione y Tiziano.

El siguiente cuadro “El matrimonio de Antíoco y Estratónice”, obra del pintor Bartolomeo Montagna, realizado en temple y aceite, esta datado en 1429, tiene unas medidas de 29 cm x 29 cm.

El cuadro representa e ilustra el tema de la castidad. Antíoco estaba enfermo de amor por su madrastra, Estratónice al darse cuenta de esto, entrega a Seleuco a su esposa y su reino a su hijo.

El siguiente cuadro “El Triunfo de la Castidad”, obra de Giovanni di Paolo (1399-1482), realizado en temple, esta datado en 1470.

Giovanni di Paolo fue uno de los pintores más importantes del siglo XV de la escuela de Siena. Sus primeras obras muestran la influencia de maestros de Siena anteriores, pero más tarde, su estilo era más individualista, y se caracteriza por los colores fríos, duros y formas alargadas.

El siguiente cuadro “Un santo obispo”, obra de Michele Giovanni Boni conocido como Giambono (1400-62), realizado en temple dorado sobre madera, esta datado 1440; tiene unas medidas de 84,5 x 47,7 cm

El cuadro fue probablemente parte de un gran retablo pintado en 1440, como la registrado en la iglesia de Sant Alvise, Venecia en 1581. El santo obispo, que no tiene atributos que se le puedan identificar, es posiblemente fuera San Louis de Toulouse, o alternativamente San Prosdocimo, el primer obispo de Padua. El pintor Giambono era un artista principal que trabajó extensamente en Venecia y Padua.

El siguiente cuadro “San Marcos”, obra de Giovanni Antonio da Pesaro (1461-1511), realizado en temple y dorado sobre madera, esta datado 1463; tienes unas medidas de 170 x 55 cm.

El cuadro representa San Marcos el Evangelista, patrono de Venecia, se muestra con sus atributos de un león y un libro, que está abierto y se pueden leer las palabras de consuelo (Pax tibi marce) “la paz esté contigo” dichas por Cristo en una visión del santo en prisión. En su construcción estuvo unida a dos paneles que formaban un tríptico: a la izquierda, Santos Blas y Juan Bautista por encima de los Santos Sebastián y Jerónimo y derecha, Santos Santiago Mayor y Antonio Abad anterior San Pedro y San Pablo. El cuadro fue probablemente pintado para la iglesia Santa María di San Marco, en Pesaro, fue demolida en 1501.

El siguiente cuadro “Santa María Magdalena”, obra de Francesco de Franceschi, realizado en temple y dorado sobre tabla de madera, esta datado en 1447; tiene unas medidas de 92 x 35,5 cm.

Es cuadro fue una parte de un retablo desconocido, posiblemente para una iglesia en Padua o en Venecia. Se representa a Santa María Magdalena lleva su atributo de un tarro de ungüento, como ella se identifica tradicionalmente con la mujer que ungió los pies de Cristo en la casa de Simón el fariseo.

El siguiente cuadro “El bautismo de Cristo”, obra de Giovanni di Paolo, realizado en temple y dorado sobre tabla de madera, está datado en 1460; tiene unas medidas de 25.7 x 35,7 cm.

El cuadro representa la escena en que Cristo fue bautizado por San Juan en el río Jordán, cuando el Espíritu Santo descendió en forma de paloma y la voz de Dios proclamó a su Hijo. Este cuadro formaba parte de la predela de un retablo en 1460, que perteneció a la iglesia Silvestrine en Montepulciano.

El siguiente cuadro “San Nicolás de Bari, desterrando la Tormenta”, obra de Bicci di Lorenzo, fue realizado en temple y dorado sobre tabla de madera, esta datado 1433; tiene unas medidas de 29 x 59 cm.

Este cuadro es un buen ejemplo imaginativo donde se representan escenas difíciles de pintar, los personajes parecen sacados de los cuadros del Bosco. Este santo era muy milagrero y tiene muchos devotos repartidos por todo el mundo.

Este panel fue parte de la predela del gran retablo de 1433-1435 para la iglesia de San Niccolò en Cafaggio, Florencia, cuyas obras de arte, ahora, están dispersas en varias colecciones. La Virgen y el Niño con cuatro ángeles en el centro estaban flanqueados por pares de santos, San Benito y Nicolás de Bari y San Juan Bautista y el Evangelista, probablemente San Mateo. La predela mostró escenas de la vida de San Nicolás, de las cuales cinco son conocidas: el nacimiento del santo; peregrinos en el santuario de la santa; San Nicolás resucitando tres jóvenes; el santo proporcionar dotes para tres hermanas (tres bolas de oro, su atributo tradicional); y desterrando la tormenta.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño”, obra del estudio de Giotto di Bondone, esta datada en 1310, realizada en temple y dorado sobre madera; tiene unas medidas de 28.5 x 19.7 cm.

Giotto di Bondone fue admirado por sus contemporáneos como un artista muy original y un maestro importante medieval. El cuadro probablemente fue pintado en 1310 por un asistente que trabajó estrechamente con él. La estética tradicional de la Virgen y el Niño se han tratado como figuras venerables y se han dotado de un nuevo naturalismo. Las letras que se pintan en el frontal parecen tener un forma ornamental más que significativas.

El siguiente cuadro “Nacimiento de la Virgen María”, obra atribuida al Maestro de la Predala Ashmolean, realizado en temple y dorado sobre tabla de madera, esta datado en 1365; tiene unas medidas de 37,4 x 65,2 cm.

El cuadro representa un tema apócrifo popular que permite un atractivo detalle de una escena doméstica. Fue pintado para una predela de un retablo desconocida junto con otros paneles de la Presentación de Cristo, la Anunciación a Joaquín y la huida a Egipto. El maestro anónimo parece que trabajó con Andrea di Cione (Orcagna) y su hermano menor Jacopo, colaborando con Jacopo en el retablo de la crucifixión en la Galería Nacional. Debido a su excelente calidad, también se ha atribuido a Orcagna, o se ha visto como una obra temprana de Jacopo.

El siguiente cuadro es un díptico “La crucifixión; La lamentación”, obra atribuida al Maestro de la Efigies de los Dominicos, realizado en temple y dorado sobre tabla de madera; tiene unas medidas de 29.5 x 12.1 cm.

El díptico fue pintado por el mismo artista anónimo que pintó un Cristo y la Virgen a la que asistieron diecisiete frailes dominicanos para la sacristía de Santa María Novella, Florencia. Originalmente los paneles sirvieron como las persianas de un pequeño retablo, probablemente con una Virgen con el Niño en el centro y el ángel y la Virgen de la Anunciación por encima de cada panel lateral. Tradicionalmente, la Virgen, San Juan Evangelista y María Magdalena se representan en la Crucifixión.

El siguiente cuadro “Santa Lucia” obra de Andrea di Bartolo Cini, realizado con temple y dorado sobre tabla de madera; tiene unas medidas de 63.5 x 20.5 cm.

El cuadro se conoce que formaba parte un gran retablo, ahora desmembrado, de los cuales se conocen otros cinco paneles de forma similar de santos individuales. Santa Lucía, un mártir cristiano temprano, lleva sus atributos de una daga, con el que fue ejecutada y una lámpara de aceite, en referencia a su nombre, Lucía (la luz).

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño con el Ángel de la Anunciación”, obra de Andrea Vanni, realizado en temple y dorado sobre tabla de madera; tiene unas medidas de 58 x 25 cm.

El cuadro tiene las marcas de una bisagra en el lado derecho, esto indica que esta era el ala izquierda de un díptico, que podría abrirse y cerrarse como un libro. El ala derecha, con el Crucifixión con la Virgen María y San Juan y la Virgen de la Anunciación que se encuentra en el Museo de Arte de la Universidad de Harvard. La Virgen está alimentando al Niño en una imagen conocida como la Madonna del Latte (de la leche).

El siguiente cuadro “La Flagelación”, obra de Lippo di Benivieni, realizado en temple y dorado sobre tabla de madera, esta datado en 1302.

Lippo di Benivieni es un pintor italiano de la escuela florentina, influenciado por la escuela de Giotto, no obstante, desarrolla un estilo personal con detalles góticos en toda su obra

Más adelante podemos ver “La Lamentación y la Crucifixión”, obra de Barna da Siena, realizado en temple y dorado sobre tabla de madera, tiene unas medidas de 53 x 38 cm.

El cuadro corresponde con la parte derecha de un díptico, la otra parte donde se representaba la imagen del donante y seis santos se encuentran en la Gemäldegalerie, Berlín. Es muy raro encontrar a los sujetos de la Crucifixión y lamentación representados en una misma escena, lo que lo convierte en una imagen devocional muy cargada. Cristo en la cruz está flanqueado, excepcionalmente, por San Pedro y San Juan Evangelista y el cuerpo de Cristo está de luto por las mujeres, con la Virgen María en la cabeza y María Magdalena a sus pies. Estas pinturas sobre tabla se consideran que fueron ejecutadas de la mano de un artista tradicionalmente conocido como “Barna da Siena”; este maestro era un estrecho seguidor del gran artista sienes Simone Martini.

El siguiente cuadro “La Anunciación”, obra de Paolo di Dono o Ucello, realizada en 1420, estilo renacentista, realizado en temple sobre madera, tiene unas dimensiones de 65 x 48 cm.

Uccello, además de pintor, era un matemático, estaba obsesionado por la perspectiva y se quedaría despierto toda la noche en su estudio tratando de captar el punto exacto de fuga de sus cuadros. Usó la perspectiva con el fin de crear una sensación de profundidad en sus pinturas y no, como sus contemporáneos, para narrar diferentes o sucesivas historias.

El cuadro representa la escena en que el Ángel Gabriel es enviado por Dios Padre para anunciar a la Virgen María que dará a luz al hijo de Dios. La virgen se encuentra con la cara caída en el interior de un pórtico. Sobre ellos en distinto plano una representación de las músicas celestiales. Esta pintura puede haber sido pintada por Uccello a principios de los años 1420: los tipos de figura, el interés por la perspectiva, el enfoque decorativo refinado y tratamiento inusual del lienzo son característicos de su obra.

El siguiente cuadro es un tríptico “La Virgen y el Niño con ángeles y un Santo Dominico; San Pedro (a la izquierda); San Pablo (derecha)”, obra del estudio de Fray Angélico, realizado en temple y dorado sobre tabla de madera; tiene unas medidas de 41 x 26.8 cm (central); 44.9 x 16.3 (izquierda); 44.8 x 15.2 cm (derecha).

Este tríptico plegable portátil se hizo para la devoción privada. Los paneles laterales han sido cortados y pueden haber pertenecido a un pequeño retablo diferente y después se montó el tríptico, o alterado, en una fecha posterior. El artista estaba cerca de Benozzo Gozzoli.

El cuadro representa a San Pedro porque tiene su atributo característico de una llave y San Pablo una espada, el instrumento de su martirio. El fraile santo es probablemente Santo Domingo.

El siguiente cuadro “Reunión en la Puerta Dorada”, obra de Fray Filippo Lippi, realizado en temple dorado sobre tabla de madera, esta datado en 1440; tiene unas medidas de 21.9 x 49.7 cm.

La obra representa el tema apócrifo de la reunión de Joaquín y Ana, con la ayuda del Ángel Gabriel, donde aparece la concepción milagrosa de la Virgen María. La iconografía del cuadro es inusual, ya que normalmente Ana sale de la Puerta Dorada de Jerusalén para cumplimentar a Joaquín a su regreso de las montañas. Los animales y las aves pueden incorporar referencias al Salmo.

La siguiente obra es una escultura “La Virgen y el Niño”, obra de Tino di Camaino (1285-1337), realizada en mármol, esta datada en 1317, estilo gótico de Siena.

Tino di Camaino era hijo de Camaino di Crescenzio di Diotisalvi, fue alumno de Giovanni Pisano, al que ayudó en la construcción de la fachada de la Catedral de Siena.

Siguió con su maestro en Pisa, donde fue nombrado maestro albañil en la obra de la realización de la catedral en 1311. En este período realizó la tumba de Arrigo VII (1315).

En Siena, donde regresó desde 1315 hasta 1320, donde se dedicó a hacer el sepulcro del cardenal Petroni (1317), y el célebre monumento del obispo Orso que realizó para la catedral de Florencia después de 1321.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño”, obra de Lorenzo di Credi, realizado en temple y óleo sobre tabla de madera; tiene unas medidas de 57,2 x 39,3 cm.

Lorenzo di Credi era un discípulo de Verrocchio, y muy influenciado por la escultura florentina en relieve de mármol como una fuente para la composición de esta imagen devocional, mientras que el paisaje detallado refleja su interés por el arte flamenco. La pintura parece estar inacabada. Hay otros dos paneles de la Virgen y el Niño, en el Musée des Beaux-Arts, Estrasburgo y el Musée Fesch, Ajaccio, que son similares en diseño.

El siguiente cuadro tiene en título “Caza en el bosque”, obra de Paolo di Dono o Uccello (1397-1475), fue realizado en tempera con aceite y trazas de polvo oro, tiene unas medidas de 73.3 x 177cm.

La caza en el bosque es también conocido con el nombre como la caza por la noche, es una pintura del artista italiano Paolo Uccello, hecho alrededor de 1470. Es quizás la pintura más conocida en el Museo Ashmolean.

La pintura es un ejemplo temprano de la utilización efectiva de la perspectiva en el arte del Renacimiento, la escena se presenta con los participantes de caza, incluyendo las personas, los caballos, los perros y venados, desapareciendo en la oscuridad de los bosques en la distancia. Fue la última pintura conocida del Uccello antes de su muerte en 1475.

El siguiente cuadro “Retrato de un joven hombre”, obra de Domenico Ghirlandaio, realizado en temple sobre tabla de madera, datado en 1477; tiene unas medidas de 43 x 32.3 cm.

El pintor Domenico Ghirlandaio inicialmente se formó como orfebre, fue uno de los principales artistas de finales del siglo XV en Florencia, contando el joven Miguel Ángel entre sus alumnos. Estamos ante una obra temprana, el tipo de retrato fue influenciado por la evolución de los retratos flamencos.

El siguiente cuadro “Santos Bartolomé y Julián el Hospitalario”, obra de Agnolo di Domenico di Donnino, realizado en temple y aceite sobre tabla de madera; tiene unas medidas de 77,9 x 64 cm.

El cuadro actual perteneció a un retablo perdido del cual hay otros dos fragmentos. Los personajes que se reconocen en el cuadro son: La Virgen con el Niño y los Santos Leonard y Santiago el Mayor. El apóstol Bartolomé se suele representar con un cuchillo, el instrumento de su martirio. San Julián, un noble que asesinó accidentalmente a sus padres, fundó un hospicio para los viajeros. El artista antes conocido como el Maestro de Santo Spirito se ha identificado como Agnolo di Domenico.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño”, obra de Bernardino Pintoricchio (1452-1513), realizado en temple y oro sobre tabla de madera, esta datado en 1490; tiene unas medidas de 41.3 x 30.2 cm.

Bernardino Pintoricchio es un artista prolífico y miniaturista, trabajo en Roma, Siena y en Umbría y fue uno de los pintores más influyentes en el centro de Italia. Su estilo era delicado y refinado, como atestigua esta pintura-joya. Es un grupo de pequeñas imágenes devocionales pintadas de una manera similar que eran difíciles de encontrar hasta este momento en la pintura Italiana.

El siguiente cuadro “San Jaime”, obra de Nicola di Maestro Antonio d’Ancona (trabajo de pintor desde 1472-1510), realizado en temple y oro sobre tabla de madera, esta datado en 1472; tiene unas medidas de 68 x 42 cm.

El cuadro es un fragmento de una pieza perteneciente a un gran retablo de las cuales otros dos paneles en forma similar sobreviven. El nombre y el estilo del artista se conocen de una obra firmada y fechada en 1472, muestra afinidades con el arte de Carlo Crivelli que trabajó extensamente en este tipo de cuadros. El santo franciscano ascética, a veces llamado San Francisco de Asís, es probable que sea san Jaime el milagroso, se representa con una herida en el costado, una referencia a su expulsión de los demonios. Muchas imágenes devocionales se encargaron después de su muerte.

El siguiente cuadro “Santa Catalina de Alejandría”, obra de Vittore Crivelli (1444-1501), realizado en temple y oro sobre tabla de madera, esta datado en 1490; tiene unas medidas de 73.7 x 41 cm.

Santa Catalina, era una mujer que procedía de la realeza por eso se la representa con una corona en la cabeza y lleva un libro, recordando su erudición, y la palma de mártir. La rueda se refiere a los primeros intentos de su martirio. El cuadro formó parte de un políptico realizado para la iglesia de San Francesco, Montesanto.

El siguiente cuadro “Santa María Magdalena”, obra de Nicola di Maestro Antonio d’Ancona (trabajo de pintor desde 1472-1510), realizado en temple y oro sobre tabla de madera, esta datado en 1472; tiene unas medidas de 67,5 x 41 cm.

La Magdalena es reconocible por su pelo largo que fluye, una referencia a su tradicional identificación con la mujer que ungió los pies de Cristo y los secó con sus cabellos.

Verdaderamente las referencias que nos ofrecen los evangelios no son muy documentos. Lucas nos informa que entre las mujeres que seguían a Jesús y le asistían diariamente en su vida estaba María Magdalena, es decir, una mujer llamada María, que era oriunda de Migdal Nunayah, en griego Tariquea, una pequeña población junto al lago de Galilea, a 5,5 Km. al norte de Tiberias. De ella se dice que Jesús la había expulsado siete demonios, que es lo mismo que decir "todos los demonios". La expresión puede entenderse como una posesión diabólica, pero también como una enfermedad del cuerpo o del espíritu.

El siguiente cuadro “San Jerónimo leyendo en un paisaje”, obra de un pintor del Círculo de Govanni Bellini, realizado en temple y óleo sobre tabla de madera,; tiene unas medidas de 26.6 x 21.7 cm.

El sabio San Jerónimo se retiró a meditar al desierto a llevar una vida de oración y contemplación; se hizo amigo de un león al que le quito una espina de su pata. Por el tipo de composición se ha podido determinar que era una obra cercana al pintor Bellini.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño”, obra de Bartolomeo Montagna, realizado en temple y óleo sobre tabla de madera, esta datado en 1480; tiene unas medidas de 34 x 28 cm.

Este tipo de pequeños cuadros era un buen ejemplo de un tipo de imagen devocional íntima popularizada por Giovanni Bellini. Montagna, era un pintor importante en Vicenza, pudo haber trabajado en el estudio de Bellini en Venecia en la década de 1470. El niño sostiene un jilguero, es un símbolo de la Pasión ya que la sangre de Cristo se dice que han cayó de las plumas de las aves en el camino al Calvario.

El siguiente cuadro “Cristo con la Cruz”, obra de Bartolomeo Montagna, realizado en temple y óleo sobre tabla de madera, esta datado en 1503; tiene unas medidas de 28,4 x 21,6 cm.

Probablemente Bartolomeo sea el miembro más conocido de una familia de pintores venecianos que incluyó a su padre Jacopo, su hermano Gentile y su cuñado Andrea Mantegna. Era hijo de Antonio Cincani di Orzinuovi, se trasladó con su familia, todavía niño a Biron, cerca de Vicenza, donde vivió toda su infancia y primera juventud. En 1469 lo encontramos instalado en Venecia, donde parece trabajó en el taller de Giovanni Bellini, pues su estilo inicial está muy ligado al del maestro veneciano. En 1474 está ya de vuelta en Vicenza, donde están documentados encargos para diversas iglesias de la ciudad. Es en esta época cuando la influencia de Antonello da Messina se hace evidente en su trabajo, pues acaso tuvo la oportunidad de conocer de primera mano la obra de éste durante la breve estancia de Antonello en Venecia.

Este tipo de imagen del Cristo sufriente fue muy popular en el arte veneciano del siglo XVI, sobre todo en el círculo de Bellini. Puede derivar de la obra de Leonardo da Vinci.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño con una vista de Venecia”, obra de Bartolomeo Montagna, realizado en óleo sobre tabla de madera, esta datado en 1489; tiene unas medidas de 76,7 x 60,2 cm

Este cuadro ha sido muy estudiado se le atribuye a Giorgione, es más probable que sea por un alumno de Venecia como Sebastiano del Piombo, o un artista cercano a Giorgione como Cariani.

Nos muestra al fondo el paisaje borroso de la plaza San Marco del Bacino muestra el campanario con una campana que estaba en ese momento en el lugar.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño con San Jerónimo”, obra de Alessandro Bonvicino conocido como Moretto de Brescia, realizado en óleo sobre tabla de madera, esta datado en 1530; tiene unas medidas de 50.4 x 58.7 cm.

Moretto estaba vivamente interesado en la influencia del arte de Venecia: en esta pintura devocional expresiva donde los tipos de paisajes y figuras revelan la cercanía al estudio de Tiziano. En el cuadro se ve a San Jerónimo que sostiene una piedra contra su pecho, una referencia a sus actos de penitencia.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño con San Jerónimo”, obra de Alessandro Bonvicino conocido como Moretto de Brescia, realizado en óleo sobre tabla de madera, esta datado en 1530; tiene unas medidas de 50.4 x 58.7 cm.

Moretto estaba vivamente interesado en la influencia del arte de Venecia: en esta pintura devocional expresiva donde los tipos de paisajes y figuras revelan la cercanía al estudio de Tiziano. En el cuadro se ve a San Jerónimo que sostiene una piedra contra su pecho, una referencia a sus actos de penitencia.

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre joven con un cráneo”, obra de Bernardiono Licinio realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1510; tiene unas medidas de 75,7 x 63,3 cm

Licinio estaba impresionado por el arte de Giorgione, explorando este tipo de retrato poético que él y los artistas de su círculo estaban desarrollado. El cuadro manifiesta la juventud y la belleza que se contrastan con la muerte y la decadencia en este retrato expresivo.

El siguiente cuadro “La Resurrección de Cristo”, obra de Jacopo Robusti, llamado Tintoretto (1519-1594), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1570; tiene unas medidas de 161 x 153 cm.

Forma originalmente pintado como un octágono (la pudieron alterar en el siglo XVII), esta composición fue pensada para colgarse en alto, tal vez formo parte de un elemento importante en una decoración de alguna pared o en el techo, junto con una envolvente figura de una talla dorada. Sugerencias para la datación han variado desde mediados de la década de 1550 hasta principios de 1570.

El siguiente cuadro “Giacomo Doria”, obra de Tiziano Vecellio o Vecelli (1477-1576), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1533; tiene unas medidas de 115,5 x 97,7 cm.

El cuadro representa a Giacomo Doria, era un residente comerciante genovés en Venecia 1529-41, encargó este digno entre 1533-5. Doria actuó como diplomático para el Estado genovés y tenía conexiones con la corte de los Habsburgo; dos de sus hijos llegaron a convertirse Dux de Génova. El pintor muestra la sensibilidad psicológica y agudeza de Tiziano y sus habilidades pictóricas en la orquestación de una composición casi monocromo. Utilizó posiblemente por primera vez en su retrato la decoración de una columna de mármol grande, pulido, ampliando el espacio de la imagen denota que el modelo se representa como una persona de riqueza y de autoridad.

El siguiente cuadro “Giacomo Doria”, obra de Tiziano Vecellio o Vecelli (1477-1576), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1533; tiene unas medidas de 115,5 x 97,7 cm.

El siguiente cuadro “Arion cabalgando sobre un delfín”, obra de Francesco Bianchi Ferrari (fue activo como pintor desde 1481-1510), realizado en temple y óleo sobre madera, esta datado en 1509; tiene unas medidas de 68,1 x 53,7 cm.

El cuadro se desconoce el significado personal para su primer propietario. Probablemente es demasiado grande para haber sido la cubierta de algún retrato.

El poeta Arión, después de haber sido arrojado al mar por los marineros en una tormenta, llegó a Corinto en la parte posterior de un delfín, a quien cautivó con su música Arion, excepcionalmente, se muestra como un niño.

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre joven con un perro y un gato”, obra de atribuida a Giovanni Luteri, llamado Dosso Dossi (1490-1542), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1500; tiene unas medidas de 27.8 x 24.9 cm.

Dosso Dossi comienzo su carrera como pintor en la ciudad de Ferrara en 1514, donde trabajará la mayor parte de su vida. Parece que ya por entonces había recibido la influencia del estilo veneciano, probablemente a través de Giorgione, que marcó profundamente su arte ya para siempre. Un componente fundamental será su tratamiento del paisaje, lírico y subjetivo.

El siguiente cuadro “El triunfo del amor”, obra de Tiziano Vecellio, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1545; tiene unas medidas de 88,3 cm de diámetro.

Tiziano Vecellio o Vecelli, conocido tradicionalmente como Ticiano (1477-1576), fue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana.

Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes, escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano.

El siguiente cuadro “Un joven hombre secándose en una fuente”, obra de Paris Bordone (1500-1571), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1530; tiene unas medidas de 57 x 39 cm.

Este cuadro es una de las tres partes en que fue divido el original. El tema es, probablemente es clásico. Al igual que Tiziano, Bordone a menudo pintó temas poéticos dentro de unos paisajes. La forma y la decoración de la fuente sirven para evocar bronces de Padua de los años 1500. La escultura en relieve de figuras desnudas contrasta con la suave carne del joven.

El siguiente cuadro “Judith se dio un festín por Holofernes”, obra de un artista del círculo de Paolo Caliari, llamado Veronese, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 27 x 57 cm.

El cuadro fue atribuido a una persona cercana a Veronese, puede haber sido realizado en su estudio. La narración, desde el libro apócrifo de Judith, celebra la heroína judía que salvó a su pueblo de la tiranía de Holofernes; el tema era especialmente popular en Venecia. Los cuadros narrativos suntuosos como estos a menudo se insertaban en los cofres de lujo, o formaban parte de la decoración de una habitación, tal vez ambientado en un friso en el nivel de la cornisa.

El siguiente cuadro “La Sagrada Familia con San Juan Bautista”, obra de Tommaso d'Antonio Manzuoli, llamado Maso da San Friano (1531-1571), realizado en óleo sobre tabla de madera, esta datado en 1569; tiene unas medidas de 102,9 x 83,4 cm.

El cuadro parece estar inacabado y puede haber sido concebido como un pequeño retablo de un mecenas para su colección privada. Maso disfrutó el patrocinio de la familia Medici y fue miembro fundador de la Accademia del Disegno en Florencia.

El siguiente cuadro “Retrato de un joven hombre”, obra de Alessandro Allori (1535-1607), realizado en óleo sobre tabla de madera, esta datado en 1561; tiene unas medidas de 133 x 140 cm.

El joven sostiene una medalla que muestra una cabeza de perfil de una mujer con un traje clásico. Su brazo se apoya en una silla ornamentada con decoración tallada y con incrustaciones. Una réplica de la estatua antigua de Apolo Citharoedos se encuentra en la tabla elaborada; el original de la colección Valle della en Roma. Las diferentes identificaciones se han propuesto para la niñera aristocrática, incluido el de Paolo Capranica, relacionado con la familia Della Valle, o un miembro de la familia Palma di Cesnola, porque su lema era Oppraesa Resurgam y aparece en un libro a través de una incrustación en la mesa.

El siguiente cuadro “El matrimonio místico de Santa Catalina”, obra de Giovanni Battista Moroni (1520-1578), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1550; tiene unas medidas de 82,6 x 67,5 cm.

Santa Catalina se muestra recibiendo un anillo de bodas de Cristo, que simboliza su cercanía espiritual a Dios. Un alumno de Moretto, Moroni trabajó principalmente en Bergamo. Esta pintura devocional, es una obra temprana del pintor, está cerca del estilo de las pinturas maduras de Moretto. La Torre del Comune, que más tarde aparece en dos de sus retratos, se muestra a la izquierda.

El siguiente cuadro “El incendio forestal”, obra de Piero di Cosimo (1461-1522), realizado en óleo sobre tabla de madera, esta datado en 1505; tiene unas medidas de 71,2 x 202 cm

Piero di Cosimo pintó muchos cuadros con temas de la literatura clásica. Otros dos paneles de la caza y La vuelta de la caza, ahora en el Museo Metropolitano de Nueva York, están temáticamente relacionados, pero parecen haber sido pintados en la década de 1490. Piero pintó una interpretación poética de la fuente clásica, con detalles idiosincrásicos de bestias híbridas añadido en una etapa tardía. La interpretación magistral de fuego y paisaje lejano lo sitúan en la vanguardia del desarrollo de la pintura de paisaje.

El siguiente cuadro “La Sagrada Familia con el joven San Juan”, está obra es atribuida al pintor Bacchiacca (1494-1557), realizado en aceite sobre plancha de pizarra, esta datado en 1538; tiene unas medidas de 52,5 x 41,2 cm.

El cuadro esta basado en una famosa presentación de un dibujo de Miguel Ángel y que sus seguidores copiaron, de los cuales este es el único ejemplo con un extenso paisaje. Conocido como Il Silenzio (Silencio) debido al gesto de San Juan, muestra la Sagrada Familia contemplando y durmiendo al futuro Cristo, presagiando la lamentación. La Virgen sostiene un libro abierto en el Salmo 85,11 y levanta un velo transparente del cuerpo del niño, una referencia a la revelación de la Verdad.

El siguiente cuadro “San Miguel somete a Satanás pesando en las almas de los muertos”, obra es atribuida a Lelio Orsi (1508-1587), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1540; tiene unas medidas de 54 x 40 cm.

El Arcángel Miguel, que derrotó a Satanás según se muestra en el arte medieval pesando las almas de los muertos; aquí otro ángel revela una visión de los bienaventurados en el cielo. Influenciado por la elegancia sinuosa de Correggio, Orsi desarrolló un estilo distintivo, con un enfoque idiosincrásico a los temas religiosos.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño con cuatro santos”, obra de Pietro Orioli (1458-1496), realizado en temple y oro sobre tabla de madera, esta datado en 1580; tiene unas medidas de 74,6 x 52,7 cm.

Reconocido por su devoción religiosa, así como su habilidad artística, Orioli pintó temas casi exclusivamente sagrados. Probablemente era un alumno de Matteo di Giovanni. En el cuadro los Santos Jerónimo, Catalina y Francisco se identifican por sus atributos, San Bernardino por sus rasgos distintivos.

El siguiente cuadro “Crucifixión con la Virgen María y san Juan Evangelista”, obra atribuido a Marcello Venusti, realizado en óleo tabla de madera, esta datado en 1555.

Marcello Venusti fue un pintor italiano del renacimiento cercano al círculo artístico de Miguel Ángel.

Es probable que su formación haya comenzado en Mantua, pero las primeras noticias que tenemos de Venusti lo sitúan como miembro del taller de Perino del Vaga en los años 1540.

Venusti al parecer buscó divulgar la obra sacra de Miguel Ángel. Sin embargo, sus pinturas son más planas que las originales, con un detallismo miniaturista lejano a la grandeza de sus fuentes. El sentimiento que imprime Venusti a su producción es más sencillo y literal que el de Buonarroti, más profundo y filosófico. A pesar de ello, ambos artistas se sintieron siempre muy cercanos, y prefiguran lo que los expertos denominarán posteriormente como contramaniera (un estilo artístico que se desarrolló a partir de mediados del siglo XVI).

El siguiente cuadro “La Sagrada Familia con San Juan Bautista”, obra de Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564), carboncillo, esta datado en 1540; tiene unas medidas de 62 x 49.5 cm.

El panel refleja un diseño inacabado de Miguel Ángel. Si bien podría ser una copia o una variante de un diseño perdido, por sus cualidades inusuales sugieren una atribución a la mano de Miguel Ángel. El panel de álamo no tiene la preparación inicial de yeso que sería normal en la planificación de una pintura. El sujeto puede ser el regreso de la Sagrada Familia de Egipto: Miguel Ángel estaba interesado en este tipo de temas religiosos apócrifos.

El siguiente cuadro “La elección de Hércules”, obra de Paolo de Matteis (1662-1728), óleo sobre lienzo, esta datado en 1540; tiene unas medidas de 198,2 x 256,5 cm

Paolo de Matteis era alumno talentoso de Luca Giordano, había estudiado en Roma y trabajó en Francia: su clasicismo elegante le valió de alto rango de patrocinio.

El siguiente cuadro “Retrato de una mujer”, obra de Antony van Dyck (1599-1641), realizado en óleo sobre lienzo.

Antony van Dyck fue un pintor flamenco especialmente dedicado a la elaboración de retratos. Llegó a ser el primer pintor de corte en Inglaterra tras una larga estancia en Italia. Es universalmente conocido por sus retratos de la nobleza genovesa y de Carlos I, rey de Inglaterra, de los miembros de su familia y de su corte.

El siguiente cuadro “Paisaje con un cabrero”, obra de Claude Lorrain (1604-1682), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1635; tiene unas medidas de 38 x 49 cm.

Claude era un verdadero especialista en el exuberante paisaje boscoso. Un dibujo de principios a mediados de 1640 en el Ashmolean desarrolla, a la inversa, la composición de este tipo de paisaje con un diseño espacial más complejo.

El siguiente cuadro “Estudio del retrato de Jan Brandt”, obra de Sir Peter Paul Rubens (1577-1610), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1609.

Jan Brandt era un importante funcionario de la ciudad de Amberes además de un erudito humanista. Su hija, Isabella, será la primera esposa de Rubens, con la que se casará el 3 de octubre de 1609. La relación entre Jan y Rubens será muy estrecha, continuándose incluso después de la muerte de Isabella en 1626 –posiblemente como consecuencia de la peste– como se pone de manifiesto en este retrato fechado en 1635.

El siguiente cuadro “Retrato de una dama”, obra de Jan Cornelisz. Verspronck (1606-1662), óleo sobre lienzo, esta datado en 1640; tiene unas medidas de 102 x 78 cm.

Verspronck fue un retratista muy exitoso en Haarlem, aunque la evidencia documental de su carrera es escasa y su fecha exacta de nacimiento es desconocida. Era hijo de un pintor, fue fuertemente influenciado por Frans Hals en su carrera temprana. El cuadro retrata a una mujer cuya identidad es desconocida, las joyas y vestuario de la modelo, con su espléndido collar tipo molino, es el testimonio de su alta posición social.

El siguiente cuadro “El descanso en la huida a Egipto”, obra atribuida a Il Cerano (1573-1632), óleo sobre plancha de cobre, esta datado en 1600; tiene unas medidas de 23.8 x 19.3 cm.

Giovanni Battista Crespi, llamado el Cerano fue un pintor, arquitecto y escultor italiano, activo durante el manierismo tardío y el primer barroco.

El estilo de Cerano es complejo; combina el colorido y una elegancia en la postura de las figuras típica del manierismo tardío al que por nacimiento pertenece, con una intensidad mística y un gusto por los detalles realistas que prefiguran el barroco.

El siguiente cuadro “Autorretrato”, obra Antonio Bellucci (1654-1726), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1684; tiene unas medidas de 49 x 40 cm.

El pintor en el autorretrato puede tener alrededor de treinta años, era cuando Bellucci, era ya ex soldado recibió sus primeros conocimiento con Antonio Zanchi, fue establecida su reputación artística de Venecia.

El siguiente cuadro “Ecco Homo”, obra de Jacopo Comin o Tintoretto (1518-1594), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1585.

Tintoretto en su juventud también recibió el apodo de Jacopo Robusti, pues su padre defendió las puertas de Padua frente a las tropas imperiales de una manera bastante vigorosa. Su verdadero apellido, “Comin”, fue descubierto por Miguel Falomir, jefe del departamento de Pintura Italiana del Museo del Prado.

El siguiente cuadro “El martirio de una santa femenina”, obra de Françoise de Nomé, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en el siglo XVII.

François de Nomé (1593-1620) fue un pintor francés del periodo barroco, activa principalmente en Nápoles.

Los temas son, típicamente decrépitas con ruinas extrañas o edificios medio derruidos en un ambiente surrealista. Las personas son diminutas figuras, cielos nublados, tonalidades de tierra, y bordes indistintos. Su representación de Venecia Piazza di San Marco está correctamente poblado por las estructuras de la propia plaza, pero los detalles son siempre inventados.

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre con barba”, obra de Sir Anthony van Dyck (1599-1641), realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 52 x 46 cm.

El cuadro es un bosquejo y los estudios preparatorios para dos de las figuras de tamaño natural en el gran retrato de grupo de los Concejales de Bruselas pintadas para el Ayuntamiento en Bruselas.

El siguiente cuadro “Retrato de George Drummond”, obra de Thomas Gainsborough (1727-1788), realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 233 x 151 cm.

George Drummond (1758-1789) de Stanmore, era el segundo hijo de Robert Hay Drummond, el arzobispo de York, fue un socio principal en Drummonds Banco. Se casó (en segunda nupcias) con Martha, la hija mayor y heredera de Rt Hon. Thomas Harley el 30 de noviembre de 1779. Este retrato y el de su compañera, la señora Drummond (Montreal Museum of Fine Arts) probablemente fueron encargados para la nueva casa de Harley, Berrington Hall, Herefordshire.

El siguiente cuadro “Escena de costa”, obra de Claude-Joseph Vernet (1714-1789), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1750; tiene unas medidas de 97 x 123 cm.

Vernet hizo su reputación como pintor en Roma y atrae a una clientela internacional como especialista en la pintura marina. En 1750 pintó una serie de cuatro ovales momentos del día con destino a Joseph Leeson, más tarde Lord Milltown.

El siguiente cuadro “George, segundo conde de Harcourt, su esposa Elizabeth, y su hermano William”, obra de Joshua Reynolds (1723-1792), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1780; tiene unas medidas de 148 x 172 cm.

George Simon Harcourt (1736-1809) sucedió en el segundo conde de Harcourt en 1777. Se casó con su primo, Elizabeth Vernon, en 1765. Este retrato muestra a la pareja en trajes de la coronación, y con coronas.

El siguiente cuadro “La familia de Darío ante Alexander el Grande”, obra de Antonio Bellucci (1654-1726), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1716; tiene unas medidas de 213 x 564 cm.

El cuadro representa a la familia del rey persa derrotado, Darío, se arrodillan ante Alejandro, pero equivocadamente hace sus súplicas de perdón a su compañero, Hefestión. Alejandro muestra modestia y magnanimidad en su respuesta.

El siguiente cuadro “Los jardines de las Tullerías, en tiempo lluvioso”, obra de Camille Pissarro (1830-1903), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1716; tiene unas medidas de 65 x 92 cm.

Este es uno de los dieciséis lienzos pintados desde las ventanas del apartamento Pissarro que tenia alquilado en 204 rue de Rivoli, París, a partir de enero de 1899. El paisaje se ve una parte de las Tullerías hacia el río Sena, con las torres de la iglesia de Sainte-Clotilde a la derecha. El clima era húmedo y frío, pero apropiado para la luz nacarada y efectos tenues que Pissarro deseaba transmitir.

El siguiente cuadro “La toilette”, obra de Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), realizado en aceite, esta datado en 1891; tiene unas medidas de 58 x 46 cm.

El artista pintó varias variaciones de este tema en 1891. El estilo y el tema recuerdan obras similares de Degas. Aunque ejecutado en el aceite, la tarjeta absorbente da a la superficie una apariencia en colores pastel.

El siguiente cuadro “Restaurante la Sirène, Asnières”, obra de Vincent van Gogh (1853-1890), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1887; tiene unas medidas de 52 x 64.4 cm.

El cuadro fue pintado un año después de van Gogh se había trasladado a París desde su Holanda natal. La respuesta del artista a la obra de los impresionistas es evidente en los movimientos cortos y en los matices de la paja con un especial color brillante. Asnières, es un distrito en el río Sena, cerca de París, era popular entre los impresionistas y el lugar donde Van Gogh hizo varias pinturas, que data de su primer periodo en París.

El siguiente cuadro “Vista desde mi ventana, Éragny-sur-Epte”, obra de Camille Pissarro (1830-1903), realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 65 x 81 cm.

La pintura muestra una vista desde la casa del Pissarro en Eragny, mirando hacia el pueblo de Bazincourt. El edificio alto de la izquierda se convirtió en el estudio de Pissarro cuando compró la propiedad en 1892. La composición, que el artista conoce como “moderno primitivo”, se inició en 1886, pero no terminó hasta dos años más tarde, en la técnica puntillista esmerada que Pissarro usó solamente durante un par de años.

El siguiente cuadro “Retrato de Mademoiselle Claus”, obra Edouard Manet, realizada en 1868, en óleo sobre lienzo, tiene unas dimensiones 111 x 70 cm.

El escenario en que el pintor Manet pinta tres figuras que se hicieron pasar por Le Balcon eran todos amigos cercanos de la artista. Fanny era una concertista de violín que estaba especialmente cerca de Madame Manet; Berthe Morisot era ya una artista consumada, que había tomado lecciones informales de Manet, y que más tarde se casó con su hermano, Eugène; y Antoine Guillemet era un pintor impresionista menor.

El balcón el pintor hacer un manejo del pincel extraordinariamente seguro, y la coloración de los personajes es audaz y sutil, así como su vestimenta desde el negro más profundo de chal y zapatos, terminando por el blanco puro brillante del vestido y pasando por el delicado malva de la hoja verde de la contraventana y las barandillas.

El siguiente cuadro “Un molino cerca de Zaandam”, obra Claude Monet (1840-1926), realizada en 1871, en óleo sobre lienzo, tiene unas dimensiones 42 x 73,5 cm.

El cuadro fue pintado durante una visita de Monet a Holanda. El color es suave y el cielo es nublado pero el suelo blanco en el que está pintado da una luminosidad natural a la escena y las variadas pinceladas crear un efecto fresco, azotada por el viento. Fue pintado cerca de Zaandam, localidad situada a unas doce millas de Ámsterdam.

El siguiente cuadro “Paisaje con una iglesia del pueblo”, obra Edouard Manet, realizada en 1870, en óleo sobre lienzo, tiene unas dimensiones 30 x 44 cm.

El Paisaje puro no es muy común en la obra de Manet a pesar de su amistad con los impresionistas. El color tenue y la luz con una pincelada fina sugiere que esta visión de una fecha no identificada de la ciudad de principios del decenio de 1870.

El siguiente cuadro “Atardecer en Bas Meudon”, obra de Charles-François Daubigny (1817-1878), realizada en 1874, en óleo sobre tabla de madera, tiene unas dimensiones 38 x 67 cm.

El cuadro fue pintado en la localidad de Bas Meudon, cerca de París en 1874. Hay otra pintura, tomada desde el mismo lugar que esta fechada de 1869, y se expone en el Louvre. Las dos pinturas son muy similares, pero como los árboles son más altos en la pintura de Oxford, es poco probable que haya sido una copia de la otra. Escenas del río, divididos en bandas de cielo, el agua y los bancos oscuros, son muy comunes en la obra de Daubigny.

El siguiente cuadro “El Camino de sirga”, obra de Christopher Richard Wynne Nevinson (1889-1946), realizada en 1912, en óleo sobre lienzo, tiene unas dimensiones 76,5 x 56 cm.

En 1912, poco antes de Nevinson había roto con el uso de elementos narrativos tradicionales para girar su pintura hacia el futurismo, pintó este episodio de la vida urbana. La técnica es una característica del estilo post impresionista que Nevinson utilizaba en este momento, la creación de una atmósfera inquietante, intensamente romántico. Se registra con precisión Canal en Marylebone, donde el canal entra en el túnel de Maida Hill.

El siguiente cuadro “Un canal en Brujas en la oscuridad”, obra de Enrique-Eugene-Augustin Le Sidaner (1862-1939), realizada en 1898, en óleo sobre lienzo, tiene unas dimensiones 49 x 65 cm.

Le Sidaner visitó Brujas por consejo de Camille Mauclair, se dedico al paisaje en la búsqueda de uno de los canales como un tema que varía constantemente en los últimos años. Tarde y noche efectos en canales abandonados se convirtieron en su motivo favorito. Su segunda visita a Brujas, en 1899-1900 duró más de un año. Una etiqueta de la galería Goupil en la parte posterior sugiere que la señora Weldon podría haber comprado este cuadro desde el propietario, William Marchant, quien promovió la obra de Le Sidaner en el mercado de Londres.

El siguiente cuadro “Caperucita Roja”, obra de George Frederic Watts (1817-1904), realizada en 1864, en óleo sobre lienzo, tiene unas dimensiones 26.4 x 25.1 cm.

Este es el primer tratamiento de Watts del tema, es una ilustración de un cuento de hadas de Perrault. Fue pintado en 1864 y comprado por Sir William Bowman, cuyo retrato Watts pintó al año siguiente.

El siguiente cuadro “Puente de Walton”, obra de Joseph Mallord William Turner, realizado en 1806, en óleo sobre lienzo.

Puente Walton es un puente levantado en 1780 en la carretera a través del río Támesis, aguas arriba del Gran Londres, entre Walton-on-Thames y Shepperton, que cruza el río Támesis, en el tramo comprendido entre Sunbury Lock y Shepperton Lock.

Turner realizó varios cuadros en este puente aunque en esta ocasión manifiesta una fuerte inspiración de Claude Lorrain por su forma de tratar el paisaje.

El siguiente cuadro “Whalley Bridge y Abadía”, obra de Joseph Mallord William Turner, realizado en 1811, en óleo sobre lienzo.

Es una escena que Turner pinto durante su visita a Oxford, se acerco hasta Whalley Brige para pintar su puente al otro lado se dibuja ciertas líneas de la abadía cercana.

El siguiente cuadro “Una calurosa bienvenida”, obra de Sir Lawrence Alma-Tadema (1836-1912), en óleo sobre lienzo, tiene unas dimensiones 30 x 91 cm.

El cuadro describe la vida de una antigua familia romana que vuelve a casa y recibe una cálida bienvenida. Los personajes representan la propia familia de Alma-Tadema: el padre es el artista, la chica a continuación, su hija Laurense. El grupo central comprende su hija menor, Anna, que abraza a su madrastra, Laura. A la izquierda, una enfermera, inspirada en Alicia Buscar, lleva el bebé Pieter Rodeck.

El siguiente cuadro “Puente de Londres en la noche de la boda de los Príncipes de Gales”, obra de William Holman Hunt (1827-1910), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1863; tiene unas dimensiones 65 x 98 cm.

Holman Hunt estaba entre la multitud en el puente de Londres en la noche del 10 de marzo de 1863, para celebrar el matrimonio de la princesa Alexandra de Dinamarca para el futuro Eduardo VII. Hizo dibujos de ella, pero no terminó esta pintura hasta el 16 de mayo 1864, el retoque en 1866. Él estaba fascinado por los contrastes de luz natural y artificial y por las multitudes.

El siguiente cuadro “Suave Primavera” obra de Frederick Sandys (1829-1904), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1864; tiene unas dimensiones 121 x 64 cm.

El cuadro de Sandys se expuso en la Royal Academy en 1865 acompañado en el catálogo por un soneto por el amigo del artista, Charles Algernon Swinburne. El personaje fue pintado en el jardín del poeta y novelista, George Meredith. Ella representa a Proserpina al regresar de la tierra de los muertos. Sandys se unió al círculo de Rossetti en 1857 y vivió con él en Cheyne Walk durante la mayor parte de 1866.

El siguiente cuadro “Las semillas y frutos de la Poesía Inglesa” obra de Ford Madox Brown (1821-1893), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1846; tiene unas dimensiones 36 x 46 cm.

El cuadro fue ideado para ilustrar el ennoblecimiento del idioma inglés por Chaucer, esta pintura fue planeada en Londres y se compuso en Roma en 1845 y se terminó después del regreso de Brown a Inglaterra. El panel central muestra Geoffrey Chaucer leyendo en la corte de Eduardo III, con su patrón, el Príncipe Negro, a su izquierda.

El siguiente cuadro “Retrato de Charles Augustus Howell” obra de Frederick Sandys (1829-1904), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1882.

Charles Augustus Howell (1840-1890) fue un comerciante de arte y un presunto chantajista se dio a conocer por persuadir al poeta Dante Gabriel Rossetti para desenterrar los poemas que había enterrado en el féretro de su esposa Elizabeth Siddal. Su reputación como un chantajista inspiró Arthur Conan Doyle en la historia de Sherlock Holmes 's, “Charles Augustus Milverton”.

El siguiente cuadro “Una familia británica convertida alberga a un misionero cristiano de la persecución de los druidas”, obra de William Holman Hunt (1827-1910), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1850; tiene unas dimensiones 111 x 141 cm.

Originalmente el cuadro fue concebido como una entrada sobre el tema “un acto de misericordia” para el certamen de la Medalla de Oro en la Royal Academy en 1849, esta pintura representa un incidente a principios de la historia de la iglesia inglesa. Una familia cristiana esconde a un sacerdote de una multitud de paganos y druidas, quienes ya han cogido otro sacerdote en el fondo. La pintura está llena de alusiones simbólicas, en consonancia con el pensamiento anglicano contemporáneo: el sacerdote recuerda a Cristo y sus discípulos, el niño con el taparrabos de piel de Juan el Bautista y los jóvenes mayores exprimiendo las uvas evoca la Eucaristía.

Son las 14,00 horas y damos por terminado nuestra visita a este importante museo. Hemos entrado atraídos por la importante colección de arte egipcio y nos vamos con una visita a una de las pinacotecas más importantes del mundo. En realidad no son cuadros definitivos pero si posee una representación de obras menores de los más importantes pintores de la historia de la pintura. Sobretodo tiene una colección muy importante de pintura italiana medieval, pintura holandesa, inglesa y una digna representación de los impresionistas franceses; todo un lujo para un día soleado en la ciudad de Oxford.

Regresamos por donde hemos venido hacia el centro de la ciudad camino del Colegio Universitario más famoso de Oxford se trata del Christ Church. El punto más céntrico de la se denomina Carfax, lugar donde confluyen las cuatro calle principales: Commarket Street, Queen Street, High Street y St. Aldate’s. Domina el lugar la Torre de la desaparecida iglesia de St. Martin.

De camino pasamos por la calle Cornmarket donde se encuentra la iglesia de San Michel, se levanta en un cruce calles donde se encontraba la entrada a la ciudad de Oxford por la denominada Puerta Norte.

La iglesia es el edificio más antiguo de la ciudad de Oxford algunas partes datan del año 950 con su antigua Torre Sajona.

Todos los demás restos de la iglesia original han desaparecido, las partes que han sobrevivido de la iglesia son el presbiterio, la parte oriental de la nave sur (la más cercana al altar), y la puerta sur, toda esta parte data del siglo XIII.

La ventana del este de la capilla contiene cuatro ventanales de alta calidad con vidrieras que datan del siglo XIII, estamos ante una de las vidrieras más antiguas de Oxford. Después, del siglo XIV se conserva el camarín y el transepto norte (donde se encuentra el actual órgano), mientras que en el ala norte y la nave también son del siglo XIV.

El baptisterio tiene una pila bautismal que esta data de esta época; fue retirada de la antigua iglesia de San Martín en Carfax y pudo haber sido utilizada por William Shakespeare, el escritor asistió a un bautismo en San Martín como padrino al hijo de un amigo de Oxford.

El lugar de la situación de la iglesia de San Miguel en el centro de la ciudad llevaba a la presencia de algunos feligreses ricos, lo que dio lugar a que la iglesia entrase en un proceso constante de demolición, reconstrucción y ampliación. A lo largo de las paredes se pueden ver numerosos memoriales dedicados a ciudadanos de Oxford, como académicos y estudiantes de colegios vecinos.

La iglesia fue restaurada completamente en el siglo XIX, y posteriormente después del un desastroso incendio de 1953. Desde entonces, el proyecto más grande y ambicioso ha sido la restauración de la torre en 1986.

Enfrente de la iglesia de St. Michel, si continuamos por Commarket Street esquina con la calle Ship Street se encuentra la casa más antigua de la ciudad se la conoce como Tudor House, es una reminiscencia medieval de una casa que en sus principios se dedicaba como posada, destaca por sus impresionantes entramados de madera que están retorcidos. En la actualidad es una conocida cafetería y tiendas.

En la misma calle y debajo de Commarket Street podemos ver el Carfax Tower, es una pequeña parte que ha llegado a nuestro días de la antigua iglesia de St. Martin’s del siglo XIII. En su fachada hay un estupendo carillón con las palabras en latín “Fortis est veritas” la verdad es poderosa.

Si continuamos por lo prolongación de la calle, aquí se llama St. Aldate’s, en el lado izquierda se encuentra un magnifico edificio de estilo victoriano perteciente al Ayuntamiento de Oxford, en su interior se encuentra el Museo de Oxford que exhibe una parte de la historia de la ciudad.

El Christ Church es un prestigioso colegio, conocido como “The House”. El horario para las visitas es de 14 p.m. a 16,15 p.m. el precio ticket familiar es de 18 libras. Con la entrada tienes derecho a ver la parte más destacada del colegio pero una mínima parte.

El colegio fue fundado en 1525 por el cardenal Wolsey y refundado en 1545 por Enrique VIII, sobre los restos de la antigua Abadía de St. Frideswide’s se levantó la Catedral de Oxford que coincide con la capilla mayor del colegio.

La entrada principal al colegio se hace por la llamada Wolxey’s Gateway, coronada por la Tom Tower, esta parte del colegio fue construida por Wren en 1681, en su cúpula se encuentra la campana Great Tom de 6,5 toneladas, suena todas las tardes a las 21,05 ciento una veces, una vez por cada miembro fundador.

Comenzamos por la visita por el gran Hall, tiene una escalera monumental, en el centro una única pilastra gótica de palmera sujeta la bóveda con techos nervados, fue construido en 1529 y dicen que es el más bella de todo Oxford. En su interior se celebran los grandes acontecimientos del colegio, en sus paredes cuelgan los retratos de los personajes más famosos vinculados al colegio, desde Enrique VIII a su lado Isabel I y al otro lado Wolsey, obras de Sommans, John Locke hasta Charles Dodgson.

Seguimos la visita hasta el jardín principal Tom Quad, es considerado el patio más grande de todos los colegios de Oxford, en el centro está decorado con la estatua romana de Mercurio.

Se accede a la capilla del colegio y Catedral de Oxford, fue construida en el siglo XII y está considerado uno de los edificios más antiguos de la ciudad y una de las catedrales anglicanas más pequeñas de Inglaterra.

El interior, la planta es de una sola nave y un añadido en lo que corresponde con la capilla Latina. A la entrada a la izquierda se puede ver la Vidriera de Jonas, fue construida por Abraham van Linge en 1630. En ella aparece solamente la figura de Jonas está hecha de estaño. El resto la conforman pequeños paneles de cristal pintado que describen la ciudad de Níniva representada en gran detalle.

Al fondo de la capilla Latina podemos ver la vidriera de Santa Frideswide, fue diseñada por Edward Burne-Jones en 1858. En el panel superior muestra un barco lleno con las almas que lleva a Santa Frideswide hasta el cielo. Los paneles inferiores de la vidriera nos hablan de la vida y la obra del la santa en el siglo VIII.

Muy cerca se encuentra el relicario de la santa, fue construido en el año 1289, aunque con la reforma fue destruido en 1538. Posteriormente fue reconstruido en 1889.

El monumento más antiguo es la iglesia convertida en la catedral de Oxford. Su decoración esta recubierto de temas vegetales y de caras. En sus comienzos guardaba las reliquias de Santa Frideswide, patrona de la ciudad de Oxford.

A la izquierda de la nave se encuentra el Altar de Bell, fue diseñado por Jim Patridge en el año 2000. Su construcción obedece a la conmemoración del milenio y está dedicado a la memoria del Obispo George Bell, que luchó contra el bombardeo de ciudades alemanas en la Segunda Guerra Mundial.

En la nave central destaca la nervada bóveda del coro, fue diseñada por William Orchard en 1500. Está dispuesta con una serie de relieves en forma de estrella con la finalidad de imitar la imagen del cielo celestial. Esta sujeta por doce cimbras ornamentales talladas en piedra.

En el centro del ábside encontramos la vidriera de Santa Catalina, fue diseñada por Edward Burne-Jones en 1878. En la que se parecía el rostro de Santa Catalina de Alejandría, esta basado en el retrato de Edith Liddell, hermana de la famosa Alicia, inspiradora del libro Alicia en el país de la maravillas. En el comedor (Great Hall) de Christ Church se puede ver otro retrato de Alicia.

En el extremo derecho podemos ver la famosa vidriera de Becket, esta datada en 1320, tiene una característica medieval y corresponde como la más antigua de la catedral. El panel muestra el martirio del arzobispo Thomas Becket, que murió en la catedral de Canterbury en el año 1170. Becker se muestra arrodillado entre un monje y los cuatro caballeros que lo asesinaron. En el siglo XVI el panel dañado, el rostro de Becket desapareció y se encuentra en paradero desconocido.

Saliendo por una de las puertas de la nave podemos llegar al claustro de estilo gótico, esta construido con piedra dorada. Contiene una gran variedad de monumentos, escudos de armas y esculturas figurativas y conduce al Gran Salón, es el lugar donde se filmaron escenas en las películas de Harry Potter. El portal de la Sala Capitular es del siglo XII en estilo normando ricamente tallado con molduras en zig-zag.

La sala capitular (ahora corresponde con la tienda) data de principios del siglo XIII y es contemporánea con la sala capitular de las catedrales de Salisbury y Chester. La bóveda de es de crucería inglesa temprana está decorada con medallones pintados con frescos de santos y ángeles (un tanto descoloridas) y con medallones de madera tallada.

Nada más salir de la Universidad nos topamos con otro de los edificios emblemáticos es la University Church of St Mary Oxford, se encuentra en la calle High Street, la entrada es gratuita y la subida a la torre cuesta 2,5 libras.

La iglesia paso a la historia de Inglaterra por ser el lugar donde se juzgaron a los mártires de Oxford. Aquí declararon cada uno de los tres obispos anglicanos: Latimer, Ridley y Cranmer, que fueron quemados en la hoguera en Oxford durante el reinado de la reina católica, la reina María, se sometieron a parte de su juicio en esta iglesia de Santa María. Su delito principal no era creer en la doctrina de la transubstanciación (doctrina católica romana de la Eucaristía, definida por un canon del Concilio de Trento.), aunque Cranmer, arzobispo de Enrique VIII, también había jugado un papel crucial en la caída de la madre de la reina María, Catalina de Aragón.

Se conoce que antes de la construcción de la iglesia actual gótica hubo otra anglosajona de la que no han quedado restos, la parte más antigua del edificio actual es la Torre Campanario (1280) con su aguja profusamente decorada que fue añadida entre 1315 y 1325.

La portada desde la calle principal esta decorada con una doble columna renacentista sobre un pórtico donde tiene una hornacina con la imagen de la Virgen y el niño, fue diseñado por Nicholas Stone en 1637 y en parte pagados por el capellán arzobispo Laud Dr. Morgan Owen.

La colocación de una estatua de la Virgen y el Niño por encima del pórtico fue uno de los cargos que se formulen contra Laud por sus opositores puritanos en su juicio en 1641.

En el interior la zona más antigua es la Adam de Brome Capilla, se apoya en el lado oeste de la torre, y fue añadida en 1328 por el entonces Rector, Adam de Brome, quien también creó en 1324 la casa de la Santísima Virgen María, un nuevo colegio que más tarde sería conocido como el Oriel College.

La capilla está amueblada como una sala de audiencias donde el Rector de la Universidad tenía una jurisdicción sorprendentemente amplia: fijaba alquileres, ventas, multas por tener carne en mal estado, e incluso envió una mujer a la cárcel.

El presbiterio fue reconstruido en 1453, se cree que los restos de Amy Robsart, esposa de Robert Dudley, el favorito de la reina Isabel, fueron enterrados aquí en 1560.

El altar esta presidido por el cuadro “El ángel se aparece a los pastores” obra de Francesco Bassano (1549-1592).

La reconstrucción de la nave en el estilo gótico perpendicular fue completada sobre 1510. Fue decorada con esculturas en piedra Painswick en su reacondicionamiento de 1827 y el mobiliario de altar de la nave se introdujo en la década de 1970.

Aparte de unos pocos fragmentos medievales de la ventana del este, el vitral dedicado a Santa María es del siglo XIX. Lo más notable es la ventana 1843 que representan la vida de Santo Tomás, situada en el extremo este de la nave sur.

El gran vitral situado al oeste es de 1891, fue diseñado por Charles Eamer Kempe, representa el árbol de Jessé con los ángeles, profetas, y patriarcas del Antiguo Testamento.

Seguimos nuestro camino por la calle Catte Street camino de otro de los edificios más importantes de Oxford, se trata de la Biblioteca Bodleiana. En estos momentos ya no se puede visitar porque el horario era hasta las 16,15 horas.

La parte más visible de la biblioteca es la Torre de los Cinco Órdenes (Tower of the Five Orders). La torre recibe este nombre porque está ornamentada, en sentido ascendente, con columnas de cada uno de los cinco órdenes de la arquitectura clásica: dórico, toscano, jónico, corintio y compuesto.

La Biblioteca Bodleiana oficialmente es conocida como Bodley's Library de Oxford, también es nombrada como “The Bod”, se inauguró en 1602 con una colección de 2000 libros reunidos por Thomas Bodley director del Merton College de Oxford para sustituir a la biblioteca que había sido donada a la Divinity School por Hunfredo de Gloucester hermano de Enrique V de Inglaterra), pero que se había dispersado durante el siglo XVI.

En 1610, Bodley llegó a un acuerdo con la Worshipful Company of Stationers and Newspaper Makers de Londres para depositar en la biblioteca una copia de cada libro que registrasen. La colección Bodleiana creció tan rápido que se necesitó una primera ampliación del edificio en 1610-1612, y otra en 1634-1637. Cuando John Selden murió en 1654, legó a la Bodleiana su gran colección de libros y manuscritos.

En 1911, el “Copyright Act” mantuvo el acuerdo con los Stationers haciendo que la Bodleiana fuera una de las seis (en aquel entonces) bibliotecas del Reino Unido depositarias de una copia de cada libro con derechos de autor.

En 1913 se abrieron dos plantas para almacenaje bajo la Cámara Radcliffe y la Plaza Radcliffe. En los años treinta del siglo XX se abrieron un nuevo y amplio almacén y sala de lectura, el edificio New Bodleian (Nueva Bodleiana). Un túnel bajo la calle Broad conecta la Vieja y la Nueva Bodleiana.

Justo enfrente se encuentra la sala gótica de la Divinity School, Oxford, es de pago y esta abierta hasta las 17,00 horas lo que nos permite previo pago de 1 libra echar un vistazo.

La Divinity School es un edificio medieval de estilo gótico ingles o perpendicular, forma parte de la Universidad de Oxford. Construido entre 1427 y 1483, es el edificio más antiguo que aún sobreviviente para uso universitario, específicamente fue dedicado para conferencias, exámenes orales y debates sobre la teología. Ya no se utiliza para este ultimo propósito, aunque Oxford tiene clases de teología que se imparten por su Facultad de Teología, que se encuentra en la Facultad de Teología Centro, 41 St Giles, Oxford.

El techo gótico de la sala principal es una composición en pañuelo decorado con numerosas claves en los techos, diseñado por William Orchard en la década de 1480.

El edificio está conectado físicamente a la Biblioteca Bodleian (con la biblioteca del duque Humfrey en la primera planta por encima de ella), y se encuentra frente al Teatro Sheldonian, donde los estudiantes se matriculan de posgrado. En el otro extremo de la entrada Bodleian Library, una puerta conduce a la Convocation House (construido 1634-7).

Caminamos unos metros hacia el norte en busca del famoso Puente Bridge of Sighs. El Puente de Hertford, popularmente conocido como el Puente de los Suspiros, fue diseñado para unir dos partes de Hertford College sobre New College Lane, en Oxford. Su distintivo diseño lo convierte en un símbolo de la ciudad.

El puente se refiere a menudo como el Puente de los Suspiros, debido a su supuesta similitud con el famoso Puente de los Suspiros en Venecia. Sin embargo, el Puente Hertford nunca fue pensado para ser una réplica del puente de Venecia, y de hecho tiene un parecido más cercano al puente de Rialto en la misma ciudad.

Hay una falsa leyenda que dice que hace muchos decenios, se hizo una encuesta sobre la salud de los estudiantes, y como los estudiantes de Hertford College eran los más gordos de la ciudad. El colegio cerró el puente para obligar a los estudiantes a tomar las escaleras, dándoles un ejercicio extra. Sin embargo, en la actualidad se utiliza para que los estudiantes no tengan que salir a la calle.

Regresamos al parking donde tenemos nuestra autocaravana para salir rápidamente hasta Canterbury, nos separan 213 Km. y tardamos poco más de dos horas en llegar.

Vamos directamente al área de autocaravanas de Canterbury pero cuando llegamos ya no podemos entrar porque el horario es hasta las 20,30 horas, aunque hay plazas libres.

Nos quedamos en un apartado en la misma puerta para que mañana a primera hora podamos acceder al área.

El área de autocaravanas en Canterbury se encuentra situado en el parking P+R+ Bus. La coordenadas GPS del lugar corresponden con




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