Viaje a inglaterra y escocia



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Estamos ante un retrato grande en tamaño donde se puede ver al personaje Frederick Rihel a caballo, era un importante mercader de la ciudad de Ámsterdam y no dudaba en exhibir sus riquezas por eso era considerado como un soltero vanidoso. Además es conocido su afición por los caballos por lo que Rembrandt le sitúa ante un hecho histórico como fue la conmemoración de la visita de estado realizada por el príncipe Guillermo III de Orange a Ámsterdam en 1660. Frederik pidió al pintor que inmortalizará el recuerdo porque él iba en esa comitiva como caballero por lo que al fondo, iluminada con un potente haz de luz, observamos la carroza con el joven príncipe en su interior.

Es un importante cuadro de Rembrandt donde representa a tamaño natural con sus ropas más elegantes y un gesto de satisfacción en el rostro por la felicidad que le provocó participar en la comitiva real. Caballo y caballero se recortan sobre un fondo neutro, aunque la sombra también se introduce en algunas zonas de las figuras y nos dificulta la visión.

Era un extranjero y tuvo que comprar los derechos de burguesía en 1662 para hacer negocios en la corte esto se llamaba Poorterrecht, era un derecho para ser reconocido como un burgués y poder gozar de los privilegios que se les concedía, llegó a formar parte de la escolta de honor del príncipe, este derecho solamente se debía entre las familias más pudientes de Ámsterdam.

El siguiente cuadro “La caballería hace una salida de una fortaleza en una colina” o “Batalla a los pies de un fortín”, obra de Philips Wouwermans, esta datado en 1646, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 139 x 190.5 cm. Se exponen en la sala 23.

Wouwermans es un pintor holandés que se especializó en paisaje de batallas muchas de ellas idealizadas y que tuvo gran éxito sobre todo en las cortes de Francia y España.

Wouwerman se enmarca en la extensa nómina de pintores holandeses y flamencos del siglo XVII («maestros menores») que produjeron de forma masiva para el mercado abierto, generalmente formatos reducidos y sin complejidades temáticas. Al contrario que Rembrandt, Frans Hals y Rubens, que solían trabajar por encargo, los «maestros menores» como Wouwerman vendían sus obras en mercados y mediante intermediarios, por lo que se especializaban en un género hasta ganarse un renombre y una demanda de la clientela, generalmente burguesa.

El siguiente cuadro “Retrato de Jacob Trip”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1663, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 130.5 x 97 cm. Se exponen en la sala 23.

Una característica principal de los retrato de Rebrandt era enfatizar a través de la expresión la posición social del personaje retratado.

Este cuadro fue pintado junto con el de su esposa Margaretha de Geer, en este caso las ropas son tan ligeras y esquemáticas que se funden en el tenebroso claro oscuro sin transmitir ningún sentimiento de lujo o de grandeza recabando la atención en la expresividad de sus caras y secundariamente de sus manos. En el caso de este personaje le pone una venda en la cabeza y una bufanda para enfatizar más aún si cabe el rostro.

Lo que verdaderamente quiere mostrar el pintor es profundizar en el personaje para pintar su alma de todo lo demás no quiere saber nada aunque estas personas eran ricas y poderosas pero el pintor no le daba la menor importancia.

El recurso técnico del pintor es el claro oscuro dejando la mayor parte de la obra en sombra e iluminar una parte del cuadro desde un único punto de luz, de esta forma mete en las sombras la parte no esencial y realza la parte que verdaderamente tiene interés para el espectador. El resultado es un cuadro con un alto grado emocional que nunca antes había sido considerado por los pintores europeos.

El siguiente cuadro “Margaretha de Geer”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1663, realizado en óleo sobre lienzo, tiene unas medidas de 130.5 x 97 cm. Se exponen en la sala 23.

Esta es la pareja del cuadro de su esposo Jacob Trip, pese a ser unas personas acaudaladas pero Rembrandt hace un trabajo honesto y la representa como verdaderamente era. Ella confronta al espectador directamente y su edad se demuestra claramente en sus manos y la cara. No era atípico para una mujer de su generación y la edad que ella tenía que se vista con ropa pasada de moda: en esta caso lleva una gran gorguera –pieza indumentaria a modo de pañuelo fino ya en desuso que cubría el cuello o el escote– había estado de moda cuarenta años antes, en la década de 1620.

El siguiente cuadro “Retrato de Margaretha de Geer”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1661, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 75.3 x 63.8 cm. Se exponen en la sala 23.

En este cuadro Rembrandt no duda en tratar el rostro de la modelo con toques deslavazados y violentos, de condición impresionista, gracias a los cuales cobran relieve las arrugas epidérmicas, mostrando una piel dañada por el paso de los años a la estructura ósea que la soporta

El cuadro es de alta calidad y siempre ha sido catalogado como un Rembrandt, aunque hay algunas características técnicas inusuales respecto a la forma usual del pintor. La tierra con la que se prepara el lienzo es diferente de la clase Rembrandt normalmente utilizadas. Aunque inusual para Rembrandt, este método de preparación no es desconocida para una pintura del siglo XVII. El manejo de la pintura también difiere de la mayoría de los retratos por ser más fluido y rápido. Esto sugiere que la actual pintura es posible que no sea auténtica porque es diferente debido a las circunstancias de su creación.

El siguiente cuadro “Judá y Tamar”, obra de Aert de Gelder, esta datado en 1681, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 80 x 97 cm. Se exponen en la sala 23.

El cuadro nos habla de un episodio del Génesis donde Judá, el hijo de Jacob, con su nuera Tamar. Judá se casó con una mujer llamada Súa, quien le dio tres hijos en este orden: Er, Onán y Selá. Er desposó a Tamar, pero murió sin tener heredero. Onán se casó después de su muerte con la viuda Tamar según la Ley del levirato –un tipo de matrimonio en el cual una mujer viuda que no ha tenido hijos se debe casar obligatoriamente con uno de los hermanos de su fallecido esposo–. Más sabiendo que, debido a esa ley sus hijos no serían suyos, evitó consumar su relación. La conducta de Onán motivó su muerte. Judá pidió a Tamar que se quedara en la casa de su padre, hasta la mayoría de edad del tercer hijo, Selá, que la desposaría.

Tamar, pasando el tiempo y pensando que Judá nunca le daría a su último hijo por esposo, se disfrazó de prostituta y tuvo relaciones carnales con su suegro, que había quedado viudo. Tamar quedó embarazada. Aún sin que Judá la reconociera, logró que le entregara su sello y su bastón como prenda hasta que le pagara un cabrito prometido por prestarse a la relación. A los tres meses, dijeron a Judá que Tamar estaba embarazada, por lo que ordenó que la ajusticiasen como castigo por su adulterio. No obstante, Tamar probó gracias al sello y el bastón de su suegro que era él quien la había embarazado. Judá la perdonó, ya que se sentía culpable por no haberle dado a su hijo Selá. Tamar alumbró dos gemelos: Farés y Zara.

El siguiente cuadro “El pequeño Dort”, obra de Aelbert Cuyp, esta datado en 1650, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 66.4 x 100 cm. Se exponen en la sala 23.

El pintor nos describe un pasaje holandés donde al fondo aparece Dordrecht, tambien se adivina la Grote Kerk en el centro, y el Vuilpoort, uno de molinos de agua de la ciudad (demolido en 1864) a la izquierda.

El siguiente cuadro “El pato Sijctghen”, obra de Aelbert Cuyp, esta datado en 1650, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 66.4 x 100 cm. Se exponen en la sala 23.

Según la inscripción en la parte superior izquierda de la pintura, el pato Sijctghen, muy querido y un ejemplar bien prolífico, tenía veinte años en 1647 cuando Cuyp le pintó. Una segunda inscripción registra la muerte de Sijctghen tres años más tarde.

El siguiente cuadro “El gran Dort”, obra de Aelbert Cuyp, esta datado en 1650, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 157,5 x 197 cm. Se exponen en la sala 23.

Este paisaje es una obra de madurez de Aelbert Cuyp, probablemente de finales de la década de 1650, se manifestaron por la excepcional calidad de la representación monumental de las vacas, tres en reposo, y una de pie observando plácidamente la lechera haciendo su trabajo.

El siguiente cuadro “Castillo Ubbergen”, obra de Aelbert Cuyp, esta datado en 1655, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 32.1 x 54.5 cm. Se exponen en la sala 23.

Ubbergen es una pequeña localidad holandesa cerca de Nijmegen, en la provincia de Gelderland. El castillo, que había sido durante mucho tiempo una ruina, fue derribado en 1712. Debido a su destrucción parcial durante la ocupación española en 1582, el castillo del siglo XIV fue visto por los holandeses como símbolo nacional. Así la pintura luminosa de Cuyp del edificio pudo haber evocado sentimientos patrióticos a los espectadores contemporáneos.

El siguiente cuadro “El Mosa en Dordrech en la tormenta”, obra de Aelbert Cuyp, esta datado en 1645, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 49.8 x 74.4 cm. Se exponen en la sala 23.

El cuadro representa una enorme tormenta, a la derecha está la localidad de Dordrecht, donde se ve el perfil de la plaza Grote Kerk. El horizonte es muy bajo, lo que da una mayor importancia a la nave en el primer plano y el cielo dramático. Escenas de tormenta son muy inusuales en la obra de Cuyp. Aquellos que le conocen indicaron que el cuadro parece haber sido pintado a principios de su carrera y esta pintura probablemente data de la segunda mitad de la década de 1640.

Pasamos a la siguiente sala donde podemos ver el cuadro “Saskia van Uylenburgh en el ultraje de Arcadia”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1635, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 123.5 x 97.5 cm. Se exponen en la sala 24.

Saskia van Uylenburgh (1612-1642), fue hija de un burgomaestre de Leeuwarden, en Frisia, se casó con Rembrandt en 1634 por medio de su boda consiguió una gran dote. Se habían conocido en el estudio de su prima de Hendrick Uylenburgh, que era el empleador de Rembrandt después de su llegada a Ámsterdam. De sus cuatro hijos, sólo Tito estaba vivo en el momento de su muerte en 1642.

Rembrandt pintó este retrato en el año después de su boda. Al mostrar Saskia como Flora, la diosa romana de la primavera, reflexionó la moda contemporánea para Arcadia, que se podían encontrar en los poemas y obras de teatro, así como en la pintura.

El siguiente cuadro “Retrato Aechje Claeschr”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1634, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 71.1 x 55.9 cm. Se exponen en la sala 24.

En este caso Rembrandt utiliza un óvalo para retratar a Aechje Claeschr, viuda de un cervecero Rotterdam, Jan Dammaszn. Pesser. Su hijo, Dirck Jansz. Pesser y su esposa fueron retratados por Rembrandt en el mismo año.

El siguiente cuadro “Retrato Aechje Claeschr”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1634, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 71.1 x 55.9 cm. Se exponen en la sala 24.

En este caso Rembrand utiliza un ovalo para retratar a Aechje Claeschr, viuda de un cervecero Rotterdam, Jan Dammaszn. Pesser. Su hijo, Dirck Jansz. Pesser y su esposa fueron retratados por Rembrandt en el mismo año.

El siguiente cuadro “El festín de Baltasar”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1636, realizado en óleo sobre lienzo, tiene unas medidas de 167.6 x 209.2 cm. Se exponen en la sala 24.

El cuadro representa un episodio del Libro de Daniel donde Baltasar de Babilonia celebra un banquete en el que los comensales toman bebidas y comen en cuencos y vasos saqueados del templo de Jerusalén por Nabucodonosor, durante la conquista de la capital de los judíos que condujo a la cautividad de Babilonia. En medio del festín surge una misteriosa mano que escribe un enigmático mensaje en la pared: mene, tekel, ufarsin (“una mina, un siclo y dos medias minas”). Nadie, salvo Daniel, pudo interpretarlo (mene, ha contado Dios tu reino y le ha puesto fin; tekel, has sido pesado en la balanza y hallado falto de peso; ufarsin, ha sido roto tu reino, y dado a los medos y persas)

El cuadro responde a la pretensión de Rembrandt por establecerse como un pintor reconocido de grandes pinturas de historia al estilo barroco. Las figuras no pretenden reflejar una belleza ideal, sino mostrarse de forma realista, con arrugas e imperfecciones, y una gran expresividad (mostrando sorpresa y asombro en ojos y rostros) y gestualidad de todo el cuerpo, intentando capturar el momento en el que los asistentes al festín advierten, aterrorizados, el milagro de la escritura en la pared.

El siguiente cuadro “Retrato de Philips Lucasz”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1635, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 79.5 x 58.9 cm. Se exponen en la sala 24.

El cuadro corresponde al retrato Philips Lucasz de Middelburg, hizo su carrera dentro de la compañía Dutch East India Company. Fue nombrado Consejero General Extraordinario de las Indias Orientales Holandesas en 1631. En 1633 regresó a los Países Bajos como el comandante de una flota de comercio y en el año siguiente se casó con Petronella Buys cuya familia procedía de La Haya. Con fecha de 1635 se hizo un retrato de su esposa (ahora en Francia, en una colección privada). Los dos retratos fueron pintados durante una estancia en Ámsterdam, cuando Lucas, recibido de la empresa la cadena de oro que exhibe con orgullo. En mayo 1635 Lucasz regresa a Ámsterdam desde las Indias Oriental. Murió en el mar en 1641.

Originalmente en la obra se incluyó la mano izquierda, pero después de pintada y terminada es cuando el retrato se transformó de su formato original, pasó de rectangular a su actual forma oval. Esto probablemente se hizo a finales del siglo XVII.

El siguiente cuadro “Autorretrato a la edad de 34 años”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1640; realizado en óleo sobre lienzo, tiene unas medidas de 102 x 80 cm. Se exponen en la sala 24.

Para hacer este autorretrato, Rembrandt se inspira de dos grandes retratos del renacimiento italiano: el Baldassare Castiglione de Rafael y el Retrato de hombre de Tiziano. Rembrandt sin duda conoció el Castiglione, pues realizó un esbozo de este. Respecto al autorretrato de Rembrandt, la tela original tiene un fondo doble formado por una primera capa inferior de tierra roja basta, con una imprimación gris y más fina de blanco de plomo, tierra marrón y un poco de carbón. Las radiografías realizadas por la National Gallery revela un arrepentimiento: la mano izquierda de Rembrandt fue incluida inicialmente en el retrato, con los dedos descansando, luego fue eliminada. Respecto a la técnica, la carnación está realizada con dos capas de blanco de plomo, ocres amarillos y rojos, un bermellón y un pigmento marrón translúcido, probablemente tierra de Colonia. En el libro de restauración del National Gallery, revela un elevado contenido de blanco de plomo en la pintura. Es probable que la cara fuera modelada con la capa marrón de las sombras, seguida de los tonos tersos y opacos de las capas inferiores. Los colores del fondo y el parapeto están aplicados usando una sola capa gruesa, de pigmento térreo rojo y amarillo, negro y marrón translúcido combinado con blanco. El parapeto tiene dos capas: un submodelado de marrón cálido formado con ocre, laca roja, carbón animal, creta y blanco de plomo, con marrón amarillo más claro y delgado encima. El ocre amarillo de la capa superior ha sido ampliado con creta para aumentar la translucidez

Este retrato muestra a Rembrandt en el apogeo de su carrera, presentándose ante el espectador muy seguro de sí mismo, la pose vistiendo un traje elaborado en la moda del siglo XVI. Parece como si Rembrandt se refiere deliberadamente a sus famosos predecesores en este retrato, y por lo tanto se sitúa en la tradición de la grandes y viejos maestros.

El siguiente cuadro “Retrato de una mujer”, obra de Frans Hals, esta datado en 1640, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 79.8 x 59 cm. Se exponen en la sala 24.

El pintor representa el retrato de una mujer que se caracteriza por la gran atención a los detalles como el elegante traje que viste la mujer, es característico de aquella época alrededor de 1640, fecha en que el cuadro fue pintado. Ella lleva un collar de tres niveles grandes, arco de plata y puños de encaje con anchos adornos. En su mano izquierda sostiene un abanico de plumas fijadas y montadas en oro, suspendidas de una cadena de oro.

Aunque la modelo no ha sido identificada, el vestido elegante y las joyas sugieren que pudo haber sido la esposa de un rico ciudadano de Haarlem porque la ropa similar son usadas por la mujer representada en otro cuadro de la National Gallery “Retrato de un hombre, una mujer y un niño en una habitación” de Pieter Codde, que data de 1640, y en el “Retrato de una mujer” de Johannes Conelisz. Verspronck (Enschede, Rijksmuseum Twenthe) que fue pintado en el mismo año.

El siguiente cuadro “Hombre joven sostiene un cráneo”, obra de Frans Hals, esta datado en 1626, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 92.2 x 80.8 cm. Se exponen en la sala 24.

Esta pintura no se puede clasificar dentro de la sección de retratos, se trata de una alegoría de la vanidad, como recuerda la calavera que sostiene el joven, recuerdo de la transitoriedad de la vida y la certidumbre de la muerte. Este tipo de obra se conoce con el nombre de vanĭtas (palabra latina que significa vanidad), un nombre derivado de un verso en el Antiguo Testamento: «Vanidad de vanidades», dijo el Predicador; «todo es vanidad». La advertencia del cuadro es, por lo tanto, que se debe pensar en la muerte en todo momento, incluso durante la juventud.

Frans Hals sigue aquí un tema tradicional de la pintura holandesa: la representación de jóvenes con calaveras, como puede verse ya en grabados de principios del siglo XVI. Lo adoptaron también los caravagistas de la escuela de Utrecht, vistiendo a sus modelos con ropa exótica. No obstante, Hals se aparta de ellos en cuanto a que no adopta un fondo no es oscuro, sino claro, por lo que la figura no se desarrolla desde la oscuridad hacia la luz.

El siguiente cuadro “Dos seguidores de Cadmo devorados por un dragón”, obra de Cornelis van Haarlem, esta datado en 1588, realizado en óleo sobre lienzo pegado en madera de roble; tiene unas medidas de 148.5 x 195.5 cm. Se exponen en la sala 24.

El cuadro es un pasaje de la mitología griega contada en la Metamorfosis de Ovidio donde Cadmo era hijo de los reyes de Canaán Agenor y Telefasa, y hermano de Fénix, Cílix, Taso, Fineo y Europa. Cuando Zeus raptó a Europa, Agenor ordenó a sus hijos varones que fueran en su busca, prohibiéndoles volver sin ella, bajo pena de muerte.

Cada uno de los hermanos tomó un rumbo, pues ninguno sabía por dónde había ido Zeus; Fénix fundó Fenicia, de la que fue rey, y Cílix fundó Cilicia, siendo también su gobernante. Cadmo fue con su madre Telefasa hasta Rodas, donde construyeron un templo para Poseidón. Más adelante, desembarcaron en Tera y construyeron otro templo para Poseidón. Allí murió Telefasa inesperadamente, y Cadmo continuó su viaje hasta llegar al Oráculo de Delfos.

En el oráculo le aconsejaron que abandonase su búsqueda, vendase sus ojos, saliera por cualquier puerta y siguiese a la primera vaca que encontrase; donde la vaca se tumbase a descansar, Cadmo debía edificar una ciudad. Cadmo salió hacia el sur, y encontró una vaca con una mancha blanca en forma de luna en la frente. La siguió hacia Beocia, sin dejar que se detuviera, hasta que se dejó caer exhausta en el lugar donde se encuentra actualmente la ciudad de Tebas. Cadmo quiso ofrecer la vaca en sacrificio a Atenea, y le pidió a dos de sus hombres que trajeran agua de la fuente de Ares.

Al ver que sus hombres no volvían, nuestro héroe fue a la fuente de Ares, y se encontró con que estaba custodiada por un dragón consagrado al dios de la guerra, que había devorado a sus compañeros. Cadmo mató al dragón, y después de ofrecer el sacrificio se le apareció Atenea, ordenándole que le arrancara los dientes al monstruo y los plantase en la tierra, como si fueran semillas. De ellas crecerían los Spartai, hombres fuertemente armados, que debían pelear entre ellos. Cuando sólo quedaban cinco, dejaron de luchar y ofrecieron sus servicios a Cadmo.

El siguiente cuadro “El juicio de Paris”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1597, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 133.9 x 174.5 cm. Se exponen en la sala 24.

El pintor Rubens hizo varias versiones de este tema; una juvenil de formato reducido se conserva también en el Prado, y esta la National Gallery de Londres. Ésta, la última, fue pintada hacia 1638, cuando el artista estaba enfermo de gota.

Para realizar la obra, Rubens empleó un esquema basado en Rafael, manifestando su amor por el arte del Cinquecento. Las diosas están resaltadas por la luz y la técnica transparente utilizada por el pintor. Sus bellos cuerpos desnudos nos ponen de manifiesto el canon de belleza femenina durante el barroco, mientras que en los cuerpos masculinos observamos una clara referencia a Miguel Ángel.

Como con muchos relatos mitológicos, los detalles varían de una fuente a otra. La historia es mencionada con indiferencia por Homero (en la Ilíada) como un elemento mítico con el que sus oyentes estaban familiarizados, y fue desarrollada en las Ciprias, una obra perdida del ciclo troyano, de la que sólo se conservan fragmentos. Es narrada con más detalle por Ovidio en las Heroidas.

El Juicio de Paris ofreció naturalmente a los artistas la oportunidad de retratar tres mujeres desnudas idealmente hermosas, como en una especie de concurso de belleza, pero el mito, al menos desde Eurípides, trata más sobre la elección de los dones que cada diosa personifica: el subtexto del soborno es irónico y un ingrediente posterior.

El siguiente cuadro “Júpiter y Antiope”, obra de Hendrik Goltzius, esta datado en 1612, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 122 x 178 cm. Se exponen en la sala 24.

El pintor representa en su obra el momento anterior al que la bella Antíope sea seducida por Júpiter. Éste aparece en forma de sátiro mirando con ferviente deseo a una Antíope que duerme desnuda sobre un magnífico estudio de telas como lecho, la cubre una transparente gasa acentuando la desnudez el collar y los pendientes de perlas, además, los colores vibrantes y las formas audaces y escultóricas aumentan el dramatismo de la escena.

El siguiente cuadro “Un niño y una niña con gato y una anguila”, obra de Judith Leyster, esta datado en 1635, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 59.4 x 48.8 cm. Se exponen en la sala 24.

El cuadro representa la moralidad de lo que está bien y está mal. La escena nos presenta a un niño que ha conseguido atrapar a un gato utilizando como cebo una anguila, la niña tira de la cola del gato y este saca las garras para arañar. Se cree que el cuadro hace alusión a un proverbio holandés que decía “el que juega con gatos acaba arañado”.

Es importante acercarse a la pintura para poder ver con detalle las pinceladas de esta artista, sobre todo en el rojo de las mejillas y las bocas de los dos niños. Es indudable que, como artista, le daba a su marido mil vueltas.

El siguiente cuadro “Dos niños y una niña tocando música”, obra de Miense Molenaer, esta datado en 1635, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 68.3 x 84.5 cm. Se exponen en la sala 24.

El tema de esta pintura es costumbrista y fue muy demandado en el siglo XVII, en este caso los niños que tocan instrumentos de música celebran las fiestas despreocupados, muy propio de su juventud. El chico de la izquierda está tocando un violín, y el de la derecha un “rommelpot” (bote de ruido). La niña, que viste la gola de un soldado, lleva el acompañamiento con unas cucharas sobre un objeto metálico.




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