Viaje a inglaterra y escocia



Descargar 1.24 Mb.
Página8/24
Fecha de conversión01.07.2017
Tamaño1.24 Mb.
1   ...   4   5   6   7   8   9   10   11   ...   24

Más adelante y cambiando de sala podemos ver el cuadro “Cardenal Richelieu”, obra de Philippe de Champaigne, esta datado en 1633, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 259.5 x 178.5 cm. Se expone en la sala 18.

El pintor Philippe de Champaigne realizó varias versiones del retrato del cardenal Richelieu. Uno de ellos nos muestra al primer ministro de Luis XIV de pie con su vestimenta cardenalicia en una postura rígida que muestra el poder que tenia. La figura se sitúa delante de una cortina que está entre abierta y muestra al fondo un paisaje. La monumentalidad del cuadro nos muestra a un Richelieu como un político ansioso de poder, dejando de un lado la devoción y abnegación que les son más propias para un miembro de la iglesia católica.

El siguiente cuadro “Triple retrato del Cardenal Richelieu”, obra de Philippe de Champaigne, esta datado en 1642, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 58.7 x 72.8 cm. Se expone en la sala 18.

Este cuadro en pequeño formato pudiera dar lugar a pensar que se trataba de una obra personal, no fue así, el cuadro fue pintado y enviado desde París a Roma para que fuera utilizado en sus tres poses como modelo por escultor Francesco Mocchi, quien trabajaba en un busto del Cardenal Richelieu.

El siguiente cuadro “Retrato Cardenal Retz”, obra de Jakob Ferdinand Voet, esta datado en 1676, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 72,5 x 58,2 cm. Se expone en la sala 18.

En el cuadro aparece Jean-François Paul de Gondi, más conocido como el Cardenal de Retz. Sobrino de Jean-François de Gondi, primer arzobispo de París, nació en el seno de una familia perteneciente a la pequeña nobleza florentina que, siguiendo a María de Médicis, se instaló en Francia.

El siguiente cuadro “La adoración de los pastores”, obra de los Hermanos Le Nain, esta datado en 1640, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 109.2 x 138,7 cm. Se expone en la sala 18.

El cuadro viene a informarnos ciertos cambios en el orden litúrgico para indicar que hay una vuelta atrás en el tratamiento de ciertas imágenes. El estado de ánimo en la pintura es de una calma y quietud inusual, centrado en el Niño Jesús acostado sobre la paja.

El siguiente cuadro “El retorno de caza”, obra de Joseph Parrocel, esta datado en 1700, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 109 x 104 cm. Se expone en la sala 18.

Es un cuadro costumbrista donde nos muestra cómo vivía una parte de la elite social de la época, donde se representa como el señor ha regresado de caza y lleva sus piezas ante la señora amada en compañía de todo un séquito.

Quizás en este tipo de cuadros estudio el pintor Goya, incluso en la escena del quitasol del fondo parece la misma escena que años después plasmo el pintor español.

El siguiente cuadro “Alexander y su doctor”, obra de Eustache Le Sueur, esta datado en 1648, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 96 x 96 cm. Se expone en la sala 18.

El cuadro representa la historia de la relación entre Alejandro Magno y Felipe, su médico, en este pasaje Alejandro cayó enfermo, uno de sus generales le escribió una carta de advertencia de que Felipe, había sido corrompido por el enemigo persa. Alexander confió sin embargo en Felipe y sin miedo bebió la medicina que este último había preparado.

Más adelante cambiamos de sala y vemos el primer cuadro “Bacanal” de Nicolas Poussin, esta datado en 1632, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 98 x 142.8 cm. Se exponen en la sala 19.

Poussin trata en algunos cuadros el tema de la relación mitológica con el dios Baco, en este cuadro se puede ver una columna de piedra coronada por un dios, ante la que la gente baila, canta o pelea por los efectos del vino.

El siguiente cuadro “Paisaje con un hombre sacando agua del arroyo”, obra de Nicolás Poussin, esta datado en 1637, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 63 x 77 cm. Se exponen en la sala 19.

Poussin es una importante figura en el desarrollo de la pintura de paisajes. En sus primeras pinturas, el paisaje normalmente formaba un fondo gracioso para un grupo de figuras; más tarde progresó a la pintura de paisaje por sí mismo, aunque la figura nunca acaba de estar ausente.

El siguiente cuadro “La adoración del becerro de Oro”, obra de Nicolás Poussin, esta datado en 1633, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 153.4 x 211.8 cm. Se exponen en la sala 19.

El tema del cuadro está tomado de nuevo del Éxodo. Es la escena en que se encontraba Moisés en el Sinaí orando, y Yahvé le revelaba las leyes recogidas en las tablas de la ley. Viendo que Moisés tardaba, el pueblo solicitó a Aarón un dios a quien adorar. Con el oro de sus joyas fundieron un becerro y lo adoraron como a Yahvé. Al día siguiente, hicieron sacrificios y una gran fiesta, momento que recoge el lienzo.

Fue pintado como parte de un par de cuadros (el otro es El paso del Mar Rojo) encargado por Amadeo dal Pozzo, Marchese di Voghera de Turin, un primo de Cassiano dal Pozzo, el patrocinado principal de Poussin en Roma.

El siguiente cuadro “Céfalo y Aurora”, obra de Nicolás Poussin, esta datado en 1630, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 96.9 x 131.3 cm. Se exponen en la sala 19.

Una buena parte de la obra de Poussin la dedica a pintar escenas mitológicas en este caso se representa a Aurora (diosa del amanecer), se enamoró de la Céfalo mortal y trató de seducirlo.

Aurora se eleva desde el mar cada día; por lo tanto, el dios dormido es probablemente Oceanus. Su venida anuncia el día; es llevado por Apolo (el dios del sol), al volante de su carro. La figura de la izquierda del caballo alado Pegaso puede ser Terra, una diosa asociada con el inicio de la jornada.

El siguiente cuadro “La cría de Baco”, obra de Nicolás Poussin, esta datado en 1628, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 80.9 x 97.7 cm. Se exponen en la sala 19.

La escena mitológica representa a la esposa de Júpiter Juno provocó la muerte de Semele y Júpiter tomó al niño de sus entrañas y lo cosió a su muslo, de donde nació. El infante Baco fue vigilado por la hermana de Semele Ino y Juno buscó venganza en Ino y su marido Athamas, pero Venus les transforma en dioses. Aquí, la tía de Baco Ino observa mientras él está en manos de su tío Athamas.

El siguiente cuadro “Ninfa con sátiros”, obra de Nicolás Poussin, esta datado en 1627, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 66.4 x 50.3 cm. Se exponen en la sala 19.

Este tipo de cuadros se hicieron muy populares entre cierta elite social, en este caso se ve a un sátiro como descubre el cuerpo desnudo de una ninfa para excitarse, mientras detrás de un árbol otro personaje del mismo género hace lo miso pero oculto entre sus sombras.

El siguiente cuadro “El triunfo de pan”, obra de Nicolás Poussin, esta datado en 1636, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 135.9 x 146 cm. Se exponen en la sala 19.

Este cuadro fue encargado por el cardenal de Richelieu que lo envió desde Roma a París en mayo de 1636 para ser expuesto en su palacio de Poitou junto con su compañero, “El triunfo de Baco” (expuesto en Kansas City, Nelson-Atkins Museum of Art), que fue diseñado para formar parte de la decoración de Gabinete du Roi en el Château de Richelieu. Hay una serie de dibujos preparatorios de Poussin para esta pintura, incluyendo algunos en la colección de S.M. La Reina en el castillo de Windsor.

Cambiamos de sala y el siguiente cuadro “El puerto de embarque de Santa Úrsula”, obra de Claude (Claude Lorrain), esta datado en 1641, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 112.9 x 149 cm. Se exponen en la sala 20.

El cuadro cuenta la leyenda de Santa Úrsula era una princesa británica que hizo una peregrinación a Roma con 11.000 compañeros vírgenes. Ella volvió con ellos a Colonia, donde todos fueron martirizados. Santa Úrsula se muestra aquí, en amarillo y con una bandera con su emblema, mirando a sus compañeros se embarcan en el viaje de regreso. Las chicas llevan arcos y flechas, los instrumentos de su martirio. El edificio de la izquierda se basa en el Tempietto di San Pietro in Montorio, Roma.

El siguiente cuadro “Paisaje de Aeneas en Delos”, obra de Claude (Claude Lorrain), esta datado en 1672, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 99.6 x 134.3 cm. Se exponen en la sala 20.

La pintura muestra a Eneas, un héroe de la Guerra de Troya, en Delos, una sagrada isla al dios del sol Apolo y Diana, su gemelo. Eneas (vestida de rojo) es acompañada por su padre Anquises (uniforme azul) y su hijo Ascanio. Ellos son recibidos por Anio, rey de Delos y sacerdote de Apolo.

El siguiente cuadro “Paisaje con David en la cueva de Adulam”, obra de Claude (Claude Lorrain), esta datado en 1658, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 111.4 x 186.5 cm. Se exponen en la sala 20.

El cuadro representa la escena en que David acompañado de sus seguidores está ante la cueva de Adulam; tres valientes arriesgan sus vidas al romper a través de las filas de los filisteos para traer agua del pozo junto a la puerta de Belén. A su regreso el rey David se dio cuenta de que había arriesgado su vida para un propósito era muy frívolo y ofreció el agua al Señor.

El siguiente cuadro “Imaginario paisaje con edificios en Tivoli”, obra de Gaspard Deugnet, esta datado en 1670, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 49.2 x 66.2 cm. Se exponen en la sala 20.

El cuadro representa un paisaje imaginario donde en el primer plano se ven varios personajes descansando y jugando con un perro, un camino sinuoso nos lleva a otra figura acompañada de un perro que caminan hacia la cima en un paisaje de la campiña de las afueras de Roma. La vista se creía anteriormente que representaba a la antigua ciudad de Ariccia, pero ahora han sido identificados los edificios que se encuentran en Tivoli tal como eran durante la vida de Dughet.

El siguiente cuadro “Un puerto”, obra de Claude (Claude Lorrain), esta datado en 1644, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 103 x131 cm. Se exponen en la sala 20

Claude ha pintado un puerto que no existe en la realidad es una representación imaginara durante un atardecer. A la izquierda es una adaptación de una pasarela construida en 1570 y que lleva a los Jardines Farnese del Foro en Roma. Detrás de él está el Arco antiguo de Tito.

El siguiente cuadro “Paisaje con una cabrera y cabras”, obra de Claude (Claude Lorrain), esta datado en 1636, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 52 x 42 cm. Se exponen en la sala 20.

Claude pinta este paisaje idealizado donde se ve una cabrera tumbada cuidando su rebaño de cabras evoca las Pastoras Vírgenes, esta pintado durante los trabajos del mes de mayo en la villa de Madama de Roma.

El siguiente cuadro “Castillo encantado”, obra de Claude (Claude Lorrain), esta datado en 1664, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 87,1 x 151,3 cm. Se exponen en la sala 20.

El cuadro recibió el nombre de Paisaje con Psique fuera del Palacio de Cupido es un cuadro lleno de poesía fue rebautizado como El castillo encantado, es un paisaje grandilocuente que se deja subordinada al área histórica-mitológica.

El siguiente cuadro “Paisaje con Agar y un ángel”, obra de Claude (Claude Lorrain), esta datado en 1646, realizado en óleo sobre lienzo y montado en tabla; tiene unas medidas de 52,2 x 42,3 cm. Se exponen en la sala 20.

En este cuadro paisajístico Claude interpreta una parte del Génesis en el que la sirvienta Agar quedó embarazada por Abraham. Ella se había peleado con la esposa de Abraham Sara, que no tenía hijos. Agar se marcho y salió corriendo cuando se entero de su embarazo. Un ángel salió en el camino cerca del desierto. Él le dijo que el niño, Ismael, fundaría una gran tribu. Para ello debe de regresar a Sarah.

El siguiente cuadro “Una visión de Roma”, obra de Claude (Claude Lorrain), esta datado en 1632, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 60,3 x 84 cm. Se exponen en la sala 20.

Claude interpreta en esta pintura una visión imaginaria de Roma, en el primer plano unos personajes que muestran la vida cotidiana en la parte monumental de la izquierda una visión precisa de una parte de Roma, a la derecha una ruina imaginaria. Entre los monumentos de la izquierda está el Convento del Sagrado Corazón y la iglesia de la Trinidad en la colina. Estos edificios están en la cima de lo que hoy se llama la Plaza de España.

Pasamos a la siguiente sala conde podemos ver el cuadro “Paisaje en el río con jinete y campesinos”, obra de Aelbert Cuyp, esta datado en 1658, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 123 x 241 cm. Se exponen en la sala 21.

Este diseño se centra más directamente en el paisaje que en las pinturas anteriores de Cuyp donde las figuras y animales están pintados minuciosamente. Las montañas están iluminadas por un sol bajo que domina la escena pacífica no es una característica del paisaje holandés, lo que denota una clara influencia de la pintura paisajística italiana.

Más adelante podemos ver el cuadro “La avenida en Middelharnis”, obra de Meindert Hobbema, esta datado en 1689, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 103.5 x 141 cm. Se exponen en la sala 21.

La pintura muestra el pueblo y la iglesia de Middelharnis en una provincia de Holanda del Sur. La vista es muy precisa y casi no ha cambiado desde el siglo XVII. El diseño de Hobbema con la avenida de árboles que retroceden hacia el centro de la imagen es simple pero a la vez majestuoso. Los árboles se utilizan para marcar la recesión rápida del primer plano de fondo, mientras que la expansión de los cielos se acentúa por los árboles que apuntan hacia arriba.

Más adelante podemos ver el cuadro “La plaza del mercado y la Grote Kerk de Haarlem”, obra de Gerrit Berckheyde, esta datado en 1674, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 51.8 x 67 cm. Se exponen en la sala 21.

El cuadro es un paisaje urbano de la ciudad de Haarlem y la vista de la plaza del mercado desde el noroeste del lado del ayuntamiento, en la derecha se representa un pórtico dórico que fue destruido. En el lado opuesto de la plaza esta la Grote Kerk (iglesia de San Bavón) del siglo XV y el Vleeshal (mercado de la carne) a la derecha. Ambos edificios se mantienen sin cambios hasta hoy.

Más adelante podemos ver el cuadro “Flores en el florero de terracota”, obra de Jan van Huysum, esta datado en 1736, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 133.5 x 91.5 cm. Se exponen en la sala 21.

El pintor Van Huysum era uno de los grandes especialistas de la época en la pintura de flores en la Holanda del siglo XVIII. Holanda comenzó a importar flores caras en el siglo XVII, y había una gran demanda por parte de la clase alta de pinturas que representaban estas flores exóticas esto obligo al pintor para que en las casas de los burgueses floreciesen las paredes.

Más adelante podemos ver el cuadro “Una mujer tocando un laúd con dos hombres”, obra de Gerard ter Borch, esta datado en 1667, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 67.6 x 57.8 cm. Se exponen en la sala 21.

La pintura representa la asociación entre la música y el amor es un tema frecuente en holandés en este género pintura. Aquí, como en muchas de las imágenes de Borch, es la relación entre las figuras que es deliberadamente ambiguo. Se invita al espectador a decidir si esto es sólo una escena doméstica feliz, o, posiblemente, una escena que tiene lugar en una casa de citas.

Más adelante podemos ver el cuadro “Figuras en una jardín italiano”, obra de Frederick de Moucheron, esta datado en 1665, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 73.7 x 93.2 cm. Se exponen en la sala 21.

El pintor representa un jardín italianizante que parece no inspirarse en un sitio concreto y puede ser fruto de su imaginación. El cuadro del pintor holandés transmite sus conocimientos sobre la pintura Italiana gracias a su visita al país para empaparse de los clásicos.

Cambiamos de sala donde podemos ver el cuadro “Retrato de grupo”, obra de Gerbrand van den Eeckhout, esta datado en 1657, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 163 x 197 cm. Se exponen en la sala 22.

El cuadro fue realizado para algún estamento oficial donde se muestran los funcionarios de la Alianza, que incluye a hombres que hacían barriles para el vino importado en Ámsterdam y los que tomaron muestras y para su embotellado. El hermano del pintor Jan aparece entre los nombres que aparecen en el documento sobre la mesa, pero no ha sido identificado. De fondo de la pintura aparece una pintura de San Matías, era patrona de los toneleros, y las herramientas talladas en la trama son las utilizadas por los toneleros en la fabricación de las barricas. El nombre de la Alianza está escrito en el sello que se cierne sobre el borde de la mesa.

Este tipo de retrato de grupo, mostrando los funcionarios de un gremio, organización caritativa o cuerpo cívico, fue muy popular en los Países Bajos durante el siglo XVII.

El siguiente cuadro “Interior de la Oude Kerk, Ámsterdam”, obra de Emanuel de Witte, esta datado en 1660, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 79.1 x 63.1 cm. Se exponen en la sala 22.

Estamos ante un pintor interiorista especializado en las iglesias, en esta ocasión representa una visión bastante exacta de la nave central y sur de la Oude Kerk (San Nicolás), Ámsterdam. La escena se ha modificado ligeramente por el artista: el pequeño órgano se muestra incorrectamente en la nave sur y no en la nave norte donde estaba colocada en realidad.

Cambiamos de sala donde podemos ver el siguiente cuadro “El baño de una mujer en el arroyo” obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1654, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 61.8 x 47 cm. Se exponen en la sala 23.

Rembrandt representa a una mujer que se levanta las faldas para no mojárselas, enseñando más de la cuenta, se cree que se trata de Hendrickje Stoffels, la segunda esposa de Rembrandt. Hendrickje entró a trabajar en la casa del artista en 1649 como ama de casa y a pesar de que el pintor le sacaba veinte años, acabó cayendo en sus redes y se convirtió en su modelo y compañera. Las dificultades económicas de Rembrandt le impedían casarse con ella. Si volvía a contraer matrimonio, perdería el derecho a la herencia de su primera esposa, Saskia, de la que había enviudado unos años antes.

Los ricos ropajes rojos y dorados que se ven en la orilla nos indican que es una dama de alto copete. Muchas veces, Rembrandt “camuflaba” los temas religiosos o mitológicos, evitando añadir elementos clave que permitiesen identificarlos claramente (a simple vista, pueden parecer obras costumbristas, pero no lo son).

El mismo año en que pintó la obra, Hendrickje era ya su concubina había sido víctima del escarnio público por haber dado a luz a una niña ilegítima sin estar casada con el artista. La nueva hija Cornelia, que fue bautizado el 30 de octubre 1654 (el año de esta pintura). La madre fue acusada de adulterio y excomulgada

Se ha sugerido que la túnica roja suntuosa en la orilla del río indica que la pintura podría ser un boceto para un cuadro religioso o mitológico, sin rematar; aunque da la sensación de ser un simple estudio, por la ligereza y libertad de las pinceladas. La imagen aparece inconclusa en algunas partes, por ejemplo, a la sombra en el dobladillo de la camisa levantada, el brazo derecho y el hombro izquierdo, aunque el artista lo firmó y lo fechó, dándolo por acabado.

El siguiente cuadro “Autorretrato a la edad de 63 años”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1669, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 86 x 70.5 cm. Se exponen en la sala 23.

Rembrandt hizo muchos autorretratos este cuadro fue pintado en el último año de su vida y es además uno de sus últimos lienzos. Murió el 4 de octubre 1669 y fue enterrado en la Westerkerk en Ámsterdam.

En esta imagen de su vejez, el artista lleva un abrigo de color rojo oscuro y una boina, con las manos cruzadas delante de él. El espectador se enfrenta a su mirada firme. Rembrandt pintó y grabó autorretratos durante toda su vida, pero las personas ejecutadas en sus últimos años, en la que se presenta a sí mismo en un estado de ánimo reflexivo, se encuentran entre los más conmovedores y desafiantes.

La pintura fue limpiada en 1967, revelando la firma dañada y la fecha. El análisis a través de rayos X revela dos pentimenti (alteraciones en el dibujo). Primero, un cambio en el tamaño y color de la boina, que en origen era más grande y toda de color blanco. En segundo lugar, originariamente las manos estaban abiertas y sostenían un pincel. Al pintar las manos cogidas, enlazadas delante de él, y sin el pincel se reduce su impacto dramático y permite que la atención se fije en la cara.

El siguiente cuadro “Retrato de Hendrickje Stoffels” obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1654, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 101.9 x 83.7 cm. Se exponen en la sala 23.

Rembrandt utilizó a su amante como modelo en múltiples cuadros, la identificación de la persona retratada en esta pintura se basa en gran medida en el conocimiento de la relación de la modelo con el artista, y la informalidad y el cariño con el que se representa. Su cabello está decorado con joyas y ella se muestra que llevaba un abrigo de pieles, con pendientes de perlas y una cadena alrededor de su cuello.

La pincelada libre, sobre todo en una envoltura de Hendrickje, ha llevado a sugerir que la pintura está sin terminar. Sin embargo, dado que se firmó la pintura, es probable que el propio Rembrandt considerara que estaba ya terminada. La ejecución meticulosa de la cara del sujeto, dándole mayor énfasis, es una técnica que se encuentra en muchos de los retratos de Rembrandt.

El siguiente cuadro “El adulterio admitido de una mujer”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1644, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 83.8 x 65.4 cm. Se exponen en la sala 23.

El cuadro representa la historia de la mujer que había sido acusada de adulterio. La pericope adulterae o perícopa de la adúltera es un nombre tradicional para un pasaje famoso sobre Jesús y la mujer sorprendida en adulterio correspondiente a los versículos del evangelio de Juan. El pasaje describe una confrontación entre Jesús y los escribas y fariseos sobre si la mujer debería ser apedreada. Con una sentencia terminante, Jesús avergüenza a los acusadores, y evita la ejecución.

El siguiente cuadro “Un hombre mayor como San Pablo”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1659, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 102 x 85.5 cm. Se exponen en la sala 23.

La pintura representa a San Pablo fue ejecutada dentro de una serie que Rembrandt dedico a los apóstoles y santos entre 1659-1660.

La conclusión de que se trate de San Pablo viene porque en el cuadro aparece un libro y la espada, símbolo de la palabra de Dios y el martirio del santo, respectivamente. El círculo en la esquina superior izquierda muestra el sacrificio de Isaac.

Rembrandt pinta en varias ocasiones al santo porque quizás tenía una cierta devoción por el personaje porque sin haber pertenecido al círculo inicial de los Doce Apóstoles, y recorriendo caminos jalonados de incomprensiones y adversidades Pablo se constituyó en el motor de construcción y expansión del cristianismo en el Imperio Romano, merced a su talento, a su convicción y a su carácter indiscutiblemente misionero. Su pensamiento conformó el llamado cristianismo paulino, una de las cuatro corrientes básicas del cristianismo primitivo que terminaron por integrar el canon bíblico.

El siguiente cuadro “Retrato de Frederick Rihel a caballo”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1663, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 294.5 x 241 cm. Se exponen en la sala 23.




Compartir con tus amigos:
1   ...   4   5   6   7   8   9   10   11   ...   24


La base de datos está protegida por derechos de autor ©bazica.org 2019
enviar mensaje

    Página principal